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Der Leitfaden für zeitgenössische Musiker zum Kontrapunkt

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Read Time: 13 min

German (Deutsch) translation by Valentina (you can also view the original English article)

Kontrapunkt ist eine der lohnendsten und reichhaltigsten Texturen in der Musik. Ein guter Kontrapunkt ist schön, interessant und intellektuell anregend. Die großen Komponisten der Geschichte, von Bach und Mozart, Debussy und Strawinsky, John Williams und Jerry Goldsmith, teilen alle das gemeinsame Merkmal einer Beherrschung des Kontrapunkts.

Wir werden einen Crashkurs durch die Konzepte des Kontrapunkts machen. Wir lernen die Grundlagen von Konsonanz vs. Dissonanz, die verschiedenen Arten von Bewegungen zwischen zwei Stimmen und allgemeine Richtlinien für das Schreiben eines effektiven Kontrapunkts.

Das Problem bei den meisten Kontrapunktbüchern und Kursen ist, dass sie nur lernen, wie man so etwas schreibt:


Leider hören nicht mehr viele Leute so Musik. Sicher, es ist brillantes Schreiben und es klingt großartig, aber es ist altmodisch (und ich meine WIRKLICH altmodisch. Sogar die Leute Ende des 18. Jahrhunderts hielten es für unmodern!). Könnten Sie sich vorstellen, mit so etwas eine Actionszene zu drehen? Oder was wäre, wenn die Black Eyed Peas das als ihre neueste Single herausbringen würden? Für einen kurzen Moment könnten sie als "brillant" angesehen werden, aber es würde nicht viel länger dauern als eine Modeerscheinung.

Da die Menschen ab Mitte des 18. Jahrhunderts lernen, wie man Musik schreibt, geben die meisten Menschen, die versuchen, sich mit Kontrapunkten zu beschäftigen, auf. Sie kommen zu dem Schluss, dass die Methoden veraltet und berührungslos sind, dass ihre Musik nicht nach all diesen "Regeln" leben muss und dass das Studium der Kunst des Kontrapunkts bedeutungslos ist.

Nun, ich bin hier, um zu argumentieren, dass Kontrapunkt eine absolut entscheidende Fähigkeit für jeden aufstrebenden Komponisten/Songwriter/Musikschöpfer ist, seine Musik zu lernen, zu verinnerlichen und in sie einzubeziehen. Und es wird auch nicht erforderlich sein, dass Sie ein paar Semester an einem Konservatorium verbringen, um zu verstehen. Nur ein paar grundlegende Richtlinien reichen aus, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern.

Was ich festgestellt habe, ist, dass, obwohl die spezifischen Regeln und Methoden des traditionellen Kontrapunkts das Lernen der meisten Schüler behindern, Sie auf dem besten Weg sind, Kontrapunkt in Ihre Musik zu schreiben, wenn Sie einige der grundlegendsten Konzepte verstehen effektiv und sinnvoll.


Was ist Kontrapunkt?

Kontrapunkt bezieht sich auf zwei oder mehr unabhängige Melodien, die gut klingen, wenn sie gleichzeitig gespielt werden. Kontrapunkt wird auch oft als Polyphonie bezeichnet.

Hier ist ein Beispiel für das, was wir nicht als Kontrapunkt bezeichnen:


Ja, es gibt zwei unabhängige Linien, aber die Figur in der linken Hand ist einfach ein Arpeggio-Muster, das als Begleitung dient und der Melodie in der rechten Hand untergeordnet ist. Denken Sie daran, dass im Kontrapunkt die Unabhängigkeit im Vordergrund steht. Auch wenn eine Zeile interessanter ist und mehr Aufmerksamkeit erregt (was sehr oft der Fall ist), sollte die andere Zeile für sich genommen immer noch gut klingen.

In diesem Tutorial werden wir mit Klangmusik arbeiten. Chromatik ist gerne willkommen, aber im Allgemeinen gehe ich davon aus, dass die meisten von Ihnen, die dies lesen, eher Michael Giacchino und Coldplay gegenüber Schönberg und Varese bevorzugen.


Stimmen

In diesem Tutorial werden wir hauptsächlich über einen zweiteiligen oder zweiteiligen Kontrapunkt sprechen. Obwohl Sie viele Beispiele für 3, 4 und mehr Stimmen finden, ist der 2-Stimmen-Kontrapunkt am einfachsten und am wichtigsten zu lernen.

Eine "Stimme" bezieht sich nicht wörtlich auf eine menschliche Stimme, sondern auf eine einzelne Melodielinie. Wenn zwei Melodien gleichzeitig spielen, müssen Sie die Stimmen unterscheiden.

Eine Stimme:


Zwei Stimmen:


Vier Stimmen:


Die Anzahl der Stimmen in einem Stück entspricht nicht der Anzahl der Instrumente. Sie könnten 100 Spieler eines massiven Orchesters haben, die genau dieselbe Melodie spielen, und es würde als eine einzige Stimme betrachtet werden.


Intervalle

Bevor Sie fortfahren, ist es wichtig, dass Sie die Intervalle genau kennen. Sie sollten in der Lage sein, den Unterschied zwischen einem perfekten 5. und einem verminderten 5., einem kleinen 3. und einem großen 3. usw. zu erkennen. Wenn das Konzept für Sie neu ist oder Sie eine Auffrischung benötigen, sollten Sie jetzt eine Pause einlegen, um dieses Tutorial zu lesen. Das meiste, was wir tun werden, ist die Analyse der Intervalle zwischen den beiden Stimmen. Daher ist es von größter Wichtigkeit, dass Sie dies fließend und mühelos tun können.


Konsonanz vs. Dissonanz

Eines der Hauptkonzepte, mit denen wir uns befassen werden, ist das der Konsonanz vs. Dissonanz.

Von thefreedictionary.com:

  • con·so·nance (kns-nns) - Vereinbarung; Harmonie; Übereinstimmung.
  • Dis·so·nance (ds-nns) - Mangel an Übereinstimmung, Konsistenz oder Harmonie; Konflikt.

In groben und einfachen Begriffen klingen Konsonanzen gut und Dissonanzen schlecht. Eleganter klingen Dissonanzen eher hart und angespannt, während Konsonanzen eher angenehm und erholsam klingen.

Welche Intervalle konsonant und welche dissonant sind, hängt weitgehend von Geschmack und Kontext ab, aber der allgemeine Konsens in der Klangmusik lautet:

  • Unisons, Oktaven, 5ths, 3rds und 6ths sind Konsonanzen
  • 2. und 7. sind Dissonanzen
  • Vierteln und Tritonen können je nach Kontext entweder konsonant oder dissonant sein

Dissonanzen können dann noch weiter abgebaut werden:

  • Dur 2nds und Moll 7ths sind weiche Dissonanzen
  • Minor 2nds und Major 7ths sind harte Dissonanzen

Verbindungen (Intervalle größer als eine Oktave) werden genauso behandelt wie ihre kürzeren Äquivalente (dh Neuntel werden als 2., 10. als 3. usw. behandelt).


Arten von Bewegungen

Im Kontrapunkt gibt es drei Arten von Bewegungen:

Parallele Bewegung: Beide Stimmen bewegen sich in die gleiche Richtung. Aus dem Frühlingsritus:


Gegenbewegung: Beide Stimmen bewegen sich in die entgegengesetzte Richtung. Von Wagners Auftakt zu Die Meistersinger von Nürnberg:


Schräge Bewegung: Eine Stimme bewegt sich, während die andere konstant bleibt. Aus Beethovens Rondo c-Moll:



Artenkontrapunkt

Es ist erwähnenswert, dass traditionelle Methoden das Studium des Kontrapunkts im Allgemeinen in 5 "Arten" aufteilen. Jede Art bezieht sich darauf, wie viele Noten in einer Stimme gegen wie viele Noten in der anderen Stimme spielen. Beispielsweise:

  • Die erste Art ist eine einzelne Note gegen eine andere einzelne Note. Wenn Sie in der oberen Stimme Viertelnoten haben, haben Sie in der unteren Stimme Viertelnoten.
  • Der Kontrapunkt der zweiten Art sind zwei Noten gegen eine. Wenn Sie Viertelnoten in der oberen Stimme haben, haben Sie Achtelnoten in der unteren Stimme.
  • Die dritte Art ist vier Noten gegen eine. Viertelnoten in einer Stimme bedeuten Sechzehntel in der anderen.
  • Der vierte Artenkontrapunkt dreht sich alles um Suspensionen und Synkopen.
  • Und schließlich die fünfte Art, genannt "florider Kontrapunkt", die im Wesentlichen eine freie Kombination der ersten vier ist.

Jetzt, wo ich das alles durchgemacht und erklärt habe: Ich werde nicht immer nur eine Art durchlaufen. Ein methodisches System, bei dem eine Komplexität auf eine andere aufgebaut wird, ist absolut sinnvoll, aber dies ist ein Crashkurs, und wir müssen Notizen schreiben! Stattdessen sollten die Richtlinien, die ich skizziere, für alle Arten von Kontrapunkten berücksichtigt werden, unabhängig davon, wie viele Noten Sie haben und wie viele andere Noten. Die Puristen unter Ihnen mögen es vielleicht nicht, aber wir schreiben unsere Abschlussarbeit nicht für einen Meister der Komposition. Wir versuchen nur, dem Jazz nahe genug zu kommen.


Richtlinien

Nachdem wir nun die Grundkonzepte von Konsonanz vs. Dissonanz und die drei Bewegungsarten kennen, können wir beginnen, einige Richtlinien für einen guten Kontrapunkt festzulegen. Ich nenne sie "Richtlinien", weil es in einer kreativen Kunst wie Musik offensichtlich keine Regeln gibt. Wenn Sie jedoch lernen möchten, wie Sie Ihren Kontrapunkt effektiv gestalten können, wird dringend empfohlen, die Richtlinien einzuhalten, bis Sie sich bewusst und zielgerichtet gegen sie entscheiden können.


Unabhängigkeit zwischen Stimmen

Der Hauptzweck des Kontrapunkts besteht darin, zwei getrennte, aber gleiche Melodien gleichzeitig spielen zu lassen. Getrennt bedeutet, dass sie an verschiedenen Orten ihren Höhepunkt und ihr Tal erreichen und sich zu unterschiedlichen Zeiten bewegen. Gleich bedeutet, dass beide für sich genommen interessante Linien sind und dass, wenn sie alleine gespielt würden, ein ausreichendes Gefühl für melodische Kontur und Interesse vorhanden wäre.

Diese beiden Zeilen stammen aus Debussys Präludium bis zum Nachmittag eines Fauns:


Hören Sie nur die oberste Stimme:

Und jetzt nur noch die leise Stimme:

Beachten Sie, dass sie zwar gut zusammenarbeiten, aber auch für sich selbst interessant sind. Beachten Sie auch den Kontrast der Bewegung. Wenn die Geigen Sechzehntelnoten haben, haben die Winde Viertel- und Achtelnoten. Wenn die Geigen ruhen, werden die Winde aktiver.


Ein Gleichgewicht der drei Bewegungsarten

Früher haben wir gesehen, dass es drei Arten von Bewegungen zwischen Stimmen gibt: Contrary, Parallel und Oblique. Ein starker Kontrapunkt verwendet ein Gleichgewicht aller drei Typen.

Im Allgemeinen ist eine Gegenbewegung am meisten bevorzugt, da sie das größte Maß an Unabhängigkeit schafft.

Schrägbewegungen sind beim Wechseln zwischen Stimmen sehr effektiv, sollten jedoch sparsam eingesetzt werden, wenn Sie die gleiche Tonhöhe in einer einzelnen Stimme konstant halten. Sie haben dann eine Stimme und lassen die zweite Stimme viel weniger wichtig und interessant erscheinen.

Hier ist eine effektive Verwendung der abwechselnden schrägen Bewegung von Beethoven:


Wie wir weiter unten sehen werden, sollte die parallele Bewegung im Allgemeinen für die 3. und 6. reserviert sein. Parallele Bewegung erzeugt einen großen Kontrast zwischen zu viel Gegen- und Schrägbewegung, aber Sie müssen vorsichtig sein, um zu vermeiden, dass Sie zu viel davon haben, oder Sie verlieren die Unabhängigkeit zwischen den Stimmen.

Beachten Sie, wie in diesem Beispiel aus Debussys Fêtes, obwohl es 5 separate Stimmen gibt, weil sie sich alle konsequent parallel bewegen, sie den Eindruck einer einzelnen Einheit erwecken:


Um eine echte Unabhängigkeit zwischen den Stimmen im Gegensatz zu einem einzelnen Funktionsblock zu schaffen, müssen wir die Verwendung von Bewegung verwechseln. Diese Klarinetten- und Fagottlinien aus Strawinskys Firebird haben ähnliche Motive, sind aber eindeutig richtungsunabhängig:



Ein Gleichgewicht zwischen Konsonanz und Dissonanz

Unsere nächste Überlegung wird ein Gleichgewicht zwischen Konsonanz und Dissonanz sein. Zu viel Konsonanz kann flauschig und langweilig sein:


Zu viel Dissonanz kann hässlich und schwer zu verstehen sein:


Die Entscheidung, was genau dieses "Gleichgewicht" ist, hängt ganz von den Absichten und dem Geschmack des Komponisten ab.

Nehmen wir zwei Beispiele mit unterschiedlichem Stil und vergleichen das Gleichgewicht zwischen Konsonanz und Dissonanz. Das erste stammt aus Schumanns Album für die Jugend:


Das zweite Beispiel stammt aus Bartoks Mikrokosmos:


Das Interessante an diesen beiden sehr stilistisch unterschiedlichen Phrasen ist, dass sie tatsächlich ein ziemlich ähnliches Verhältnis von Dissonanz zu Konsonanz aufweisen (7:25 im Schumann, 8:21 im Bartok). Der Bartok hat jedoch definitiv mehr Dissonanzen (20% im Schumann gegenüber 28% im Bartok). Beide Beispiele stützen sich meist auf Konsonantenintervalle, wobei Dissonanzen als zusätzliches "Gewürz" verwendet werden. Beachten Sie auch, wie die Dissonanzen voneinander beabstandet sind.


Ein Gleichgewicht der Intervalle

So wie Sie in allen anderen Bereichen ein Gleichgewicht benötigen, hilft ein Gleichgewicht der Intervalltypen dabei, Ihre Linien interessant zu halten.

  • 3rds und 6ths sollten generell bevorzugt werden (Steak)
  • Quinten und Oktaven sollten etwas weniger verwendet werden (Kartoffeln)
  • Dissonanzen sollten sparsam eingesetzt werden (Salz und Pfeffer)

Hören Sie sich dieses Beispiel aus Mahlers 4. Symphonie an und beachten Sie die vollständige Mischung der Intervalltypen (es ist auch ein brillantes Beispiel für unabhängige Rhythmen):



Vermeiden Sie parallele und direkte Quinten und Achteln

Dies ist eine der schwierigsten Regeln für Anfänger, da sie auf den ersten Blick wenig sinnvoll erscheint. Die Regel lautet: Wenn sich zwei Stimmen in dieselbe Richtung bewegen, sollten sie sich nicht in einem Intervall von einer 5. oder einer Oktave bewegen.

Der Grund für diese Regel ist, dass die Oktave und die 5. Primzahlintervalle sind. Wenn sich zwei einzigartige Stimmen in der Oktave oder der 5. parallel bewegen, entsteht der Eindruck, dass es sich tatsächlich um dieselbe Melodie handelt. Wenn sich Ihre beiden Stimmen also in der 5. oder Oktave parallel bewegen, verletzen Sie im Wesentlichen die gesamte Idee des Kontrapunkts, zwei unabhängige und getrennte Stimmen zu haben.

Das Problem, auf das die Schüler stoßen, ist, dass parallele Quinten und Oktaven mit einem ungeübten Ohr sehr schwer zu hören sind. Mein einziger Rat ist, diese Glaubensregel zu befolgen, denn wenn sich Ihre Ohren und Ihre Kontrapunktfähigkeiten entwickeln, werden Sie schließlich lernen, parallele Quinten und Oktaven zu hören, und sie werden für Sie tatsächlich falsch klingen.

Ich bin sicher, Sie werden diese Regel in vielen Beispielen als "gebrochen" empfinden. Eine der Hauptausnahmen von dieser Regel ist, dss parallele Quinten und Oktaven am Ende einer Phrase (dh in eine Trittfrequenz) als akzeptabel angesehen werden, wahrscheinlich weil die Interpunktion der Trittfrequenz den Effekt viel weniger störend macht.


Dissonanzen sollten sich auflösen

Im Allgemeinen sollte ein dissonantes Intervall in ein konsonantes Intervall aufgelöst werden. Dies bedeutet, dass wenn Sie eine Dissonanz für ein bisschen Würze verwenden und Spannung erzeugen, diese nur dann wirklich effektiv ist, wenn Sie diese Spannung dann lösen. Andernfalls klingt es wahrscheinlich nur so, als hätten Sie eine falsche Note gespielt!

Der einfachste Weg, eine Dissonanz aufzulösen, besteht darin, eine Tonhöhe konstant zu halten und die andere Tonhöhe in ein Konsonantenintervall zu verschieben. Schauen wir uns das Beethoven-Beispiel an, das wir zuvor verwendet haben, als wir eine schräge Bewegung zeigten:


Beachten Sie, wie jede Dissonanz zuerst als Konsonanz eingeführt wird, dann eine neue Note das Intervall dissonant macht und schließlich wieder in eine Konsonanz aufgelöst wird. Wenn Sie sich das Schreiben von Harry Gregson-Williams anhören, werden Sie hören, wie diese Technik überall angewendet wird.


Äußere Stimmen

Der zweiteilige Kontrapunkt ist großartig, aber die meiste echte Musik verwendet mehr als zwei Stimmen. Wenn Sie mehrere Teile verwenden, ist der Kontrapunkt zwischen den äußeren Stimmen das Wichtigste, auf das Sie achten müssen. Die oberen und unteren Stimmen werden am meisten gehört, daher sollten Sie sich beim Schreiben guter Zeilen darauf konzentrieren. Der Rest der Stimmen kann dann verwendet werden, um die Räume der Harmonie "auszufüllen".

Hören Sie sich dieses Beispiel aus Brahms '4. Symphonie an:


Hören Sie sich jetzt nur die oberen und unteren Stimmen an:


Wir bekommen immer noch im Wesentlichen den gleichen musikalischen Effekt. Die 1. Violine mit der oberen Stimme und Celli und Bässe auf der unteren Stimme bilden einen interessanten und effektiven Kontrapunkt. Die 2. Violinen und Bratschen dienen dann dazu, die Akkorde auszufüllen, wobei weniger Nachdruck erforderlich ist, um sie zu unabhängigen und interessanten Linien zu machen.


Abschluss

Überwältigt fühlen? Das wäre verständlich, ich habe nur eine Menge Informationen auf dich geworfen! Gehen Sie es Stück für Stück durch, nehmen Sie sich Zeit und spielen Sie mit jedem Konzept herum. Schreiben Sie Ihre eigenen Beispiele auf und hören Sie sie sich unbedingt an. Suchen Sie in einigen Ihrer Lieblingsmusik nach Kontrapunkten und ziehen Sie sie Intervall für Intervall auseinander, um zu sehen, wie sie funktioniert.

Ich hoffe, Sie behandeln diesen Crashkurs als Kontrapunkt als Einführung in die Kunst. Für viele von Ihnen werden nur diese Grundkonzepte ausreichen, um Ihrer Musik etwas mehr Raffinesse zu verleihen. Für andere, die ihr Lernen auf die nächste Stufe bringen möchten, würde ich vorschlagen, dass es jetzt Zeit ist, eines der traditionelleren Lehrbücher zu diesem Thema aufzubrechen und ernsthaft zu studieren.

Das am meisten empfohlene Buch ist "The Study of Counterpoint" von Johann Joseph Fux. Die Leute lieben dieses Buch, weil es schon immer existiert und es heißt, dass sogar Mozart daraus einen Kontrapunkt gelernt hat. Das Problem ist, dass es fast 300 Jahre alt wird. Ernsthaft! Während die Prinzipien alle da sind, kann es ein Kampf sein, den ganzen Weg durchzulesen.

Ich würde etwas empfehlen, das in einem zeitgemäßeren Ton geschrieben ist, wie "Counterpoint" von Kent Wheeler Kennan oder "Counterpoint in Composition" von Felix Salzer. Die Lehrbücher können teuer sein, aber Sie sollten in der Lage sein, ein gebrauchtes Exemplar bei Amazon oder Ebay zu finden.

Kontrapunkt mag eine lebenslange Studie sein, aber es ist ohne Frage eine lohnende Beschäftigung.

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