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Ein Leitfaden zur Erstellung eines epischen Orchestermusik-Tracks

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Difficulty:IntermediateLength:LongLanguages:

German (Deutsch) translation by Katharina Nevolina (you can also view the original English article)

Obwohl ich kein großer Fan von epischen Produktionen bin, sind sie definitiv das, wonach Produzenten, Regisseure und Spieleentwickler heutzutage suchen. Insgesamt kann man epische Orchestertracks in Filmen, TV, Werbung, Videospielen und Trailern hören. Sie unterstützen immer Spannung, Kampf, Jagd - all diese extrem dynamischen Momente, die immer die Aufmerksamkeit des Kunden auf sich ziehen (egal ob Spieler, Zuhörer oder Zuschauer, egal).

Dieses Tutorial ist ein Leitfaden, von dem ich hoffe, dass er Ihnen dabei hilft, Ihren eigenen epischen Orchestertrack zu erstellen. Lassen Sie uns anfangen!


Schritt 1: Zusammensetzung

Eine gute Komposition ist ein sehr, sehr wichtiger Teil der Musik. Es kann Ihnen sehr beim Arrangieren, Orchestrieren und beim MIDI-Mockup helfen.

Zuerst möchte ich auf etwas hinweisen - epische Orchestertitel sind sehr ähnlich. Hollywood ist eine riesige Maschine, die ständig epische Tracks produziert, und die meisten von ihnen klingen zu 70-80% gleich.

Um Sie und Ihre Kunden glücklich zu machen, sollten Sie etwas machen, das Ihnen vertraut vorkommt. Aber Sie sollten auf jeden Fall versuchen, ein Stück von sich selbst hinzuzufügen. Sind Sie müde von diesen I-VI-Akkorden? Fügen Sie etwas Neues hinzu, optimieren Sie die Harmonie, die Melodie, fügen Sie einige Kontrapunkte hinzu.

Es gibt fünf Dinge, die Sie berücksichtigen sollten, wenn Sie über die Komposition sprechen:

A. Melodisches Material

Melodie ist eines der wichtigsten Dinge in der Musik. Das von Wagner entwickelte 'Leitmotiv' ist eine gängige Technik, die in der modernen Film-/Spielemusik verwendet wird - eine Melodie, die mit einer Figur oder einem Ereignis verbunden ist. Denken Sie an "The Imperial March" aus Star Wars. Wenn Sie "The 13th Warrior" (Musik von Jerry Goldsmith) gesehen haben, werden Sie auf jeden Fall feststellen, wie er ein spezielles Motiv für den tödlichen Nebel (ein Symbol für das bevorstehende Übel) verwendet.

Lasst uns jetzt über dieses melodische Material nachdenken, über dieses Motiv. Sie sollten sehr vorsichtig sein, wenn Sie die Melodie wiederholen. Das bedeutet, dass Sie die Melodie nicht alle 8 Takte einführen sollten. Wenn Sie das tun, klingt es irgendwann langweilig und stumpf. Beginnen Sie Ihren Track mit der ersten Hälfte der Melodie oder nur mit einem bestimmten Intervall. Zum Beispiel hat die Musik für Terry Gilliams “Brazil“ (von Michael Kamen) eine bestimmte Melodie, die mit einem großen Sechsten beginnt. Oft verwendet er nur dieses spezifische Intervall, um auf wichtige Dinge hinzuweisen.

Außerdem sollte die Melodie leicht zu merken sein (man denke nur an John Williams) und auch originell. Das Hauptproblem (und Paradoxon) besteht jedoch darin, dass die meisten Ihrer Kunden (sofern Sie “im Geschäft” sind) diese Melodie gerne populär klingen lassen. (Worst-Case-Szenario - klingt wie “Batman Begins“ oder alles, was heute bekannt ist.)

Jetzt lassen Sie uns zusammenfassen:

  • Sie sollten versuchen, eine Melodie zu erstellen, die leicht zu merken (und zu singen) ist.
  • Sie sollten versuchen, Variationen der Melodie einzuführen, damit es nicht langweilig wird.
  • Sie sollten an bestimmten Stellen versuchen, bestimmte Fragmente der Melodie zu verwenden.
  • Sie sollten versuchen, eine originelle und interessante Melodie zu machen.
  • Und Sie sollten versuchen, eine Melodie zu machen, die bekannt ist.

Klingt fies, richtig?

In meinem Fall habe ich bestimmte Intervalle (I-V-III-VII) als Anfang des Themas verwendet. Das Thema selbst ist quadratisch - vier Takten, die in zwei kleine Motive aus zwei Takten unterteilt sind. Der Anfang des Themas sind eigentlich die ersten beiden Takte des Stücks. Hören Sie sich danach nur den Anfang des Themas und das Thema selbst an:

Motiv, gespielt von Waldhörnern:

Die Melodie, von Streichern gespielt ist:

Bitte beachten Sie, dass alle Demos vor dem Mischen ohne Nachhall oder Effekte sind - EWQL-Produkte sind sofort einsatzbereit!

B. Harmonie

Meistens werden Melodie und Harmonie von Hand gehandhabt. Die gleichen Dinge, die für die Melodie angewendet werden, sollten auch für die Harmonie angewendet werden. Versuchen Sie, einige Akkorde zu verwenden, die nicht so beliebt sind - reduziert oder verstärkt, und versuchen Sie es mit anderen Inversionen. Die Verwendung der ersten Inversionen der Akkorde kann sehr langweilig sein, und Sie sollten versuchen, Ihr Arsenal der harmonischen Sprache zu erweitern. Mike Elliot hat einige großartige Artikel mit dem Titel "Flavour zu Akkorde hinzufügen". Wenn Sie es noch nicht überprüft haben, sollten Sie das unbedingt tun!

In diesem Track habe ich meistens eine sehr häufige Akkordfolge verwendet - I-III. Am Anfang ist das F # Moll → A-Dur. Die Sache ist, dass ich zuerst eine andere Inversion verwende - der III ist ein Sechs-Vier-Akkord, was bedeutet, dass das E im Bass ist. Jetzt gefällt mir das nicht ganz, also entschied ich mich, den III zu einem veränderten Akkord zu machen - verstärkt. Also wird A-C# -E zu A-C# -E# und bei Verwendung der 6-4-Inversion wird es zu E# -A-C#. Weitere Informationen finden Sie in der Anleitung zum geänderten III von Ryan Leach.

Hören Sie, wie es klingt und wie es klingt, wenn die Melodie angewendet wird.

Ungewöhnliche Harmonie im Messingbereich:

Harmonie plus Melodie:

Ein anderes Fragment - Harmonie im Staccato (und Ostinato-Linie in tiefen Streichern):

Bedenken Sie schließlich, dass die Tonalität auch langweilig werden kann. Halten Sie es für sinnvoll und interessant, nur C-Dur für einen ganzen Film zu verwenden? Überhaupt nicht! Sie sollten also versuchen, über verschiedene Tasten zu modulieren.

In meinem Track, der übrigens "Roof Chase" heißt, wollte ich eine echte Verfolgungsjagd darstellen, sehr angespannt und dynamisch. Mein imaginärer Charakter ist unsicher. Er versucht um sein Leben zu rennen. Alles steht auf dem Spiel ... Also moduliere ich durch verschiedene Tasten - ich versuche, nicht lange auf einer bestimmten Taste anzuhalten. Mein Charakter wird auf Dächern gejagt, er wird wahrscheinlich nicht langsamer werden und eine Tasse Tee trinken, richtig?

C. Form

Jetzt hat mein Kollege Ryan Leach einen großartigen Artikel über SCOREcast Online zum Thema Formular. Heutzutage werden Formen wie Rondo, Sonate usw. selten verwendet, da der Großteil der kommerziellen Musik auf das Bild angewendet wird (mit Ausnahme der Populärmusik). Also, wie Ryan uns sagt: "Bild ist König".

Trotzdem sollten Sie an eine Struktur denken, die Sie auf Ihrer Spur anwenden können. In meinem Fall habe ich eine ABA-Form, dh einen Teil, danach einen anderen, einen anderen Stil und einen anderen thematischen Materialteil, und schließlich haben Sie das A wieder als Reprise (mit einer dynamischen Reprise, was bedeutet, dass ich dies nicht getan habe.) Kopie A direkt und weiterentwickelte Ideen aus A).

D. Ostinato

Ryan Leach hat einen weiteren großartigen Artikel namens "Wie man einen überzeugenden Ostinato schafft". Die heutige Musik besteht zu 80% aus Ostinatos - sei es die Bassline oder die sich wiederholenden Cello-Noten, die Hans Zimmer in „The Dark Knight“ vorgestellt hat.

Ostinatos sind großartig, aber wieder sollten Sie versuchen, etwas Neues hinzuzufügen. Hier spielen anfangs Bratschen und zweite Geigen den gleichen Rhythmus und dieselbe Note (B natural), danach gibt es diese 16th. Töne, die einen bestimmten Modus ausmachen (Moll-Tonart mit II-Ebene, in unserem Fall - B natural - C) natürlich - D natürlich - E natürlich - F#).

Eine Sache mit einem Ostinato-Rhythmus ist, dass, wenn Sie ein dynamisches Musikstück haben möchten, das den Hörer von Anfang bis Ende in seinen Fängen hat, Sie den Puls nicht verlassen sollten. Wenn Sie ein Ostinato beginnen, sollten Sie es bis zum Ende behalten. (Natürlich gibt es immer Ausnahmen - Sie möchten vielleicht einen langsamen, romantischen Teil hinzufügen, der die Aggression kontrastiert.)

Wenn es um Orchestrierung geht, können Sie die Pulsation durch verschiedene Bereiche des Orchesters übertragen - Streicher/Holzbläser/Blechblasinstrumente/Percussion. Dieser Tipp ist sehr nützlich, da auch Ostinato langweilig werden kann. Durch das Ändern der Klangfarben können Sie unserem sich wiederholenden Muster Abwechslung hinzufügen und so eine stabile, aber dennoch interessante Grundlage des Tracks schaffen.

Ein schönes Beispiel ist Schostakovichs 8. Sinfonie, Teil 3. Sie können sehen, wie er ein sich wiederholendes Muster in den Bratschen (am Anfang) und danach in den Streichern verwendet Ostinato in der Bläsersektion (Posaunen).

Ostinato-Streicher (Violen und zweite Violinen zusammen mit subtilen Harmonischen bei den ersten Violinen):

Ein weiterer Teil des Stückes, Violen und zweite Violinen, wieder mit Bass/Celli-Stichen:

E. Kontrapunkt

Das ist ein Begriff, der die Beziehung von zwei oder mehr Stimmen abdeckt. Nun sind diese epischen Orchesterwerke sehr weit weg von den Meisterwerken, die Bach zum Beispiel im Barock geschaffen hat. Sie können jedoch Techniken als Imitation verwenden und verschiedene Stimmen hinzufügen (punctus - contrapunctus, was bedeutet, dass Sie eine melodische Linie gegen eine andere haben), gespiegelte Imitationen, Kanons und andere.

Ich habe also einen bestimmten Moment, dass ich eine Imitation zwischen verschiedenen Orchesterstücken (Waldhörner - Trompeten - Violinen) beginne. Es ist keine wörtliche Imitation, obwohl es die gleichen Intervalle und den gleichen Rhythmus wie die Hauptmelodie hat. Die Änderungen kommen aus der Harmonie. Hören Sie selbst:

Nur Solo-Instrumente:

Tutti:


Schritt 2: Orchestrierung und MIDI

Die Kunst der Orchestrierung ist sehr komplex und interessant. Ich denke, dass es heute in "klassische Orchestrierung" und "MIDI-Orchestrierung" unterteilt werden kann. Letzteres wird mit Hilfe von Software und Beispielen erstellt - überprüfen Sie meine vorherigen Tutorials und Kurztipps.

Jetzt denke ich, dass eine Regel auf Orchestrierung angewendet werden kann - MIDI-Orchestrierung wird auf klassische Art und Weise zum Kinderspiel. Viele Probleme werden gelöst, wenn eine schöne klassische Orchestrierung vorgenommen wurde.

Wenn Sie zum Beispiel hohe Frequenzen für Ihren Mix benötigen, anstatt einige EQ-Plugins hinzuzufügen und mit dem Sound herumzuspielen, fügen Sie einfach einen Piccollo hinzu! Das wird helfen, die benötigten hohen Frequenzen hinzuzufügen und außerdem die Mischung farbiger zu gestalten. Also ein paar Dinge, die ich in meinem Track verwendet habe:

A. Kombinieren von Blechharmonien mit Streichmelodien

Hast du ein Live-Orchester gehört? Wenn ja, dann haben Sie wahrscheinlich bemerkt, dass eine einzelne Trompete den gesamten Saitenabschnitt durchbrennen kann. (James Newton Howards Score für "The Last Airbender" wurde mit 83 Streichern aufgenommen!). Was ist mit zwei, drei oder sogar vier Trompeten und zwölf Waldhörnern? Ich denke, Sie können sich die Situation vorstellen.

Wenn Sie die Harmonie in den Bläsersätzen platzieren, benötigen Sie nicht die Streicher, um die Harmonie zu spielen (abgesehen von Kontrabässen oder Celli, die die Bassline spielen könnten). In den meisten Partituren, die ich mir angeschaut habe, gibt es eine massive Fortissimo-Harmonie in der Bläsersektion, erste Violinen, zweite Violinen, Violen und sogar einige der Holzbläser spielen in ... unisono! Deshalb kreieren sie eine dicke melodische Linie (gutes Beispiel ist "Dance of the Knights" von Prokofievs Romeo und Julia - auf YouTube gibt es ein erstaunliches Video, das von Valery Gergiev geleitet wird).

In der Mitte meines Stückes gibt es einen bestimmten Teil, der eine ähnliche Orchestrierung hat - es gibt ein Ostinato im gesamten Streicher-Abschnitt (das Ostinato wird jetzt geändert, um dem Hörer etwas Neues hinzuzufügen), die Harmonie ist in der Bläser-Sektion und Holzbläser spielen die Harmonie im hohen Register und machen einige Effekte (Arpeggios in Drillingen).

Hören Sie nur die Blechbläser:

Hören Sie jetzt den String-Abschnitt:

… und die Holzblasinstrumente:

Endlich - das ganze Orchester!

B. Verschiedene Patches mischen

Mein nächster Orchestrierungshinweis besteht darin, verschiedene Patches miteinander zu mischen, um einen dickeren Sound zu erzeugen. Ich habe das meistens in meinem Saitenbereich verwendet, um meine Saiten so real wie möglich zu klingen.

Lassen Sie uns nun über Violinen sprechen: Ich habe ein Preset von Hollywood Strings verwendet, das als "NV NV VB MV" ("1st Violins - Long - (Sus) 3 NV NV VB MV RR") bezeichnet wird. Dies bedeutet, dass dieser Patch von gesteuert wird Modulationsrad und geht von Pianissimo und Nonvibrato (NV) zu Con tutta la Forza und Molto Vibrato (MV). Außerdem ist es Round-Robin (RR), was bedeutet, dass jede Note eine andere Probe auslöst - in unserem Fall ist dies die Änderung der Bögen (Upbow/Downbow).

Jetzt denke ich nicht, dass dies für mich reicht, deshalb habe ich einen anderen Patch von Hollywood Strings verwendet - "Sus 13" (aus dem Ordner "Long Powerful System"). Diese Patches steuern auch das Vibrato und die Lautstärke, der Unterschied besteht jedoch darin, dass die Sustain-Patches sowohl das Vibrato als auch die Lautstärke unabhängig voneinander steuern. Das Vibrato wird mit dem MOD-Rad (CC # 1) gesteuert, während die Lautstärke mit dem Ausdruck (CC # 11) geregelt wird. Dieser Patch ist für ein "leistungsstarkes System" konzipiert und verfügt über fünf Lautstärkepegel für Nicht-Vibrato, fünf Lautstärkepegel für Vibrato und drei Lautstärkepegel für Molto-Vibrato. All das bedeutet, dass Sie einen sehr detaillierten und echten Saitenklang bekommen können!

Hören Sie unsere Geigenmelodie mit dem ersten Patch:

Und jetzt der zweite Patch:

Und zum Schluss noch die Patches zusammen:

C. Wie man String-Abschnitte verdoppelt

Beachten Sie, dass mein nächster Orchestrierungshinweis ein apokrypherer Hinweis ist, den Sie bei der echten Orchestrierung nicht verwenden sollten. In diesem Hinweis geht es also darum, jeden Stringabschnitt mit einem anderen zu verdoppeln.

Haben Sie gehört, was 'Divisi' bedeutet? Das ist der Fall, wenn ein Saitenabschnitt in zwei oder mehr Teile unterteilt ist. Sehen wir uns zum Beispiel die Celli an - sie können Doublestops spielen, aber Doublestops klingen normalerweise angespannt und können nicht immer gespielt werden (insbesondere in schnelleren Tempi). Wenn wir also wollen, dass die Celli in einer Oktave spielen, sollten wir "Divisi" darauf schreiben - unsere Spieler werden das sehen und die Noten untereinander aufteilen.

Nun besteht das Hauptproblem bei Divisi darin, dass sie die Dicke und das Volumen negativ beeinflussen. Wenn ein Saitenabschnitt geteilt ist, klingt er wie die Hälfte der Spieler und hat nicht diese Tiefe. So klingt unser 8-Cellist zum Beispiel wie ein Cellist + 4-Cellist, nicht wie ein ganzer Cellostimme.

Also, was ist dieser Hinweis, über den ich spreche? Gefälschte Divisi machen. Ich verdopple jeden Abschnitt mit dem vorigen, beginnend mit den Celli, und verstärke daher den Sound. Mit dieser Formel verdopple ich die Celli-Linie mit den Bässen (ohne die Hauptbasslinie zu beeinflussen), ich verdopple die Viola-Linie mit Celli, die zweite Violin-Linie mit Violen usw.

Das Wichtigste bei dieser Technik ist, dass jede Verdoppelung bei 40-50% ihres Volumens liegen sollte. Wenn wir zum Beispiel unsere Bässe verwenden, werden sie ihre Linie in ihrem natürlichsten Register spielen, und die Cellos zu verdoppeln kann für sie zu hoch sein, daher ist der Klang sehr unnatürlich. Wir möchten nur die Idee der Verdopplung haben, nur das kleine Erscheinungsbild eines anderen Timbres, das die Celli einfärbt.

Denken Sie daran - dies sollte wie Kochen sein. Sie übertreiben nicht die Gewürze, richtig? Hören Sie sich nun an, wie diese Technik klingt:

Bemerken Sie die subtile Oktave, die nach vier Takten eingeht? (Ich habe die ersten 4 Takte für die Demo stummgeschaltet, wie auf dem Bild oben gezeigt.) Hören Sie genau zu, um optimale Ergebnisse zu erzielen, verwenden Sie Kopfhörer. Hören Sie jetzt den ganzen und "dicken" Saitenabschnitt:

Und denken Sie daran - machen Sie das nicht mit echten Orchestern!

Eine andere Sache, die Sie tun können, ist das Saiten von Saiten mit verschiedenen Klangfarben - Holzbläser, Schlagzeug, Klavier. Hören Sie einige Ideen:

Violinen + Xylophon:

Streicher + Klavier (Ich persönlich liebe es, das Klavier mit tiefen Streichern zu verdoppeln!):

Violen + Fagott:

D. Verwenden Sie das richtige Voicing für Blechbläser und Holzblasinstrumente

Die Verwendung des richtigen Stimmens ist entscheidend für einen hervorragenden Klang von Blechbläsern und Holzbläsern. Nach meiner Erfahrung habe ich eine Möglichkeit entwickelt, Akkorde für Blechbläser zu platzieren.

Vor einiger Zeit las ich diese Frage im Internet: "Wozu dienen die Posaunen?" Ja, das ist eine sehr interessante Frage, denn vor allem unser Ohr kennt das epische Abenteuer Waldhorn oder die Marschtrompeten ... aber keine Posaunen.

Nun, ich kann Ihnen mit Sicherheit sagen, dass Posaunen wirklich dynamische Blechblasinstrumente mit einem sehr farbenfrohen Timbre sind - was bedeutet, dass Posaunen tief und rau (wie eine Tuba) spielen können, und sie können sehr leise und in der hohen Lage spielen ihr Klang kann einem Trompete näher sein.

So mache ich meine Akkord-Voicings (mit Ausnahmen natürlich!):

  • Trompeten
  • Waldhörner, Posaune, Tuba.

Daher sind die Posaunen näher an der Tuba (tiefes, harsches Timbre) und an den Trompeten (majestätisch, kraftvoll, hoch). Dazwischen - Waldhörner (edles Timbre, dehnt den gesamten "Blechschnitt"-Sound). Ich garantiere Ihnen, dass Sie, wenn Sie dieses Stimmrecht richtig machen, eine solide und kraftvolle Harmonie in Ihrem Stück haben. Hören Sie zu.

Bei Holzbläsern gibt es verschiedene Arten von Positionen, bei denen sich hauptsächlich die Klangfarbe und die Lautstärke der Musik ändern. Wenn Sie die meisten von ihnen überprüfen möchten, besorgen Sie sich einige Orchestrierungsbücher wie das von Samuel Adler oder die "Principles of Orchestration" von Rimsky-Korsakow. Mein Track “Roof Chase“ ist ein sehr dynamischer und epischer Track, meistens - Schlagzeug, Blechbläser und Streicherunison. Das ist sehr, sehr mächtig. Deshalb habe ich Klangfarben dupliziert - zum Beispiel habe ich einen einfachen C-Dur-Akkord und teile die Noten wie folgt ein:

  • 2 Flöten - E + G
  • 2 Oboen - C + E
  • 2 Klarinetten - C + G

Also wird der gesamte Holzbläser-Bereich (mit Ausnahme von Fagotten), der sechs Spielern entspricht, C + E + G spielen, und jede einzelne Note wird verdoppelt. Diese Technik hilft dem Akkord, die Kraft der Blechbläser und der Perkussion zu bekämpfen und damit für sich alleine zu stehen.

E. Verwenden Sie Treffer

Denken Sie daran, dass Sie die gesamte Kraft des Orchesters nutzen sollten, jedoch nicht jeden Takt. Eine Möglichkeit, dies zu tun, ist die Verwendung von Treffern. Ich habe einen kurzen Tipp zu Treffern geschrieben, der Ihnen helfen kann. Die gleichen Techniken gelten hier, nur dass ich Instrumente wie Piano, Marimba, Synths verwendet habe.

F. Interesse mit Orchestereffekten hinzufügen

Orchestereffekte sind eine großartige Möglichkeit, Dinge interessant zu klingen. Die perfekten Instrumente dafür sind bei dieser epischen Produktion die Perkussion (Marimba, Xylophon, Celesta usw.) und Holzbläser.

Hören Sie sich einige Ideen an:

Xylophon macht einige Übergänge:

Holzbläser, die Drillinge spielen (im Einklang, um einen dicken Sound zu erzeugen, der die Kraft der anderen Abschnitte aushält):

Holzbläser läuft:


Schritt 3: Live-Instrumente aufnehmen

Wie ich bereits in meinem vorherigen Tutorial geschrieben habe: „MIDI-Strings realistischer machen“, sollten Sie, wenn möglich, Live-Instrumente aufnehmen, die der Produktion mehr Klangfarbe und Farbe verleihen. In meinem Fall hatte ich nicht das Budget für Streicher- oder Blechbläser, also beschloss ich, ein paar Drums in meinem Heimstudio aufzunehmen - also habe ich ein paar Stöcke, Bendir (türkische Rahmentrommel), Glocken, Cajon und Cams aufgenommen eine seltsame afrikanische Trommel, die ein Freund mich aus Uganda mitgebracht hat.

Das Wichtigste ist, dass abgesehen von Stöcken und Glocken (die eher als "Dekoration" für den Hauptschlag dienen), alle anderen Perkussion mit den MIDI-Pointen übereinstimmen sollten.

Hören Sie selbst

Aufgenommenes Schlagzeug solo:

Nur MIDI-Drums:

Trommel-Mix:


Schritt 4: Hinzufügen von Synthesizer

Eine weitere Technik besteht darin, einige Synthesizer hinzuzufügen, um den Sound zu verstärken. Arpeggiatoren sind eine gute Möglichkeit, Ihrer Spur Farbe zu verleihen. Ich habe einen Patch verwendet, den ich mit Cakewalk z3ta selbst erstellt habe. Sie können Modulationseffekte (Tremolo, Vibrato, Flanger) und einige Verzerrungen hinzufügen, um den Sound industrieller zu gestalten. Eine großartige Lektüre wird von Ryan Leachs Tutorial über Tremolo zu lesen sein.

Hören Sie, wie mein Synth am Anfang mit den Saiten verschmilzt:

Eine andere großartige Verwendung von Synths ist die Verwendung einiger Subbass-Sinuswellen, um die Bassline zu verstärken oder den Schlägen Tiefe zu verleihen. Hören Sie, wie ich eine einzelne Subbass-Note für einige der Hits in der Spur verwendet habe (es ist jedoch zierlich):


Schritt 5: Mischen

Jetzt kommen wir zum schwierigen Teil - dem Mischen. Es gibt einige Punkte im Mixprozess, die Sie sehr genau beachten sollten. Es wird nicht einfach - mit meiner Vorlage gehen alle Tracks auf 80+ (ohne die Audiokanäle), sodass es dort etwas unordentlich werden kann! Es gibt eine Regel, dass der gute Mix das Mastering leicht macht. Nun, wie gesagt, gute Komposition und Orchestrierung lassen einen Track leicht mischen. Wenn Sie mit der Mischung im Kopf komponieren, erzielen Sie ein hervorragendes Klangergebnis.

Es gibt viele Dinge, die ich zum Mischen sagen könnte. Die drei wichtigsten Dinge, die Sie beachten sollten, sind: Tiefe, Verschieben, Frequenzbalance.

Frequenzbalance

Insgesamt müssen Sie immer an die Balance denken - beim Mischen in Stereo sollten Sie daran denken, dass der linke und der rechte Kanal gleich sind. Sie sollten auch einige der Frequenzen nicht übertreiben - zum Beispiel Höhen über Tiefs und so weiter.

Einige Punkte zu Frequenzproblemen:

  1. Versuchen Sie nicht, jedes Instrument in dasselbe Register aufzunehmen. Verwenden Sie verschiedene Bereiche, und denken Sie über Ihre Akkord-Voicings nach. Achten Sie darauf, verschiedene Instrumente zu verdoppeln.
  2. Wenn Sie mehr Frequenzen benötigen, sollten Sie zuerst über Orchestrierung nachdenken und anschließend über Equalizer. Brauchen Sie mehr Low-End? Fügen Sie Tuba, Fagott, Kontrafagott, Pauken, Gran Casa hinzu. Benötigen Sie mehr High-End? Flöten oder Piccolos hinzufügen, Celesta, Glockenspiel, Xylophon hinzufügen.
  3. Wenn Sie viele Low-End-Probleme haben (normalerweise bei Trommeln), fügen Sie einen schönen Hochpassfilter hinzu. Die gleichen Dinge, die für populäre Genres gelten, können auch hier angewendet werden!

Tiefe

Nun die Tiefe. Eines der größten Probleme ist die Verwendung des Nachhalls und vor allem, wie viel Nachhall hinzugefügt werden sollte. ln würde ich die Verwendung von Send-Effekten vorschlagen. Sehen Sie einen weiteren großartigen Artikel von Mo Volans.

Warum Sende verwenden? In meinem Fall benötigt meine Vorlage etwa 15 GB RAM und meine CPU ist zu 80% belegt. Hall auf jeden dieser 80+ Kanäle zu setzen, wäre ein absoluter Erfolg.

Eine andere Idee ist, dass Sie mit einer Reverb-Einstellung für Ihr Orchester einen wesentlich kohärenteren Klang erhalten. Hollywood Strings und Brass (Gold) sind, wie Sie wahrscheinlich aus den Demos oben bemerkt haben, ziemlich trocken. Ich möchte einen schönen Hall hinzufügen, der den Sound auf ein neues Level bringen könnte. Ich habe also eine SEND-fx-Spur (Stereo) verwendet, in der ich einen einfachen Impulswiderstand (die von Cubase gebaute Reverence) eingefügt habe.

Eine Sache, die Sie beachten sollten, ist, dass alle Signale mit unterschiedlicher Stärke dorthin gehen. In einem echten Orchestersaal befindet sich die Bläserabteilung WAY hinter den Streichern (= mehr Reverb), während die Streicher im Vordergrund stehen. Hören Sie die Demos "Vorher" und "Nachher":

Vor:

Nach dem:

Parallele Kompression

Mein letzter Tipp für diesen Leitfaden sollte die "parallele Kompression" sein. Überprüfen Sie das Tut von Joel Falconer “Geben Sie Schlagzeug mit paralleler Kompression“. Das verdichtet den Sound der Drums und lässt sie sehr, sehr episch klingen. Das wird auch helfen, die Drums im Mix mehr nach vorne zu bringen und sie zu einer stabilen Basis des Tracks zu machen.

Keine parallele Komprimierung:

Bei paralleler Komprimierung (hören Sie, wie sich der Schlagzeugabschnitt 'verdickt'!)


Schlussfolgerung

Ich bin also am Ende dieses Tutorials angelangt. Ich hoffe, das hat Sie dazu inspiriert, Ihre eigene Musik zu komponieren, zu orchestrieren und zu mischen. Vergessen Sie nicht, Ihre Tracks in den Kommentaren zu teilen!

So klingt mein Track nach all diesen Schritten:

… und die endgültige, gemasterte Version:

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