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Music

Eine Einführung in die Filmmusik

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Difficulty:BeginnerLength:LongLanguages:

German (Deutsch) translation by Alex Grigorovich (you can also view the original English article)

Dieses Tutorial richtet sich an Personen, die in der Welt der Filmmusik noch relativ neu sind. Egal, ob Sie noch nie eine Szene gedreht haben, aber darüber nachgedacht haben, mehr darüber zu lernen, oder ob Sie selbst ein bisschen Punkte erzielt haben und sich mit dem Thema beschäftigen möchten, dieses Tutorial führt Sie in die Grundideen ein und Konzepte, die Sie benötigen, um Musik für Filme zu schreiben.

Ich werde einige grundlegende Begriffe einführen, die Sie kennen müssen, und einige frühe Überlegungen diskutieren, um nachzudenken, wann und warum Musik verwendet werden soll. Ich werde auch einige Punkte zur Auswahl der richtigen Ausrüstung für den Einstieg ansprechen.


Was ist Filmmusik?

Einfach ausgedrückt, Filmmusik ist die Kunst und das Handwerk oder das Schreiben von Musik synchron zur Grafik. Das bedeutet, dass Musik nicht nur für "Filme" im Kontext von Langfilmen von Kurzfilmen geschrieben wird, sondern auch für TV-Shows, Werbespots, Industrie- / Unternehmensvideos und jedes andere Medium, bei dem Musik eine unterstützende Rolle für ein Bild spielt Element.

Filmmusik ist für einen Musiker sowohl künstlerisch als auch finanziell ein sehr lohnendes Feld. Kreativ hat es alle Vorteile des vollen Engagements und des Spaßes, die mit dem Schreiben von Musik verbunden sind, mit dem zusätzlichen Vorteil, dass Ihre Musik eine Möglichkeit hat, von anderen gehört und genossen zu werden. Finanziell ist es eines der wenigen überlebenden Gebiete, in denen ein Komponist von Instrumentalmusik noch seinen Lebensunterhalt erwarten kann. Es gibt jedes Jahr Millionen von Projekten, die Originalmusik benötigen, und obwohl es ein äußerst schwieriges und wettbewerbsfähiges Feld ist, in dieses Feld einzudringen, kann es für diejenigen sehr lohnend sein, die die richtigen Anstrengungen unternehmen (mit einem zusätzlichen Hauch von Glück).

Ich werde in diesem Artikel nicht auf die gesamte Geschichte der Filmmusik eingehen. Wenn Sie Filmkomponist werden möchten, ist es unbedingt erforderlich, dass Sie sowohl die Arbeitsweise als auch die stilistischen Entscheidungen Ihrer Vorgänger verstehen. Nur wenn Sie wissen, wie es in der Vergangenheit gemacht wurde, können Sie in die Zukunft vordringen. Für eine ausführliche Geschichte der Filmmusik empfehle ich Ihnen, den Vollständigen Leitfaden zur Filmmusik von Richard Davis zu lesen. Richard war ein Professor von mir in Berklee und sein Buch dient als Lehrbuch für Berklees Hauptfach Filmmusik.


Grundbegriffe

Hier ist eine nicht umfassende Liste einiger Begriffe aus dem Bereich Filmmusik, auf die Sie stoßen werden:

  • Cue - entweder ein einzelnes Musikstück oder ein bestimmter Moment, den die Musik treffen muss (siehe Trefferpunkt).
  • Cue Sheet - eine Liste aller in einem Projekt verwendeten Musikstücke, einschließlich der Informationen zu Aufführungsrechten und Veröffentlichungen für jeden beteiligten Komponisten und Texter.
  • Framerate - Die Anzahl der Bilder pro Sekunde (fps) in einem Video. Unterschiedliche Regionen und Projekte haben unterschiedliche Standards (siehe PAL und NTSC).
  • Hit point - ein bestimmter Moment, z. B. ein Schnitt oder eine Dialogzeile, den die Musik anerkennt.
  • Library music - Musik, die nicht speziell für den Film geschrieben, sondern als vollständiger Titel lizenziert und dann in ein Bild geschnitten wurde.
  • Music editor - Person, die dafür verantwortlich ist, die Musik mit dem Bild synchron zu halten. Dient als Verbindung zwischen dem Komponisten und dem Postproduktionsteam und befasst sich mit technischen Problemen wie Frameraten, Notizen, Cue-Sheets usw.
  • NTSC - die US-Standard-Framerate, 29,97 fps.
  • Orchestrator - Person, die einem Komponisten Skizzen eines Cues nimmt und es für ein vollständiges Ensemble ausfüllt. Wird manchmal auch als Arrangeur bezeichnet, kann aber unterschiedliche Konnotationen haben.
  • PAL - die Framerate nach europäischem Standard, 25 fps.
  • PRO - Performing Rights Organization wie ASCAP, BMI oder SESAC, die für die Verfolgung der Aufführungen der Musik eines Komponisten und die Auszahlung von Lizenzgebühren verantwortlich ist.
  • SMPTE (simp-tee) - Timecode gemessen in Stunden, Minuten, Sekunden, Frames. Wird verwendet, um sicherzustellen, dass alle synchron sind und über denselben Frame sprechen.
  • Source music - Musik, die von einer Quelle auf dem Bildschirm stammt, z. B. von Musikern oder einem Radio
  • Spotting - der Prozess der Entscheidung, wann und warum Musik verwendet wird
  • Spotting notes - eine Liste aller Cues im Film und wo sie beginnen und enden. Enthält normalerweise Hinweise zu Stil oder Absicht.
  • Temp music - Musik, die mit dem Bild synchronisiert wird, bevor der Komponist Originalmaterial schreibt, normalerweise als Leitfaden. Umstritten.
  • Theme - ein wiederkehrendes melodisches, rhythmisches oder harmonisches Motiv, das eine Figur oder ein Konzept begleitet. Auch Leitmotiv genannt
  • Underscore - Musik, die im Film verwendet wird und nicht aus einer bestimmten Quelle stammt, sondern als zusätzliche Ebene hinzugefügt wird. Die meisten Punkte passen in diese Kategorie.

Die Musik

Offensichtlich ist der wichtigste Aspekt bei der Filmmusik die Musik selbst. Sie können die größte Ausrüstung auf dem Markt besitzen und trotzdem erfolglos bleiben, wenn Ihre Musik nicht hält.

Leider schätzen viele junge Filmemacher den Wert von Musik und ihren Beitrag zu ihrem Film nicht. Wenn Sie daran denken, dass Sie beim Ansehen eines Films sowohl sehen als auch hören, werden Sie feststellen, dass der Ton 50% Ihrer Erfahrung ausmacht. Dies bedeutet, dass die Musik nicht nur wichtig, sondern tatsächlich ein entscheidendes Element in jedem Film ist.


Warum Musik verwenden?

Musik kann in einem Film vielen Zwecken dienen, und oft überschneiden sich die Verwendungszwecke. Einige Gründe, warum Sie in einem bestimmten Teil des Films Musik verwenden könnten:

  • Etablierung von Zeit und / oder Ort, wie klassische Musik im Mozart-Stil für Frankreich des 18. Jahrhunderts oder Instrumente des Nahen Ostens mit einem Electronica-Beat für den zeitgenössischen Irak.
  • Als Mischwerkzeug zum Glätten, zum Beispiel als Übergang von einer Szene in eine andere. Diese Übergänge helfen oft bei der Illusion des Zeitablaufs oder der Einstellung.
  • Um uns etwas über die Charaktere zu erzählen, wie zum Beispiel ein böses Darth Vader-Thema oder sogar ein Taylor Swift-Lied im Hintergrund des Zimmers eines Mädchens.
  • Um das Tempo zu halten. Wenn eine Szene langsam und schleppend ist, kann die Musik verwendet werden, um Dinge in Bewegung zu halten und das Interesse an den toten Räumen zu erhöhen.
  • Und schließlich und vielleicht am wichtigsten, um die Art und Weise zu beeinflussen, wie sich das Publikum über das Geschehen auf dem Bildschirm fühlt.

Ich werde diese Idee weiter unten im Abschnitt Spotting diskutieren.


Stilistische Entscheidungen

Eine Partitur ist am effektivsten, wenn sie sich an grobe stilistische "Regeln" hält. Wenn Sie eine Partitur erstellen, erstellen Sie eine musikalische Landschaft. Daher müssen Sie darauf achten, dass alles in derselben Welt zusammenhält. Wenn Sie während der gesamten Partitur Akustikgitarre und Streicher verwendet haben, können Sie nicht einfach eine Tuba zur Hälfte hineinwerfen, weil Sie Lust dazu haben. Die Tuba würde sich wie ein fremdes Element anfühlen, und wenn sie nicht einem bestimmten dramatischen Zweck dient (vielleicht ist eine neue Figur in den Film eingetreten?), Wird sie die etablierte Welt des Films verraten.

Es gibt natürlich unzählige Ausnahmen, aber es ist normalerweise am besten, sich eine Palette von Instrumenten zusammenzustellen, die Sie verwenden werden, sowie alle melodischen, harmonischen, rhythmischen usw. Stile, die Sie verwenden werden. Wenn Sie alle siebten Akkorde und Jazz-Harmonien verwenden, würde dies wahrscheinlich den Fluss der Partitur stören, wenn Sie plötzlich anfangen würden, atonal zu schreiben. Dies ist kein Aufruf, jedes Cue gleich klingen zu lassen, sondern einfach alles zusammenzuhalten und so zu klingen, als ob es zusammen gehört.


Bild


Bild ist König

Das Wichtigste bei der Filmmusik ist, dass "Picture is King/Bild ist König" ist. Es spielt keine Rolle, wie brillant Ihre Komposition ist. Wenn sie nicht unterstützt, was auf dem Bildschirm passiert, ist sie nicht gut. Die Bedürfnisse des Dramas stehen an erster Stelle, die Bedürfnisse Ihres kreativen Ichs an zweiter Stelle.

Einer der schwierigeren Teile des Jobs kann ein Regisseur sein, der Ihnen sagt, dass er kein Stichwort mag, an dem Sie tagelang gearbeitet haben. Du hast dein Herz und deine Seele in diese Musik gesteckt, wie konnten sie sie möglicherweise nicht lieben? Der Regisseur kümmert sich nicht um Ihren cleveren Kontrapunkt oder die Art und Weise, wie Sie mit einem Augmented 6th-Akkord oder Ähnlichem moduliert haben. Der Regisseur kümmert sich darum, ob die Musik das Drama unterstützt.

Sie müssen lernen, eine harte Haut zu entwickeln und verstehen, dass der Regisseur Ihren Wert als Komponist nicht kritisiert, sondern nur die Art und Weise, wie die Musik mit ihrem Film interagiert.


Spotting

Beim Erkennen wird entschieden, wann und wie Musik verwendet wird. In der Regel treffen sich ein Komponist und ein Regisseur zu einer "Spotting-Session", in der sie den gesamten Film durchsehen und ihre Ideen darüber diskutieren, wie Musik dem Film dienen kann.

Spotting-Sitzungen können je nach zu diskutierendem Detaillierungsgrad einige Stunden oder sogar einige Tage dauern. Einige Regisseure geben gerne ein paar allgemeine Kommentare ab, überlassen die kreativen Ideen jedoch dem Komponisten. Andere kommen zu einer Spotting-Sitzung mit sehr spezifischen Ideen darüber, was die Musik tun soll, und sind manchmal so spezifisch wie die Instrumente, die sie zu bestimmten Zeiten wollen. Es hängt alles vom Stil und der Persönlichkeit des Regisseurs ab, aber normalerweise kann man davon ausgehen, dass es einige Stunden dauert und hauptsächlich nur die allgemeinen Punkte besprochen werden.

Neben der Diskussion, wann Musik verwendet werden soll, ist es auch wichtig, ein Gespräch darüber zu führen, warum Sie Musik verwenden. Fehlt die Leistung der Schauspieler etwas? Müssen Sie helfen, die Einstellung im Kopf des Publikums zu etablieren? Vielleicht muss eine Szene lustiger oder ernster sein. Dies sind einige der Dinge, über die Sie mit dem Regisseur sprechen möchten, wenn Sie den Film sehen.

Es ist auch wichtig, die "Perspektive" der Partitur herauszufinden. Weil Musik so immateriell ist, verbindet sie sich oft auf einer psychologischeren und emotionaleren Ebene mit uns als alles andere. Es ist wichtig, Richtlinien für die Darstellung der Musik im Film festzulegen. Möchten Sie immer in der Perspektive des Publikums bleiben und niemals etwas verraten, bis wir es selbst sehen? Oder vielleicht möchten Sie einen bestimmten Standpunkt einnehmen, wie den des Helden, und die Musik wird immer die Reaktionen und Gefühle aus diesem Blickwinkel widerspiegeln. Wenn Sie frühzeitig ein grundlegendes Verständnis dafür entwickeln, welche Perspektive die Musik einnimmt, können Sie später viele Probleme mit dem Scoring lösen.

Wenn die Musik keinen nützlichen Zweck erfüllt, muss sie wahrscheinlich nicht vorhanden sein. Eine wichtige Faustregel ist, dass je mehr Musik Sie in einem Film haben, desto weniger Einfluss wird sie haben. Wand-zu-Wand-Musik ist sehr ineffektiv, weil unsere Ohren irgendwann sehr müde werden, mit der Musik Schritt halten zu müssen, auch wenn wir uns dessen nicht ganz bewusst sind. Die Tendenz wird, es zu ignorieren. Wenn Sie möchten, dass Ihre Musik Wirkung zeigt, müssen Sie konservativ sein, wann Sie sie verwenden möchten.


Trefferpunkte

Schlagen oder nicht schlagen?

Wenn Sie anfangen, Filmmusik zu studieren, ist es eines der besten Dinge, die Sie tun können, großartige Partituren im Kontext des Films zu studieren. Das Anhören eines Soundtracks kann Ihnen helfen, etwas über Orchestrierung und Melodie zu lernen, aber nur wenn Sie eine großartige Partitur im Kontext ansehen, werden Sie wirklich ein Gefühl dafür entwickeln, wie die Musik auf das Drama reagiert und es beeinflusst.

Wählen Sie einen Ihrer Lieblingsfilme und Partituren aus und studieren Sie ihn mit einem Notizblock in der Hand. Sie denken vielleicht nicht, dass Sie Ihre Gedanken aufschreiben müssen, aber wenn Sie sich dazu zwingen, werden Sie tatsächlich noch mehr Aufmerksamkeit schenken und mehr lernen. Sehen Sie sich dieselben Szenen mehrmals hintereinander an, um sicherzustellen, dass Sie nichts verpassen.

Aus der Perspektive der Trefferpunkte gibt es drei Dinge, die für jedes Musikstück in einem Film zu beachten sind:

  1. Wie beginnt das Cue? Ist es ein großer plötzlicher perkussiver Hit, der dann das Stichwort in Aktion setzt, oder werden die Saiten aus dem Nichts sanft eingeblendet, bevor Sie überhaupt bemerken, dass sie da sind? Achten Sie auch darauf, was die Musik dazu veranlasst, hereinzukommen. Vielleicht gibt es eine bedeutende Dialoglinie, die die Dynamik des Gesprächs verändert, oder vielleicht ist es praktischer wie ein Schnitt in eine neue Szene.
  2. Was schlägt die Musik während des Cues? Es gibt sowohl kleinere als auch große Treffer. Ein kleiner Hit könnte ein Akkordwechsel bei einem Schnitt sein, während der Rest der Musik so weitergeht, wie er ist, während eine große Veränderung ein völlig neues Tempo oder Gefühl sein könnte. Es ist nicht nur wichtig zu bemerken, wenn sich die Musik ändert, sondern auch darauf zu achten, wenn sich die Musik nicht ändert. Wie wirkt sich das auf die Kontinuität der Szene aus? Junge Komponisten neigen dazu, "alles zu treffen", daher ist es wichtig, dass Sie bemerken, wie die Musik den Film tatsächlich besser unterstützen kann, wenn dies nicht der Fall ist.
  3. Wie endet das Cue? Ist es ein plötzlicher Treffer oder ein Ausblenden? Ähnlich wie bei den Fragen zur Musik, was hat das Stichwort zum Ende gebracht?

Mit mehr Filmen entwickeln Sie ein Gespür für gutes Erkennen. Wenn Sie bald ein Studium der Meister mit Ihren eigenen Erfahrungen kombinieren, werden Sie Fragen nach innen und außen sowie nach den Treffpunkten finden, die zur zweiten Natur werden.


Technologie

"Lassen Sie sich niemals von Ihrer Frau davon abhalten, Geräte zu kaufen. Ein Haus wird keinen Synthesizer kaufen, aber ein Synthesizer kann ein Haus kaufen." - Hans Zimmer

Audiotuts ist eine fantastische Quelle, um etwas über Musiktechnologie zu lernen. Hier möchte ich nur einige einfache Punkte erwähnen, die zu berücksichtigen sind, wenn man aus der Perspektive der Filmmusik beginnt.


Hardware

Eine häufig gestellte Frage beim ersten Start lautet: "Welche Art von Computer soll ich kaufen?". Leider ist die richtige Antwort das mehrdeutige "Das Beste, was Sie sich leisten können."

Je schneller und leistungsfähiger Ihr Computer ist, desto schneller können Sie arbeiten. Mit einem Low-End-Computer können Sie immer noch erstaunliche Musik schreiben. Dies dauert nur länger, da Ihr Computer häufiger abstürzt, das Laden von Samples länger dauert und Sie möglicherweise Titel einfrieren müssen, wenn Ihr Prozessor nicht mithalten kann usw.

Die beiden Anforderungen, die für mich am besten funktioniert haben, sind:

  1. Kann mein aktueller Computer mit der Musik umgehen, die ich schreibe?

    Wenn Sie Werbespots im Electronica-Stil machen oder eine Filmmusik mit Klavier und einigen Streichern machen, kann ein älterer Computer wahrscheinlich mehrere Titel gleichzeitig verarbeiten. Aber wenn Sie eine massive Orchesterpartitur mit Gitarren, Synthesizer, Schlagzeug und Küchenspüle spielen, brauchen Sie eine leistungsstarke Maschine.

  2. Kann ich es mir leisten?

    Nur weil Sie einen besseren Computer "brauchen", heißt das nicht, dass es die richtige Entscheidung ist, einen zu kaufen. Umgekehrt, wenn Sie das Geld herumliegen haben, aber Ihr aktueller Computer Ihnen gute Dienste leistet, behalten Sie den Computer und aktualisieren Sie stattdessen Ihre Beispiele oder Software.

Die Ausnahme könnte die Situation sein, in die ich bei meinem letzten Upgrade geraten bin, in der mein Computer so durcheinander geriet, dass es wahrscheinlich war, dass das Ding sterben könnte, bevor ich mit meinem aktuellen Job fertig war. In diesem Fall konnte ich es mir nicht leisten, NICHT auf einen zuverlässigeren Computer zu aktualisieren!


Software

Der wichtigste Teil bei der Auswahl einer DAW besteht darin, sicherzustellen, dass Ihre Musik einfach mit Video synchronisiert werden kann. Logic, Digital Performer, Cubase und Pro Tools sind Industriestandards für Filmmusik, und Sie sollten wahrscheinlich eine davon wählen, im Gegensatz zu einigen der weniger verbreiteten Alternativen. Pro Tools ist ideal für Ingenieure und Leute, die hauptsächlich mit Audio arbeiten. Wenn Sie also viel MIDI schreiben möchten, werden Sie wahrscheinlich besser mit einem der anderen drei bedient.

Nach meiner Erfahrung ist es weniger wichtig, welche DAW Sie wählen, als vielmehr, dass Sie nur eine auswählen und Experte werden. Sie alle sind nur verschiedene Werkzeuge, um die gleiche Arbeit zu erledigen. Ich habe festgestellt, dass die meisten Komponisten in LA Logic oder Cubase verwenden, aber Digital Performer hat auch eine starke Benutzerbasis. Wählen Sie eine aus und seien Sie darauf vorbereitet, sie von innen und außen vollständig zu lernen. Filmmusik ist ein sehr terminintensives Feld, und das Letzte, was Sie möchten, ist, 4 Stunden lang Audio zu schneiden und zu spleißen, um festzustellen, dass Ihre DAW eine Funktion wie "Strip Silence" hat, die die Arbeit sofort für Sie erledigt.

Kennen Sie Ihre Werkzeuge!


Proben

Es gibt mehr Beispielbibliotheken, als ich jemals erwähnen könnte. Das Wichtige an ihnen ist, dass verschiedene Bibliotheken unterschiedliche Stärken haben. Der beste Rat, den ich geben kann, ist, mit den Fabrikmustern Ihrer DAW zu beginnen und von dort aus zu erweitern, wenn Ihr Budget dies zulässt.

Bei der Entscheidung, welcher Instrumentenabschnitt aktualisiert werden soll, sollten Sie berücksichtigen, welcher Abschnitt derzeit am schwächsten ist und welchen Sie am häufigsten verwenden.

Wenn Ihre Orchesterinstrumente in Ordnung sind, Sie aber keinen guten Klaviersound haben, ist es wahrscheinlich an der Zeit, Klavier ganz oben auf Ihre Liste zu setzen. Wenn Sie jedoch für 90% Ihrer Musik große epische Drum-Samples verwenden, ist es möglicherweise Ihr Geld wert, weiterhin in die besten verfügbaren Drum-Bibliotheken zu investieren.

Wichtig ist, dass deine Musik gut klingt. Wenn Ihre Flötenprobe falsch und kitschig klingt, verwenden Sie sie nicht! Seien Sie vorsichtig, dass Sie sich nicht täuschen, es sei passabel, es sei denn, es ist wirklich so. Nichts wird ein großartiges Musikstück schneller töten als eine schlechte Aufführung, und genau das ist ein steriles und falsch klingendes MIDI-Modell.


Abschluss

Dies ist lediglich eine Einführung in die Welt der Filmmusik. Jedes dieser Themen verdient eine eingehendere Diskussion. Wenn Sie es ernst meinen, Filmkomponist zu werden, müssen Sie jedem Aspekt des Fachgebiets viel Zeit und Energie widmen. Wenn Sie mit der Welt des Musikschreibens vertraut sind, sollte dieses Tutorial als Leitfaden dienen, um Sie anzuleiten.

Über welche Aspekte der Filmmusik möchten Sie mehr erfahren, nachdem Sie die Grundlagen verstanden haben? Halten Sie das Gespräch aufrecht, indem Sie mir eine E-Mail senden und mir mitteilen, was Sie lernen möchten.

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