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Drum Overhead Leitfaden: Toms und Becken Teil 2

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Difficulty:IntermediateLength:LongLanguages:

German (Deutsch) translation by Federicco Ancie (you can also view the original English article)

Endlich sind wir auf der Heimstrecke unserer Drum-Recording-Reise in einem Heimstudio angekommen! Heute beginnen wir mit Teil 2 der Overheads, in dem beschrieben wird, wie Toms und Becken aufgenommen, gemischt und verarbeitet werden.

Im vorherigen Tutorial haben wir die Funktionalität der Instrumente sowohl klanglich als auch musikalisch besprochen und gleichzeitig untersucht, was den Klang der Instrumente steuert und welche unterschiedlichen Stimmschemata für verschiedene Genres am besten geeignet sind. Hoffentlich haben Sie jetzt den gewünschten Ton und können mit einem Overhead-Mikrofon aufnehmen.

Wenn Sie also diese Heimreise beenden möchten, lesen Sie weiter!


Auch in dieser Serie erhältlich:

  1. Das Kick Drum-Kompendium für das Heimstudio - Teil 1
  2. Das Kick Drum-Kompendium für das Heimstudio - Teil 2
  3. Snare Drum Kompendium - Beginnen Sie mit dem besten Sound
  4. Das Snare Drum Kompendium - Aufnahme- und Mischtechniken
  5. Drum Overhead Kompendium: Toms und Becken
  6. Drum Overhead Kompendium: Toms und Becken Teil 2

Overhead-Positionierung

Wie bei allen aufnahmeorientierten Dingen ist die Platzierung des Mikrofons der Schlüssel. Sie möchten nie etwas in der Mischung reparieren und das Ziel hier ist es, sicherzustellen, dass Sie nicht müssen.

Die Platzierung über Kopf kann ein heikles Thema sein, je nachdem, was Ihre Ziele für die Mikrofone sind. Wenn Sie vorhaben, keine Tom-Mikrofone zu verwenden, müssen Sie Ihre Overheads entsprechend platzieren, damit Sie sowohl die Toms als auch die Becken aufnehmen können. Wenn Sie jedoch einen wirklich engen Pop- oder Rock-Sound benötigen, ist eine Position, die nur die Becken aufnimmt, möglicherweise besser und lässt die Tom-Mikrofone sich um die Toms sorgen.

In diesem Sinne werfen wir einen Blick auf einige Techniken zur Platzierung von Mikrofonen...

Für die folgenden Positionen verwende ich den Audix i5 für die Mikrofonauswahl. Ich würde den i5 (der im Wesentlichen ein SM57 ist) niemals für Overhead-Arbeiten empfehlen, aber es ist ein gängiges Mikrofon, das viele kleine Heimstudios haben werden, und würde als gute Referenz für Sie dienen, um es mit meinen Audio-Samples auszuprobieren. Denken Sie daran, das Ziel hier ist es, die Unterschiede in den Mikrofonpositionen zu hören, nicht die Unterschiede in der Mikrofonauswahl!

Overhead-Positionierung: Standard


Im Zweifelsfall sollten Sie sich für Overheads an die Mikrofonplatzierung wenden. Platzieren Sie einfach die Overheads über dem Schlagzeug auf der linken und rechten Seite des Schlagzeugs und richten Sie die Mikrofone direkt nach unten. Dies wird üblicherweise als Abstandstechnik bezeichnet.

Durch Anpassen der Positionierung von links nach rechts und von hinten nach vorne können Sie Toms, Snare und Becken nach Ihren Wünschen mischen. Je näher Sie Mikrofone am Schlagzeug platzieren, desto stärker wird der Klang auf die gewünschte Trommel fokussiert und die anderen Trommeln werden negiert (vorausgesetzt, Ihre Mikrofone sind Nieren.).

Wenn Sie jedoch Omni-Mikrofone verwenden, erhalten Sie stattdessen mehr Drum-Sound und weniger Raumklang, wenn Sie die Mikrofone in die Nähe des Kits bewegen. Einige Leute kritisieren diese Technik für Phasenprobleme, die es mit Sicherheit kann, aber das einfache Herumspielen mit dem Abstand kann dieses Problem lindern.

Andere schlagen vor, die 3: 1-Regel zu verwenden, aber bei einem Schlagzeug mit einem so breiten Frequenzbereich kann es schwierig sein, einen Ausgangspunkt für die 3: 1-Regel zu finden. Wenn Sie auf der 3: 1-Regel bestehen, empfehle ich, die Schlinge als Schwerpunkt zu verwenden.

Hier ist dann für Ihr Hörvergnügen ein Beispiel für die grundlegende Overhead-Technik; Ich habe die Overheads so positioniert, dass sie relativ gleichmäßig zwischen den Becken und den Toms verschmelzen...

i5 - Standard-Overhead

Einige andere Tricks, mit denen Sie diese Overhead-Position optimieren können, bestehen darin, die Mikrofone in Richtung der Toms zu neigen, sodass sie nicht mehr direkt nach unten zeigen. Abhängig von ihrer Position kann dies dazu beitragen, den Klang von Snare, Hüten und Tritten zu minimieren, wenn Sie den Nahmikrofon-Klang dieser Instrumente bevorzugen. Denken Sie jedoch daran, dass die meisten Schlagzeuger ihren Floor Tom neben sich haben und Sie beginnen, den Floor Tom genau wie die Snare zu negieren. Hier ist auch ein Beispiel dafür...


i5 - Tilted Overhead

Overhead-Positionierung: Der XY


Um den Aufnahmebereich so zu ändern, dass er die Seiten des Tritts ein wenig mehr aufnimmt, können Sie versuchen, eine XY-Konfiguration für Ihre Overheads zu verwenden. Diese Positionierung zielt offensichtlich auf das Kit ab und nicht direkt auf das Kit mit dem Abstand, was zu einem anderen Klang führt.

Das Schöne an dieser Technik ist jedoch, wie sie mit der Phaseneinstellung umgeht. Sie sollten keine Phasen haben! Um sicherzustellen, dass diese Technik funktioniert, müssen Sie sicherstellen, dass Sie die Mikrofonkapseln gleichmäßig in einem 90-Grad-Winkel positionieren.

Hier ist ein Beispiel...

i5 - XY Overhead

Overhead-Positionierung: "Fronthead" beabstandet


Diese nächste Technik wird manchmal als "Fronthead" -Technik bezeichnet, da sich die Mikrofone vor dem Schlagzeug befinden und nicht darüber. Dies würde uns wahrscheinlich ein wahreres Stereobild geben, da wir niemals ein akustisches Schlagzeug von oben hören!

Wenn Sie versuchen, ein Gleichgewicht des Kits zu erreichen, besteht der Trick bei dieser Technik darin, sicherzustellen, dass Ihre Mikrofone nicht direkt auf die Becken gerichtet sind, da sie sich in der Regel in den Ecken des Kits befinden. Sie möchten, dass sich die Mikrofone in etwa Tom-Höhe befinden, je nach Balance möglicherweise etwas höher oder niedriger, und weit genug zurückgezogen werden, um ein klares Stereobild zu erhalten.

Hier ist ein Beispiel...

i5 - Fronthead Spaced

Overhead-Positionierung: "Fronthead" XY


Wenn Sie es noch nicht erraten haben, wurde bei dieser Technik ein Stereo-Paar XY-Mikrofone vor das Schlagzeug gestellt, im Gegensatz zu oben. Was mir an dieser Technik jedoch gefällt, ist, dass wir im Gegensatz zu den vorderen Abständen sehr eng mit dem Kit umgehen können, da unsere Mikrofone dazwischen nicht viel Platz benötigen. Sie können den Fronthead XY natürlich wieder vom Kit wegziehen, aber er scheint wirklich aus der Nähe.

Wenn Sie nach einem präsenteren Tom-Sound suchen, ist dies die richtige Technik für Sie. Bilden Sie einfach ein XY-Paar, das über das Schlagzeug und leicht nach unten gerichtet ist, und positionieren Sie das XY über der vorderen Kick-Trommel.

Hier ist ein Beispiel...

i5 - Fronthead XY

Overhead-Positionierung: Glyn Johns


Diese Technik wurde vom Ingenieur Glyn Johns erfunden und erfordert ein Maßband, um eine perfekte Phase sicherzustellen. Im Wesentlichen müssen Sie ein Overhead-Mikrofon direkt über der Mitte des Kick-Pedals und ein anderes direkt über dem Kit auf der rechten Seite des Schlagzeugers platzieren. Das obere Mikrofon muss 40 Zoll vom Pedal entfernt sein und das seitliche Mikrofon muss 40 Zoll von der Mitte der Snare entfernt sein.

Während es einfach nur eine Variation der Overhead-Technik ist, hat es sehr spezifische Richtlinien, weshalb ich glaube, dass es seinen eigenen Platz verdient. Ich würde Kondensatoren oder Bänder sehr empfehlen, wenn Sie ein passendes Paar für diesen Job haben und mehr farbige Mikrofone verwenden, wenn das Kit für sich allein nicht ausreichend klingt.

In dieser Situation müssen Sie beim Schwenken vorsichtig sein, da wir kein gleichmäßiges Stereofeld haben. Ich würde vorschlagen, das obere Mikrofon halb nach rechts und das seitliche Mikrofon ganz nach links zu schwenken. natürlich nach Geschmack einstellen.

Hier ist ein Beispiel...

i5 - Glyn Johns


Verarbeitung der Gemeinkosten

Nachdem wir nun den Overhead-Sound erhalten haben, den wir für unsere Umstände benötigen, werden wir wahrscheinlich eine kleine Verarbeitung benötigen. Bei der Verarbeitung von Overheads werden Sie im Allgemeinen mit harmonischem Inhalt, Volumen, Speicherplatz zu kämpfen haben, und so werden wir die Verarbeitung der Overheads betrachten. Beginnen wir zunächst mit Lautstärke und Dynamik...

Overhead-Verarbeitung: Dynamik und Volumen

Hier befinden wir uns wieder in den Kompressionskriegen. Die Overheads stehen nicht immer im Vordergrund des Kampfes, da die Leute im Allgemeinen gerne eine zerschlagene Schlinge hören und mehr treten als Becken. Es gibt jedoch Zeiten, in denen die Gemeinkosten ebenfalls komprimiert werden.

Aber wenn es um Heimaufnahmen geht, müssen Sie sich zuerst fragen: "Soll ich komprimieren?" und zweitens, wenn Sie sich für die Komprimierung entscheiden "Wie soll ich komprimieren?" Das Problem beim Komprimieren von Overheads besteht darin, dass Sie sehr anfällig für den Pumpeffekt in den Becken der anderen Trommeln sind. Ich kann zwar nicht genug betonen, um die Gemeinkosten nicht zu stark zu komprimieren, aber wenn Sie das Bedürfnis haben, die Gemeinkosten zu komprimieren, werfen Sie einen Blick auf einige dieser Vorschläge...

  • Eine Möglichkeit, den Pumpeffekt zu umgehen, besteht darin, eine Komprimierung im New Yorker Stil zu verwenden, bei der Sie das Signal duplizieren und nur eines komprimieren, sodass Sie zwischen beiden mischen können. Wenn Sie zufällig einen Kompressor mit einem Mischknopf haben, können Sie das Gleiche tun.
  • Eine noch bessere Option als die parallele Komprimierung wäre jedoch die Verwendung eines Multiband-Kompressors, sodass Sie die niederfrequenten Trommeln vollständig von den Becken trennen, sodass sie separat komprimiert werden. Wenn Sie dies mit paralleler Komprimierung koppeln, erhalten Sie einen volleren Overhead-Sound, der nicht unter spürbarem Pumpen leidet.
  • Verwenden Sie langsamere Attack- und Release-Zeiten, wenn Sie einen Single-Band-Kompressor verwenden. Dies hilft, den Pumpeffekt wesentlich zu minimieren. Ich empfehle auch langsame Zeiten für die höheren Bänder, wenn Sie einen Multiband-Kompressor verwenden.
  • Wenn Sie eine sanftere Nivellierung benötigen, anstatt hart zu komprimieren oder zu begrenzen, stellen Sie sicher, dass Sie das Verhältnis nicht überfällig machen. Während ein einfaches 2:1-Verhältnis klein erscheinen mag, ist es in der Tat immer noch ein ziemlich anständiges Maß an Komprimierung. Für Jazz und andere leichtere Musik würde ich empfehlen, das Verhältnis im Auge zu behalten, wenn Sie wirklich das Bedürfnis haben, zu komprimieren.
  • Seien Sie vorsichtig bei der Auswahl Ihres Kompressors. Einige Plugins basieren auf optischen Kompressoren, die zwar sagen können, dass sie etwa 5 ms reagieren können, aber möglicherweise etwas langsamer als optische Kompressoren sind. Ich würde einen optischen Over-VCA- oder FET-Kompressor für Overheads sehr empfehlen, da diese die Pumpeffekte schonen. Wenn Sie jedoch einen Multiband-Kompressor verwenden, können Sie schnellere Attack- und Release-Zeiten erzielen und einen strafferen Sound erzielen.

Hier ist ein Beispiel für eine schönere Overhead-Komprimierung bei der Aufnahme von Glyn Johns. Zuerst habe ich einen Single-Band-Bus-Kompressor mit einem sehr sanften Verhältnis und Attack- und Release-Zeiten verwendet und ihn mit dem ursprünglichen Signal gemischt, um eine parallele Komprimierung zu erzielen. Dann folgte ein Multiband-Kompressor mit einigen schnelleren Attack-Zeiten in allen Bands außer der Spitze. Beachten Sie, dass die Attack- und Release-Zeiten variieren, je nachdem, wie schnell oder langsam die Drums spielen!



Original

Kompression

Verarbeitung der Gemeinkosten: Harmonischer Inhalt

Die Overheads in einer Mischung können viel Platz beanspruchen, wenn Sie die Toms, Becken und alles andere in den beiden Mikrofonen ausbalancieren. Normalerweise müssen wir jedoch ein oder zwei kleine Frequenzbereiche drücken, um die Overheads wirklich von selbst hervorzuheben oder um die Becken oder eine andere Trommel wirklich zum Leuchten zu bringen. Während Sie natürlich einen Equalizer verwenden können, suchen Sie manchmal auch nach der zusätzlichen Art von Gel, die Sie mit analoger Summierung, Klebeband usw. erhalten. In diesem Fall benötigen Sie eine gewisse Sättigung.

Hier sind einige EQ-Richtlinien und einige Sättigungsbeispiele für die Overheads...

  • Wenn Sie zu viel Rumpelleckage haben, passieren Sie alles unter 100 Hz. Wenn Ihre Overheads hauptsächlich Beckenmikrofone sein sollten, gehen Sie sogar bis zu 300 Hz.
  • Für mehr Körper spielen Snare und Toms im 120-300 Hz-Bereich, abhängig von der Stimmung der Trommeln. Achten Sie jedoch darauf, dass Sie den Kick nicht verstärken, wenn Sie nicht nach diesem Sound suchen!
  • Wenn Sie mehr oder weniger Angriff benötigen, untersuchen Sie den 2-5-kHz-Bereich. Wenn Sie diesen Bereich verringern, erhalten Sie einen weicheren, dickeren Klang, während Sie durch Erhöhen dieses Bereichs mehr Artikulation erzielen.
  • Wenn Sie mehr Brutzeln oder Luft zu den Overheads benötigen oder einige helle Becken benötigen, sollten Sie eine Erhöhung um 10k und mehr in Betracht ziehen. Wenn Sie zu viel haben, reduzieren Sie stattdessen einfach diesen Bereich.

Nachdem wir diese Bereiche haben, müssen wir entscheiden, welche Art von Equalizer verwendet werden soll. Wenn Sie mit dem natürlichen Klang des Kits wirklich zufrieden sind, würde ich einen saubereren, klinischeren EQ empfehlen, wahrscheinlich einen linearen. Wenn Sie jedoch der Meinung sind, dass es wirklich etwas Farbe braucht, um seine Fehler zu vertuschen, ist ein Programm-EQ wie ein Pultec-Klon eine gute Wahl.

In diesem Beispiel habe ich beschlossen, den unteren Teil des Kicks leicht anzuheben, um ihm mehr Körper zu verleihen, den 3,5-km-Bereich anzuheben, um den Angriff zu betonen, und schließlich den 10-km-Bereich anzuheben, um den i5s etwas mehr Brutzeln und Luft zu verleihen. Hier ist unser komprimiertes Signal ohne EQ zum Vergleich mit unserem komprimierten Signal mit EQ...


Kompression

Komprimierung und EQ

Die harmonische Sättigung scheint immer auf Quellen, die bereits harmonisch dicht sind wie Overheads, und trägt wirklich dazu bei, dass sie gleichmäßig klingen, wenn die Mikrofone zu klinisch sind. Es gibt viele Plugins für die harmonische Sättigung, aus denen Sie auswählen können, aber seien Sie vorsichtig. Einige dieser Plugins sind im Wesentlichen nur statische EQs und Waveshaper, die nicht besonders ansprechend klingen.

Wenn Sie Ihren Sättiger vor dem EQ platzieren, erhalten Sie mehr harmonische Inhalte, mit denen Sie in Ihrem EQ arbeiten können. Wenn Sie ihn nach dem EQ platzieren, betonen Sie Ihren EQ etwas mehr. Ich empfehle dringend, einen nichtlinearen Stateful-Style-Sättiger zu verwenden, der nur Harmonische hinzufügt, je nachdem, welche Art von Inhalt darin enthalten ist.

Dies bedeutet, dass nur Harmonische relativ zu dem hinzugefügt werden, was bereits vorhanden ist, und nicht nur die gleiche Artvon Harmonischen, unabhängig davon, ob es sich um eine Bassgitarre oder eine Flöte handelt. Eine sehr gute kostenlose VST hierfür ist Variety of Sounds ThrillseekerLA-Kompressor, der eine separate harmonische Stufe hat. Schalten Sie einfach den Kompressorteil aus und Sie haben eine schöne Sättigung.

Hier ist ein Beispiel für die harmonische Sättigung der Overheads mit Komprimierung und EQ im Vergleich zu nur Komprimierung und EQ...


Komprimierung und EQ

Komprimierung, EQ, volle Sättigung

Gemeinkosten verarbeiten: Platz

Schließlich kommen wir zur Frage des Raums und der Art des Raums, in dem sich unser Schlagzeug befinden sollte. Wenn Sie viel Raumklang in Ihren Overheads haben, können Sie nicht viel tun, um dies zu ändern. Sie können natürlich verschiedene Reverbs und Ambientes hinzufügen, um den Raum zu verdecken, wenn Sie nicht begeistert sind, aber das wird nur so viel funktionieren. Wenn jedoch Ihre Overheads ohne viel Raumgeräusch trocken waren, werden Ihre benutzerdefinierten Reverbs und Ambiente zum Raum.

Sie können den Raum, in dem sich das Schlagzeug befindet, entweder in Ambiente oder Reverbs unterteilen.Ein Ambiente wird einen engeren, fokussierteren Klang haben und so gestaltet sein, dass es wie eine Art Raum klingt. Ein Hall hingegen hat normalerweise einen längeren Abfall und ist so konzipiert, dass er eine Halle in irgendeiner Form emuliert. Es gibt keinen bestimmten Typ, der für alle Situationen am besten geeignet ist. Er ist immer songabhängig.

Eine weitere zu berücksichtigende Überlegung ist die Verwendung von Verzögerungen. Ob alleine oder in Verbindung mit einem Hall oder Ambiente, eine Verzögerung kann ein größeres Raumgefühl hinzufügen, das das Ambiente oder der Hall alleine möglicherweise nicht liefern kann.

In Räumen mit größerem Klang ist ein Teil dessen, was den Raum so groß macht, die Zeit, die benötigt wird, bis die Reflexionen von den Wänden zurückkommen und Ihre Ohren erreichen, nachdem der Klang der Trommel verblasst ist Eine Vorverzögerung im Reverb-Plugin oder die Verwendung eines separaten Delay-Plugins kann dies gut replizieren.

Schauen Sie sich diese folgenden Rezepte an und finden Sie heraus, was am besten zu Ihrer Situation passt...

  • Verwenden Sie für einen straffen, weichen Raumklang ein ziemlich diffuses Ambiente (wenn Sie einen Faltungshall verwenden, funktioniert ein Holzraum gut) und stellen Sie ein kleines Stück Vorverzögerung ein. nur ein paar ms wenn das so ist. Hervorragend geeignet für Pop Rock, Funk usw.
  • Wenn Sie einen engen, aber live klingenden Raum benötigen, verwenden Sie ein Ambiente, das einen Betonraum nachbildet. Diese sind im Allgemeinen weniger diffus und haben einen höheren Gehalt als der Holzraum. Dies kann hervorragend für Metlltrommeln funktionieren, die nicht schnell blitzen.
  • Verwenden Sie für einen größeren, aber dennoch geräumigen Sound die oben genannten Techniken, fügen Sie jedoch nur eine kleine Verzögerung vor dem Ambience-Plugin hinzu. Dadurch klingt der Raum groß, aber nicht hallengroß. Dieses Setup kann gut funktionieren, wenn Sie versuchen, irgendwo zwischen einem Studio und einer kleinen Bühne einen Sound zu erzeugen.
  • Wenn Sie ein weiches Pad wie Hall im Hintergrund benötigen, fügen Sie einen schönen langen diffusen Hall hinzu, der nicht länger als ein oder zwei Sekunden ist. Als nächstes verringern Sie die Lautstärke, damit es sich in den Hintergrund einfügt. Gut für moderne Pop-Balladen, die noch einen ziemlich trockenen Drum-Sound benötigen.
  • Wenn Sie einen Hall für eine Rockballade benötigen, fügen Sie einen schönen Hall mit großem Schwanz hinzu und passen Sie den Inhalt des oberen Endes so an, dass er entweder eher wie Holz oder wie Stein klingt (weniger hoher Inhalt gegenüber mehr hohem Inhalt). Stellen Sie außerdem sicher, dass Sie die Diffusion zwischen hoch diffus und kaum diffus einstellen, damit es entweder mehr Holz oder mehr Stein klingt.
  • Schließlich benötigen Sie für einen großen Stadionsound einen langen, ziemlich diffusen Hall mit einer angemessenen Verzögerung, bevor Sie die schiere Größe eines Stadions oder einer Area nachbilden können.

Eine letzte Richtlinie, die Sie beachten sollten, ist das Problem des Aufbaus am unteren Ende. Bei den längeren, größeren Reverbs müssen Sie darauf achten, wie viel unteres Ende Sie herauslassen, da es schnell sehr schlammig werden kann. Wenn Sie feststellen, dass der Hall zu matschig wird, verwenden Sie einen Equalizer auf der Hallspur, um den Bereich von 150 Hz und darunter zu verringern.

Hier ist ein Beispiel für einen Hall im Raumambiente-Stil auf den Drum-Overheads...


Komprimierung, EQ, volle Sättigung

Komprimierung, EQ, volle Sättigung, Ambiente


Abschluss

Was haben wir also gelernt? Dass Sie einen guten Drum-Set-Sound benötigen, bevor Sie Ihre Mikrofonplatzierung und -verarbeitung wirklich optimal nutzen können. Es stehen jedoch immer noch viele Techniken zur Verfügung, um unabhängig von Ihrer Situation einen anständigen Drum-Set-Sound in einem Home-Setup zu erzielen.

Verbringen Sie einige Zeit und überlegen Sie, welche Verarbeitungs- und Aufnahmetechniken am besten zu Ihrem Musikstil passen. Stellen Sie vor allem sicher, dass Sie Ihre Probleme beheben, bevor Sie jemals auf Rekord gehen, wenn dies überhaupt möglich ist!

Danke fürs Lesen und viel Spaß beim Aufnehmen!

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