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Gitarrentöne von den 1950er Jahren bis zum Millennium

Difficulty:IntermediateLength:LongLanguages:
This post is part of a series called How to Record Guitar.
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German (Deutsch) translation by Federicco Ancie (you can also view the original English article)

Jedes Jahrzehnt hat seinen Klang. Und jeder Gitarrist aus dieser Zeit hat einen bestimmten Sound, der zu dieser Zeit beliebt war. Ob Rockabilly-Twang der fünfziger ahre, Spring Surf der sechziger Jahre oder eine Kombination aus Rock-Sound der letzten Jahrzehnte - jedes Jahrzehnt hat etwas, das ihnen eigen ist. In diesem Premium-Tutorial werde ich den Gitarrensound jedes Jahrzehnts durchgehen, die Geschichte der Gitarrentöne durchgehen und Ihnen zeigen, wie Sie sie selbst erreichen können.


Der Rockabilly Sound der 1950er Jahre

Der Gitarrensound der 1950er Jahre war durch das ausgeprägte Slap-Back-Echo gekennzeichnet, das ihm einen beinahe echoartigen Klang verleiht, wenn Sie die Gitarrenakkorde von der Wand klirren hören. Die Gitarren hörten sich an, als wären sie in kleinen hellen Räumen aufgenommen worden, in denen ihre Echos sofort von den Wänden abprallten oder klatschten. Das verleiht den 1950er Jahren zusätzlich zu den schweren Archtop- und Hohlkörpergitarren der damaligen Zeit einen besonderen charakteristischen Sound, den wir als Rockabilly-Sound kennen.

Die 1950er Jahre waren ein sauberes Jahrzehnt, Presleys kreisende Hüften wurden zensiert und Verzerrung war ein Begriff, den damals niemand kannte. Es waren alles saubere Archtop- oder Hohlkörpergitarren, die saubere Röhrenverstärker spielten, die diesem Jahrzehnt seinen Sound verliehen. Hören Sie sich hier unten Elvis Presleys Mystery Train an, um den unverwechselbaren Gitarrensound der fünfziger Jahre zu hören. Sofort hört man im Intro die Slap-Back-Rhythmusgitarre von den Wänden widerhallen.

Das Wiederherstellen eines solchen Sounds ist ziemlich einfach. Früher hatten sie wahrscheinlich einige ziemlich süße Boutique-Verstärker mit warmen Vakuumröhren, die ihnen diesen sauberen Klang gaben. Wenn Sie keinen Röhrenverstärker haben, können Sie versuchen, einen Verstärkersimulator zu verwenden. Die Qualität von Amp-Emulatoren steigt mit jeder neuen Version, und Sie können häufig einfach den gewünschten Sound von einem Preset in den Gitarrenverstärker-Emulator Ihrer Wahl einstecken. Aber wenn Sie den sauberen Sound leiser haben, müssen Sie eine schöne Echo-Stompbox oder ein Plug-In finden, um diesen eindeutigen Rockabilly-Schlag zu erzeugen. Mit Echo oder Bandverzögerung können Sie diesen Slap-Back simulieren, indem Sie eine Verzögerung von ca. 110 ms mit nur einer Wiederholung wählen. Auf diese Weise wird Ihre Verzögerung nicht mehr als einmal wiederholt, sodass Sie den Sound erhalten, der an die Wand und zurück schlägt. Da der Schlag damals ziemlich hell war, können Sie auch das untere Ende der Wiederholungen bis zu etwa 400-500 Hz ausgleichen, wenn Ihr Plug-In über einen separaten EQ-Bereich verfügt. Sie können Ihre Verzögerung jederzeit als Sendeeffekt einrichten, um die Eigenschaften der Verzögerung besser steuern zu können. Auf diese Weise können Sie eine gewisse Bandsättigung hinzufügen, um den Slap zu verschmutzen, ohne das ursprüngliche Signal zu beeinträchtigen.

Nur indem ich Logic untersuchte und die eingebauten Gitarren-Plug-Ins verwendete, gelang es mir, einen ziemlich überzeugenden Rockabilly-Slap-Sound zu erzeugen. Dies ist eigentlich eine Akustikgitarre, mit der ich diesen fetten Archtop- oder Hohlkörpersound bekommen habe. Wenn ich meinen Elektro benutzt hätte, hätte es zu ländlich geklungen! Meine Akustik, zusammen mit einem Röhrenverstärkeremulator und einer gewissen Bandverzögerung, ich habe direkt aus den fünfziger Jahren eine einfache 12-Takt-Blues-Struktur geschaffen!


Der 1960er California Surf Sound

Ahh... der südkalifornische Surf-Sound. Diese sauberen Tremolo-Akkorde einer glatten Fender-Gitarre. In den 1960er Jahren wurden Fender-Gitarren hauptsächlich in Kalifornien hergestellt, was ihren Gitarren eine fast standardmäßige Marktbeherrschung über die kalifornische Surf-Szene verleiht. Sie können die Strände und Wellen fast riechen, wenn Sie den mit Frühlingshall beladenen Gitarrensound der Surf-Szene der 60er Jahre hören. Das Hören einiger der berühmtesten Beispiele für Surfmusik aus den 1960er Jahren ist wie eine Reise durch den Einsatz von Frühlingshall. Wenn Slap-Back-Echo in den fünfziger Jahren der dominierende Effekt war, beherrschte der Frühlingshall in den sechziger Jahren in Südkalifornien den Markt.

Im Folgenden finden Sie drei Beispiele für die verschiedenen, aber zu dieser Zeit äußerst beliebten Songs: Wipeout von den Surfaris, Pipeline von The Chantays und Misirlou von Dick Dale

Die Surfaris - Wipeout

Beachten Sie besonders die Akkordstiche im Refrain des Stücks, wo Sie den „Boing“ -Sound des Federhalls deutlich hören können. Die saubere Leadgitarre hat auch einen Haufen Federhall, der sie in den Mix zurückschiebt, aber nicht so sehr, dass sie im Track vergraben wird. Der spröde, glasige Sound der Surf-Szene wird durch die damals so beliebten Single-Coil-Tonabnehmer der Fender-Gitarren unterstützt.

Die Chantays - Pipeline

Pipeline ist ein noch besseres Beispiel dafür, wie Sie etwas erstellen können, das als „dunkle Surfmusik“ bezeichnet werden kann. Der schwere Federhall der Leadgitarren sowie die Wahl von Melodie und Tonleiter lassen auf ein dunkles und mysteriöses Bild schließen. Die Nähe zu Mexiko könnte es einigen der traditionellen mexikanischen Musik ermöglicht haben, einen Surfmusiker zu beeinflussen.

Dick Dale - Misirlou

Pulp Fiction jemand? Der Klang der Gitarre ist der gleiche, obwohl vielleicht ein bisschen dunkler und übersteuert, aber der schwere Federhall ist immer noch da. Obwohl jetzt, weil das Spiel so schnell ist, der Federhall wie ein nasses Durcheinander hinter der ursprünglichen Gitarrenlinie klingt und diesem berühmten Track seinen charakteristischen Klang verleiht.

Wenn Sie nur ein wenig Federhall und etwas Tremolo laden, können Sie sofort psychedelische Surf-Sounds erzielen.

Hier ist ein langweiliger und uninteressanter E- und A-Akkord vor jeder Surfbehandlung.

und hier haben wir die gleichen Akkorde mit einer reichlichen Dosis Frühlingshall und etwas Tremolo für zusätzlichen Effekt. Das Tremolo ist zwar ein bisschen daneben, da es Stereo ist, aber Sie verstehen, worum es geht.


Overdriven Rock Guitars der 1970er Jahre

Mit zunehmendem Rock'n'Roll wurde das Genre immer schwieriger, je größer, lauter und vor allem verzerrter die Verstärker wurden. Früher musste der Künstler Löcher in die Lautsprecherkegel stechen, um sie zum Rasseln und damit zum „Overdrive“ zu bringen, aber erst Ende der sechziger Jahre wurden Overdrive und Verzerrungen zu bekannten Namen im Musikgeschäft. Mit Heavy-Rock-Acts wie Black Sabbath war Led Zeppelin Pionier des Rock-Genres in den 1970er-Jahren. Der dicke, übersteuerte Röhrenverstärker gepaart mit Humbucker-Gitarren war der charakteristische Sound des Hardrock und Metal der siebziger Jahre.

Hören Sie sich Led Zeppelins Black Dog an, um diesen übersteuerten Sound der siebziger Jahre zu hören. In gewisser Weise ist der Klang sehr trocken, ohne irgendwelche Auswirkungen außer dem oben erwähnten Overdrive, der durch den Kurbelröhrenverstärker gegeben wurde.

Der charakteristische Hardrock-Sound der siebziger Jahre wurde mit 4x12 Marshall erzielt, und die meisten Gitarristen wie Tony Iommi von Black Sabbath und Jimmy Page von Led Zeppelin verwendeten Humbucker-Gitarren wie Gibson SGs und Les Pauls. Humbucker haben einen sehr ausgeprägten und dickeren Klang als Single-Coil-Tonabnehmer. Humbucker sind im Grunde zwei Single-Coil-Tonabnehmer, die in entgegengesetzter Polarität miteinander verdrahtet sind. Dies bedeutet, dass das Geräusch der Gitarre erheblich reduziert wird, insbesondere wenn die Gitarre einen verzerrten Klang hat. Die beiden Tonabnehmer zusammen erzeugen einen dickeren und saftigeren Klang als der Single-Coil-Tonabnehmer, was für die Rockgitarristen der 1970er Jahre sehr wünschenswert war.

Hören Sie sich unten den Audioclip eines typischen Rock-Riffs an, das zuerst mit einem Humbucker und dann mit einem Single-Coil-Pickup gespielt wird.

Beachten Sie, wie sich der Klang ändert, indem Sie entweder einen Humbucker oder einen Single-Coil-Tonabnehmer verwenden. Der Sound wird im späteren Riff deutlich schwächer und viel lauter, wenn ich auf den Single-Coil-Tonabnehmer umgestiegen bin. Man könnte sagen, dass der saftige Sound des Humbuckers entscheidend für die Entwicklung des dicken Rockgitarrensounds der siebziger Jahre war. Lassen Sie sich jedoch nicht so sehr täuschen, dass Sie denken, Sie könnten ohne einen riesigen Verstärker und eine Humbucker-Gitarre keinen Rockgitarrenton erzielen. Led Zeppelins Solo in Stairway to Heaven wurde mit keinem dieser Dinge aufgenommen. Es wurde tatsächlich mit einem Fender Telecaster über einen winzigen 10-W-Verstärker aufgenommen, sodass man manchmal nicht unbedingt den ganzen Hype glauben muss. Aber große Rock-Riffs klingen mit übersteuerten Röhrenverstärkern und Gitarren im Humbucker-Stil dicker und größer.


Disco Sound

Disco-Musik der 1970er Jahre. Bash it, wenn Sie so wollen, aber die Perfektion der kristallklaren Gitarrensounds, die dieses Genre populär gemacht hat, ist unbestreitbar. Saubere Akkordstiche von Gitarristen wie Nile Rodgers waren eine Art Kontrast zu Heavy Arena Rock und Heavy Metal. Durch die Verwendung sauberer Single-Coil-Tonabnehmer im Gegensatz zu den verzerrten Humbuckern wurde der Gitarrensound der Disco geboren. Sauberer Disco-Sound ist fast das genaue Gegenteil zum Rockgitarrensound der siebziger Jahre. Anstelle von Gitarren im Humbucker-Stil bevorzugen Gitarristen Single-Coil-Tonabnehmer wie bei Stratocastern. Statt großer Marshall-Verstärker stecken sie ihren Gitarrenton normalerweise direkt in das Mischpult und bevorzugen einen DIs-Sound, der so sauber wie möglich ist .

Hören Sie sich unten Le Freak von Chic an und hören Sie den sauberen DI'd Stratocaster von Chic-Gitarrist Nile Rodgers.

Natürlich gibt es so viele unglaubliche Songs und Sounds aus diesem Jahrzehnt, dass man wirklich ein Buch darüber schreiben könnte, wie es viele tatsächlich getan haben. Aber das Jahrzehnt des Gitarrensounds ist auf einen dicken, cremigen Overdrive von Hard Rock und Metal und ein straffes, sauberes Klimpern aus dem tabuistischeren Genre der Disco zurückzuführen. Es scheint, als hätte der Gitarrist dieses Jahrzehnts nicht begriffen, wie viel das nächste Jahrzehnt mit seinen sauberen und unbeeinflussten Gitarrensounds tun würde. In den 70er Jahren waren Gitarristen mit sanftem Overdrive und komprimierten Reinigungen zufrieden, ohne zu wissen, wie viel Hall, Delay und Chorus die Gitarristen der achtziger Jahre der Branche zufügen würden.


Big Riffs und Big 'Verbs

Als die Gitarristen mehr und mehr mit Verzerrungen und Effekten experimentierten, wurde der Sound immer größer, dicker und verzerrter. Vorbei waren die Tage des knusprigen Overdrive in deinem Gesicht, aber stattdessen hatten wir ein riesiges Rockgitarrenriff, das nur durch die großzügige Verwendung von ziemlich viel Hall verstärkt wurde. Die achtziger Jahre sind als das Jahrzehnt bekannt, in dem der Hall an oberster Stelle stand und sich in jeden Aspekt der Musikproduktion dieser Zeit einschlich. Und Gitarrensound war keine Ausnahme. Hören Sie sich 1978 den Song Ain't Talkin' 'Bout Love von Van Halen an, um den signifikanten Unterschied zwischen den übersteuerten Rockgitarren der frühen siebziger Jahre und den nachhallgetriebenen Rockgitarren der späten siebziger und achtziger Jahre zu hören.

Neben dem dicken Arena-Hall, der Eddies Gitarre diesen unverwechselbaren Klang verleiht, gibt es auch einige ziemlich subtile Anwendungen von Modulationseffekten, die im Laufe des Jahrzehnts nur noch größer wurden. Die letzten drei Noten des Intro-Riffs haben einen anderen Klang als der Rest des Riffs, da Eddie einen Phaser-Effekt eingeschaltet hat, um das Ende des Riffs hervorzuheben. Als die achtziger Jahre mit Hall verrückter wurden, begannen sie auch, sich mit immer mehr Modulationseffekten wie Chorus zu beschäftigen. Es mag so aussehen, als würde ich ein Jahrzehnt als Drogenabhängigen beschreiben, der langsam in Hardcore-Drogen versinkt, aber die Analogie macht irgendwie Sinn. Popmusik wurde absolut verrückt und war besessen von riesigen Reverbs und Modulationen, und erst in den 1990er Jahren haben sich die Leute in die Reverb-Reha eingecheckt und sind von dieser Überfülle an Hall und Effekten in ihren Musikproduktionen weggekommen.


Achtziger Jahre reinigt und führt

Genau wie im Jahrzehnt zuvor gab es einen Kontrast zu den reich verehrten Rock-Riffs. Stark komprimierte und straff gespielte, saubere Gitarrenriffs waren die Hauptstütze von Bands wie Duran Duran, während viele Glam-Rock-Bands ein sauberes Ying zu ihrem verzerrten Yang hatten. "Is This Love" von Whitesnake umfasst viele der Gitarrensounds, die in den 1980er Jahren so beliebt waren. saubere Chorus-Gitarre im Intro, starker Hall auf den Rockgitarren im Chorus sowie eine kräftige Verzögerung für die Lead-Lines.

Die Sache mit den Achtzigern war, dass alles im Zusammenhang mit all diesen Effekten und dem ganzen Hall wirklich viel besser klang. Nehmen wir zum Beispiel die Leadgitarren. Die Lead-Lines klangen zu dieser Zeit riesig, mit starken Nachhall- und Delay-Dosen, die soulige Gitarrensoli und Lead-Lines verdickten. Genau wie in Whitesnakes obigem Song klangen die Leadlines und das Solo so viel besser, als wenn jemand beschlossen hätte, Reverb und Delay auf seiner Platte zu verbieten.

Hören Sie sich diese beiden genauen Leitlinien unten an und urteilen Sie selbst. Der erste ist nur der typische Verstärker ohne Hall oder Verzögerung.

Wenn wir nun einen großen Hall und eine mittlere bis lange Verzögerung hinzufügen, klingt die Linie viel besser. All diese zusätzlichen Elemente erzeugen die typische Power-Balladen-Leadline der achtziger Jahre, und sie klingen mit all diesen Dingen viel besser und interessanter als ohne sie.

Die kleinsten Details waren manchmal entscheidend für den Gesamtsound einer bestimmten Band. In einigen der Popbands der achtziger Jahre hatten wir die typischen Clean-Chord-Jabs, die für Punchiness stark komprimiert und für den Pop-Sound der achtziger Jahre subtil gesungen wurden. Eine der Eigenschaften des Gitarrensounds war jedoch nicht nur der Chorus oder die saubere Komprimierung, sondern auch der Tonabnehmerschalter der Gitarre. Durch die phasenverschobene Position der typischen Single-Coil-Stratocaster konnten sie einen runderen und etwas schwächeren Ton erzeugen. Dies war von den Gitarristen zu dieser Zeit vorzuziehen und zu wünschen, da es einen saubereren und dünneren Klang hatte, der für saubere Rhythmen gut war. Nehmen Sie als Beispiel „Girls on Film“ von Duran Duran. Dort haben wir ein wirklich einfaches Gitarrenriff, das diesen abgehackten, phasenverschobenen Sound hat.

Lassen Sie mich genau wie zuvor, als ich Ihnen den Unterschied zwischen einem Humbucker und einer Single-Coil zeigte, mit demselben Riff zeigen, wie unterschiedlich diese beiden Tonabnehmerpositionen klingen.

Hier ist das Riff mit dem Neck Single Coil Pickup.

Und hier haben wir das gleiche Riff mit der phasenverschobenen Position zwischen dem Hals und dem mittleren Tonabnehmer.

Hören Sie, wie sich der Klang vom Bass-Neck-Pickup zur etwas schwächeren phasenverschobenen Tonabnehmerposition ändert. Für die Popgitarristen der achtziger Jahre war das ein sehr begehrenswerter Sound.


Chorused Cleans der 90er Jahre

Der Aufstieg von Grunge und Alternative Rock signalisierte das Ende der schweren Reverb- und Bubblegum-Chorus-Akkorde der 1980er Jahre. Das ganze Jahrzehnt hatte das "Was habe ich gedacht?!" Zeit und begann alle großen Produktionsideen zu verschrotten, die es Grunge, Alternative und anderen Arten von Hard Rock ermöglichten, in den Vordergrund zu rücken. Obwohl riesige Reverbs und niedliche Chorus-Effekte verschwunden waren, bedeutete dies nicht, dass Gitarristen die Effekte ganz aufgaben. Nein, Modulationseffekte fanden unterschiedliche Verwendung, manchmal subtil, aber immer interessant.

Kurt Cobain, einer der Pioniere des Grunge- und Alternative-Rocks, war nicht nur einer, der die Verzerrung seines Boss DS-2-Pedals aufhäufte. Er hat auch die Verwendung des Chorus-Effekts bei einer anderen Gruppe von Gitarristen populär gemacht. Seine Verwendung der Electro Harmonix Small Clone- und Poly-Chorus-Pedale ist definitiv ein entscheidender Teil seines sauberen Gitarrensounds, der mit seinem Song „Come as You Are“ leicht demonstriert werden kann.

Sie können nicht nur den charakteristischen Sound seines sauberen, chorierten Gitarrensounds im denkwürdigen Intro-Riff hören, sondern durch die Verwendung mit schreiender Verzerrung auch seinen charakteristischen, chorierten, verzerrten Rock-Sound erzeugen. Hören Sie sich das ganze Lied an, um die verschiedenen Stile zu hören, die er spielt. die chorierte Intro-Linie, die übersteuerten Jangly-Chorus-Akkorde des Chors sowie die saftige Verzerrung in seinem Solo, die nur durch die Verwendung des Chorus-Effekts verstärkt wird.

Dies war eine ganz andere Art, den Chorus-Effekt zu nutzen, als es die Glam-Rock-Bands der achtziger Jahre getan hatten. Aber Kurt Cobain war in der Lage, alles angstvoll klingn zu lassen, sogar seine Modulationseffekte.


Fuzzy Pumpkins

Ich habe tatsächlich ein anderes Premium-Tutorial geschrieben, das sich nur mit den verschiedenen Modulationseffekten in der modernen Musik befasst und 10 Dinge heißt, die jeder über Modualtion-Effekte wissen sollte. Dort berühre ich ein wenig The Smashing Pumpkins und Billy Corgans Verwendung von Flanger. In diesem Tutorial möchte ich jedoch ein wenig auf den Unterschied bei den Verzerrungseffekten eingehen. Kurt Cobain war berühmt dafür, sein DS-2-Verzerrungspedal in einem Mesa Boogie-Verstärker zu verwenden, um seinen charakteristischen Grunge-Rock-Sound zu erhalten. Billy Corgan verwendete jedoch einen völlig anderen Verzerrungseffekt, um seine dicke Verzerrung zu erzielen, nämlich Fuzz. Wenn wir die Verzerrung in drei Kategorien einteilen; Overdrive, Distortion und Fuzz, dann ist Fuzz definitiv der intensivste Sound. Es ist, als ob Sie kochen und die Sauce ein wenig eindicken müssen, um die gewünschte perfekte Verzerrung zu erzielen, aber am Ende zu viel Mehl oder Maisstärke hinzufügen, um viel zu dick und unscharf zu werden. Abgesehen von seltsamen Kochanalogien können Sie am äußersten Ende des Verzerrungsspektrums Fuzz setzen, da es sich normalerweise um einen unglaublich dicken und cremigen Sound handelt, der zu vielen Gitarristen wünschenswert war. Jimi Hendrix war derjenige, der es populär machte, aber Billy Corgan von den Smashing Pumpkins war definitiv derjenige, der es auf das Äußerste brachte.

Hören Sie sich einfach „Quiet“ von Smashing Pumpkins Album Siamese Dream und Sie können sofort den Unterschied zwischen der Rock-Verzerrung von Come as You Are und dem dicken Flaum von Billy Corgans Electro Harmonix Big Muff-Flaumpedal hören.


Whammy Against

Es ist schwer, einen Sound als den Sound eines Jahrzehnts zu klassifizieren, und da die Musik immer komplizierter wird und mehr Genres mit praktisch allen Effekten und Geräten auftauchen, die dem Menschen bekannt sind, gibt es keinen wirklich typischen Sound mehr. Einige Bands sind jedoch nicht nur wegen ihrer musikalischen Fähigkeiten, sondern auch wegen des Genies ihrer Gitarristen in den Vordergrund gerückt. Wenn wir einige der Gitarristen der späten 90er Jahre nehmen, die für ihre verrückten Gitarrenshenanigans bekannt sind, kann ich zwei nennen, die den Rahmen so weit verschoben haben, wie man es mit der Gitarre als Instrument machen kann. Tom Morello von Rage Against The Machine und Mike Einziger von Incubus haben die Gitarre in damals unbekannte Höhen gebracht, entweder mit Modulationseffekten, um die Gitarre so weit wie möglich vom Klang einer Gitarre zu entfernen, oder indem sie sie eher klingen lässt ein Drehteller als eine echte Gitarre.

Hören Sie Mike Einziger eklektische Mischung aus Modulation, Hall und Delay in Incubus Song "The Warmth" aus dem Album Make Yourself von 1999 als Beispiel dafür, wie sie versucht haben, sich von allem zu distanzieren, was als typischer Gitarrensound eingestuft werden könnte.

Tom Morello ging noch ein Stück weiter und kreierte einen Sound, der manchmal nicht als von einer E-Gitarre stammend zu erkennen war. Mit dem Tonabnehmerschalter seiner Gitarre, seinem Whammy-Pedal und einer Hand, die über die Saiten kratzte, konnte er der Gitarre neuen und aufregenden Klang entlocken. Sein Intro und Solo zum 1992er Song "Know Your Enemy" aus ihrem selbstbetitelten Debütalbum "Rage Against the Machine"

ist ein großartiges Beispiel für sein Genie. Indem er sein Whammy-Pedal benutzt und den Tonabnehmerschalter betätigt, erzeugt er mit einem ausgeschalteten und einem eingeschalteten Tonabnehmer einen Kratz-Tremolo-Effekt, der zu diesem Zeitpunkt unbekannt war. Das Intro neben dem stark durchgeknallten Pedal, das Gitarrensolo spielte, brachte ihn in die höheren Ränge der Gitarristen aller Zeiten.


Die Fortsetzung im neuen Jahrtausend - sauber und schmutzig

In all diesen Jahrzehnten hat sich der Gitarrensound erheblich weiterentwickelt. Jedes Jahrzehnt hat einen bestimmten Klang, der für dieses Jahrzehnt charakteristisch ist, unabhängig davon, ob er sauber oder verzerrt ist. Der klare Sound jeder Epoche hatte einen bestimmten Sound, der sich vom Rockabilly-Slap zur dunklen Chunge-Grunge-Gitarrenlinie entwickelte. Gleiches gilt für die Entwicklung von Overdrive oder Verzerrung. Von der Zeit, in der die Leute ihre Lautsprecherkegel zerreißen mussten, um in den fünfziger Jahren hörbare Verzerrungen zu bekommen, bis hin zum modernen Metal, bei dem jeder Verstärker saftiger verzerrt ist, als Sie jemals brauchen werden.

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