7 days of royalty free music tracks, footage & graphics - for free!* Unlimited asset downloads! Start 7-Day Free Trial
Advertisement
  1. Music & Audio
  2. Audio Production

Wie können Sie Ihre Tracks interessanter machen?

Read Time: 13 mins

German (Deutsch) translation by Valentina (you can also view the original English article)

Sie sind ein einzigartiger Künstler mit Ideen, die Sie ausdrücken möchten, und Musik, die Sie teilen müssen. Wie stellen Sie sicher, dass Ihre Tracks für Ihr Publikum interessant und unterhaltsam sind?

In diesem Tutorial werden wir uns einige der häufigsten Dinge ansehen, die Menschen vernachlässigen, um interessant zu bleiben, wodurch sich ihre Tracks leblos und langweilig anfühlen, und wie wir die Dinge lebendig und faszinierend halten können, um die Aufmerksamkeit unseres Publikums zu erhalten.

  1. Beginnen Sie mit einem Knall
  2. Vermeiden Sie die Verwendung von Schleifen
  3. Wenn Sie trotzdem Schleifen verwenden möchten
  4. Räumen Sie Ihren Mix auf
  5. Ungleichmäßige Sätze
  6. Gelegentliche Taktarten
  7. Die Dreierregel
  8. Unvollkommenheit
  9. Sei einzigartig, aber nicht zu einzigartig

Beginnen Sie mit einem Knall

Wir alle wissen, dass der erste Eindruck alles ist, und die Regel gilt für Musik genauso wie für alles andere. Die Eröffnungsmomente Ihres Tracks können die Aufmerksamkeit Ihres Hörers auf sich ziehen und ihn dazu bringen, weiter zuzuhören, oder ihn völlig unbeeindruckt machen und langweilen. Daher ist es wichtig, dass das erste, was Ihr Publikum hört, überzeugend ist.

Songwriter beginnen ihre Songs oft fälschlicherweise mit dem Spielen eines Verses oder der ersten 8 Takte eines Verses ohne vokalen oder instrumentalen Lead. Während ich verstehe, dass dies die Stimmung des Songs "einführt", ist es ziemlich langweilig, einige Akkorde zu hören, die auf der Gitarre gespielt werden. Wenn Sie Ihren Song instrumental starten möchten, verwenden Sie ein aufregendes rhythmisches Muster oder einen melodischen Hook. Sie müssen nicht einmal Material verwenden, das an anderer Stelle in Ihrem Song vorhanden ist.

Die Beatles beherrschen eingängige Einführungen (wie alles andere, was ich nehme). Betrachten Sie den interessanten Anfang des Songs "Ich habe gerade ein Gesicht gesehen", der mit einem geschäftigen 12/8-Gitarrenmuster beginnt. Es ist überzeugend, es hat nichts mit dem eigentlichen Song zu tun und es funktioniert. Andere Beispiele: Beginnen Sie mit einem erschütternden, aber aufregenden Akkord oder Hit und tauchen Sie dann direkt in den Song ein, wie in "Hard Days Night" oder "Glass Onion"; Beginnen Sie sofort mit einem Gesangschor wie "She Loves You", "Nowhere Man", "Eleanor Rigby", "Help" oder "Hello Goodbye". Beginnend mit einem einzigartigen Instrumental-Hook wie "Ticket to Ride", "Day Tripper" oder "Drive My Car".

Betrachten Sie diese beiden Beispiele, bei denen jeder Track mit einem schnellen Aufschwung beginnt. Der Anfang des Songs ist sofort aufregend und gibt Ihnen das Gefühl, dass Sie weiter zuhören möchten.



Vermeiden Sie die Verwendung der Schleifen

Eine der einfachsten Möglichkeiten, jemanden zu langweilen, besteht darin, eine Drum-Schleife zu finden, den Sie für toll halten, und ihn ad nauseum zu wiederholen. Es mag Spaß machen, zweimal durchzuhören, aber wenn sich nichts ändert, dauert es nicht lange, bis unsere Gedanken wandern und nicht mehr auf Ihre Musik achten.

Ein weiterer Nachteil von kommerziellen Schleifen ist, dass sie schnell zum Standard und Klischee werden können. Selbst wenn der Hörer nicht genau sagen kann, wo er es gehört hat, wird er feststellen, dass die Schleife bekannt ist, wenn sie von jemand anderem verwendet wurde. Durch die Verwendung von benutzerdefinierten Beats und Sounds bleibt Ihre Musik einzigartig.

Wenn Sie dieses Tutorial lesen, stehen die Chancen gut, dass Sie wissen, wie ein einfacher Schlagzeugschlag funktioniert. Wenn Sie nicht sofort nach Schleifen suchen, sondern ein Drum-Kit laden oder erstellen, müssen Sie kreativer denken. Sie müssen tatsächlich über das Muster nachdenken, das Sie erstellen, anstatt sich darauf zu verlassen, dass jemand anderes es für Sie erledigt.

In diesem Beispiel habe ich ein 8-Bit-Elektronik-Kit mit vielen einzigartigen und unterhaltsamen Sounds verwendet. Der resultierende Beat ist abwechslungsreich und lebhaft und nichts, was ich mir hätte einfallen lassen können, wenn ich nur in Ordnern nach einer Schleife gesucht hätte.

Der nächste wichtige Grund, um Ihre eigenen Beats zu erstellen, ist, dass es sehr einfach ist, sie anzupassen und zu ändern. Selbst subtile Änderungen wie ein verschobener Beckenschlag oder ein abwechslungsreiches Bassdrum-Pattern machen Ihren Beat während Ihres gesamten Songs viel lebendiger als die gleichen 4 Beats immer und immer wieder. Schauen Sie sich das MIDI für diese spezielle Schleife an:


Die einzigen Dinge, die durchweg genau gleich sind, sind die tickende Hi-Hat (die orangefarbenen Noten bei G3 und G #3) und das 8-Bit-Rauschen beim letzten Schlag (die gelben Noten bei G #0).

Alles andere um diese Elemente herum ändert sich ständig auf kleine Weise (Kick und Snare, die einen etwas gleichmäßigen Groove beibehalten) oder auf große Weise (die Soundeffekte und seltsamen Hits, die die Dinge aufpeppen).

Da wir jedes Element im Kit auf den Punkt genau steuern können, müssen wir uns überlegen, wie wir das Pattern interessanter halten können, was für die Stärke unseres Beats von Vorteil ist. Es ist auch viel einfacher, Änderungen vorzunehmen. Wir können einfach MIDI-Noten verschieben und müssen nicht versuchen, Audio zu spleißen.


Wenn Sie sowieso Schleifen verwenden wollen

Trotz des Ratschlags, die Verwendung von Schleifen zu vermeiden, sollten wir ganz ehrlich sein: Schleifen sind nützlich. Und sie machen sogar Spaß. Das Werfen einer guten Schleife kann eine große Zeitersparnis und auch ein kreatives Sprungbrett für andere Ideen sein. Aber wenn wir ab und zu zusammenbrechen und immer noch Schleifen verwenden, anstatt unsere eigenen Beats zu erstellen, können wir uns nur ein wenig mehr anstrengen, um sie gut zu machen.

Ich habe bereits in einem anderen Tutorial erläutert, wie Sie Ihre Schleifen aufpeppen können, indem Sie den EQ automatisieren. Wir konzentrieren uns jetzt mehr auf die tatsächlichen Beats in den Schleifen selbst, als einen Effekt auf den gesamten Track zu erzielen. Obwohl Sie die gleichen Ergebnisse erzielen können, indem Sie Audio aufteilen, wird dies viel einfacher, wenn Sie Stylus RMX- oder REX-Dateien verwenden, die die Beats Ihrer Schleifen bereits in einzelne MIDI-Noten aufgeteilt haben.

Das Einfachste, was wir tun können, ist mit einer Schleife zu arbeiten. Hier ist eine Schleife, die ziemlich einfach ist:

Wenn wir uns nur das MIDI ansehen, können wir sehen, dass es sehr gleichmäßig und sich wiederholend ist.


Lassen Sie uns dies interessanter machen, indem wir die MIDI-Noten neu anordnen, um Füllungen zu erstellen. Dazu identifiziere ich zunächst, welche MIDI-Noten die wichtigen oder interessanten Sounds im Schleife ausmachen, und verwende harte Hits wie Kicks und Snares für Rhythmen und kleine Hits wie Hi-Hats sind Risse für Füller.

Alles, was es brauchte, war ein paar Noten zu bewegen, aber jetzt haben wir einen Drum-Loop, der abwechslungsreich und lebendig ist.


Eine andere Möglichkeit, Schleifen interessanter zu verwenden, besteht darin, verschiedene Schleifen ständig zu variieren und zu mischen. Dieses Lied wurde mit 7 verschiedenen Drum- und Percussion-Schleifen erstellt:

Hier ist ein Bild der in der Sequenz verwendeten Schleifen:


Jeder Track ist eine andere Schleife und jede Farbe eine Variation. Beachten Sie, dass viele der gleichen Regionen immer wieder zurückkehren, aber die Idee hier ist, die Dinge ständig zu variieren. Sie verwenden eine kleine Reihe von Materialien, um Ihrem Song Zusammenhalt zu verleihen, ändern sie jedoch ständig, um den Hörer auf Trab zu halten.

Hier ist der gesamte Song, der diese Schleifen verwendet, die ebenfalls vollständig aus Bass-, Gitarren- und Blechbläsern mit demselben Konzept bestehen:


Räumen Sie Ihren Mix auf

Einer der größten Fehler, den ich höre, ist, dass ihre Mixe zu beschäftigt sind. Während sie vielleicht denken, dass sie Fülle erreichen, ist das, was sie wirklich haben, Unordnung. Wenn Sie Schlagzeug, Bass, Akustikgitarre, eine Leadgitarre und ein Klavier haben, die Akkorde und Fills spielen, einen Sänger und Background-Sänger, die alle gleichzeitig spielen, wie in aller Welt soll ich dann wissen, was ich hören soll? Nur weil du es hast, heißt das nicht, dass du es benutzen solltest.

Wenn Sie sowohl Klavier als auch Gitarre haben, können Sie am einfachsten abwechselnd Variationen erzeugen. Lassen Sie zum Beispiel den Gitarristen den ersten Vers und das Klavier den zweiten spielen. Oder geben Sie ihnen jeweils eine andere Funktion, z. B. wenn die Gitarre Akkorde spielt und das Klavier nur Licks und Fills zwischen den Gesangslinien spielt. In beiden Fällen kann das Übereinanderspielen beider Instrumente Ihrem Mix großen Schaden zufügen.

Schauen Sie sich dieses Beispiel an, das ich vollständig aus einigen Schleifen erstellt habe, die mit Logik geliefert wurden.

Der "Vers" wird dreimal durchgespielt, jedoch jedes Mal mit einem anderen Instrumentenpaar. Während Schlagzeug und Bass während der gesamten Melodie gleich bleiben, enthalten die Verse entweder Geige und E-Gitarre, Banjo und Akustikgitarre oder Pedal Steel und Akustikgitarre. Wenn Geige, Elektrik, Akustik, Banjo und Pedalstahl alle versuchen würden, auf demselben Vers zu spielen, wäre das ein chaotischer Wahnsinn. Indem der Hörer sie ausbreitet und jedem Spieler die Möglichkeit gibt, zu glänzen, kann er sich auf das Instrument des Augenblicks konzentrieren und muss nicht versuchen, das Chaos akustisch zu sichten.

Eine Solo-Flöte oder eine Solo-Oboe kann schön und lyrisch klingen, aber sobald Sie beide gleichzeitig spielen lassen, verlieren Sie die Einzigartigkeit und Farbe jedes einzelnen. Obwohl Sie mit verschiedenen Instrumentenkombinationen viele interessante und effektive Klänge erzeugen können, sind dies normalerweise die einfachsten Methoden, mit denen Sie die besten Ergebnisse erzielen und Ihre Ideen auf klarste Weise kommunizieren können.


Ungleichmäßige Sätze

Etwas ist interessant, wenn es unsere Erwartungen testet. Nach Jahren des Musikhörens haben wir uns alle an viele Konventionen gewöhnt, ein grundlegendes Beispiel dafür sind sogar Sätze mit 2, 4 oder 8 Takten. Indem wir mit der Länge unserer Sätze herumspielen, können wir die Dinge interessanter machen und aus der Gemeinsamkeit ausbrechen.

In diesem Beispiel wird der A-Abschnitt des Stücks hauptsächlich in drei Taktphrasen gespielt:

Das Stück hätte für einen zusätzlichen Takt für eine schöne, sogar viertaktige Phrase vampiren können, aber das wäre lang und unnötig gewesen. Indem wir die Phrase um einen ganzen Takt kürzen, halten wir das Stück in Bewegung und werfen die Erwartungen des Hörers leicht ab. Wenn Sie uns für eine weitere Schleife werfen, hört die dritte Phrase nicht bei drei Takten auf, sondern geht für 5 weiter, bevor Sie den A-Abschnitt erneut beginnen. In ähnlicher Weise schneidet die letzte Phrase des zweiten A-Abschnitts die 3-Takt-Phrase auf nur 2 Takte ab, wodurch der B-Abschnitt unerwartet ankommt.

Hören Sie sich zum Vergleich dieses Beispiel an, in dem die Phrasen so ausgedehnt wurden, dass sie den vierten Takt enthalten. Ich weiß nichts über dich, aber es macht mich ziemlich ungeduldig.

Ein wichtiger Punkt in der Originalversion ist, dass das Stück, obwohl die Phrasen ungewöhnliche Längen haben, immer noch ein Element des Flusses hat. Wir verwenden keine ungeraden Längen, um den Hörer zu erschüttern oder völlig unvorbereitet zu machen, sondern nur, um es interessanter zu machen, das Stück zu hören. Es ist eine subtile Technik, die ein Nichtmusiker niemals bemerken würde und die wir nicht wirklich wollen würden.


Gelegentliche Taktarten

Der Großteil der westlichen Musik ist in 4/4, mit gelegentlichen Tracks in 3/4, 12/8 oder 6/8. Die Verwendung einer weniger gebräuchlichen Taktart wie 5/4 oder 7/8 kann Ihrem Lied eine einzigartige Wendung verleihen, allerdings nur, wenn dies effektiv erfolgt.

Seltsame Zeitsignaturen können verwendet werden, um Menschen davon abzuhalten, in einen komfortablen Groove zu geraten. Led Zeppelin verwendete diese Technik oft. Betrachten Sie das Lied The Ocean, bei dem Sie Ihren Kopf in Richtung Groove bewegen, wenn Sie plötzlich von einem Dreierbalken überrascht werden.

Meine allzeit bevorzugte Verwendung von ungerader Zeit in der Popmusik ist Peter Gabriels "Solsbury Hill". Das Lied wechselt zwischen 4/4 und 3/4 (man könnte es als 7/4 bezeichnen), ist aber so flüssig, dass man nichts Seltsames bemerkt, wenn man nicht aufpasst. Er erreicht die Geschmeidigkeit, indem er auf jeder Viertelnote eine sehr gleichmäßige Bassdrum und ein gleichmäßiges Shaker-Muster beibehält. Der Groove wird nie unterbrochen, so dass es nie einen Grund gibt, das Gefühl zu haben, dass die Zeit ungewöhnlich ist, aber die Phrasierung ist gerade seltsam genug, dass wir spüren können, dass etwas anderes vor sich geht. Wenn Sie diese Note für das 8. Quartal weglassen, wird der Song auch ständig weiterentwickelt.


Die Dreierregel

Ich habe bereits ein Tutorial geschrieben, wie man die Dreierregel und Musik verwendet. Das Konzept besagt im Grunde, dass es Zeit ist, weiterzumachen, wenn Sie etwas genau das Gleiche einmal wiederholt haben. Schauen Sie sich das Original-Tutorial an, um einen tieferen Einblick zu erhalten.


Unvollkommenheit

Der Segen und Fluch der heutigen Musiktechnologie ist, dass wir mit unserer Musik nahezu "Perfektion" erreichen können. Rhythmen können unmenschlich präzise sein, Tonhöhen können niemals von einer perfekten mathematischen Frequenz abweichen, und unsere Mischungen können bis auf die Millisekunden-Automatisierung reagieren. Während all diese Dinge hilfreich sein können, ist es sehr einfach, einen Track zu erhalten, der leblos und herzlos klingt. Eine Möglichkeit, diese "menschliche" Berührung zurückzubringen, besteht darin, kleine Fälle von Unvollkommenheit einzubeziehen.

Schauen Sie sich die erste Minute dieses Stücks an:

Außer dem Klavier ist nichts los als ein langer Block, der die ganze Zeit die gleichen Tonhöhen hält. Ich ließ ein Streichquartett die gleichen Tonhöhen sehr leise unter dem Pad spielen. Die natürlichen Schwankungen beim Verbeugen, Stimmen und der Resonanz der Saiten fügten ein Flair der Unvorhersehbarkeit hinzu, das unmöglich zu erreichen gewesen wäre, wenn ich einfach meinen Finger auf das Pad gedrückt hätte. Während ich das MIDI sehr leicht über die Länge der Einleitung hätte strecken und dabei belassen können, wäre uns ein langweiliger und statischer Sound geblieben. Stattdessen können wir durch Hinzufügen kleiner Unvollkommenheiten ein subtiles Interesse hinzufügen. Die Kombination aus Pad und Saiten lenkt nicht vom Klavier ab, was das wichtigere Element ist, aber es hat ein organisches Gefühl, das es lebendiger wirken lässt.

Möglicherweise steht Ihnen nicht jedes Mal ein Live-Player zur Verfügung, wenn Sie Ihrer Musik eine menschliche Note verleihen möchten. Was hätten wir also noch mit diesem Pad tun können? Wir könnten einen Filter automatisieren, der es ermöglicht, dass unterschiedliche Frequenzen des Pads zu unterschiedlichen Zeiten durchlaufen werden. Wir könnten die Lautstärke so automatisieren, dass das Pad schwankt und zu "atmen" scheint, wenn es lauter und leiser wird. Wir könnten ein paar verschiedene Pads übereinander legen, die abwechselnd sanft übereinander ein- oder ausgeblendet werden. Alle diese Techniken würden eingesetzt, um zu verhindern, dass das Pad wie eine Maschine klingt und stattdessen wie ein unvollkommenes und organisches Element klingt.


Seien Sie einzigartig, aber nicht zu einzigartig

Es gibt eine feine Linie zwischen innovativ und exzentrisch. Wenn jemand als "seiner Zeit voraus" betrachtet wird, liegt dies oft daran, dass die Menschen die Lücken zwischen dem, was Standard ist und dem, was der Künstler ausdrückt, noch nicht geschlossen haben. Stellen Sie sich vor, Eddie Van Halen würde 1955 versuchen, ein zerreißendes Solo zu spielen, das mit tausend Noten pro Minute durch die Gitarre reißt. Er wäre entweder ausgelacht oder vielleicht sogar eingesperrt worden. Es dauerte Jahrzehnte, bis sich Rock entwickelt hatte, um die Voraussetzungen für diese Art des Spielens zu schaffen.

Wenn Sie möchten, dass Ihre Musik interessant ist, müssen Sie auf Ihre eigene Weise einzigartig sein, aber damit die Leute darauf achten können, müssen Sie ihnen einen Bezugspunkt geben. Ohne das hämmernde Streichorchester wäre "Viva la Vida" beispielsweise nur ein weiteres Coldplay-Lied. Es ist nichts Revolutionäres an der Akkordfolge oder Melodie, aber die einzigartige Orchestrierung für Popmusik macht den Song besonders interessant.

Es kann eine feine Linie zwischen "interessant" und "unberechenbar" sein, was einer der Gründe ist, warum konsistente subtile Änderungen so effektiv sein können. Minimalisten wie Philip Glass und Steve Reich haben ganze Karrieren aus dem Konzept gemacht, dass es nicht ständiger Stimmungs- oder Farbänderungen bedarf, um ein großartiges Musikstück zu machen, sondern dass Ihre Musik gerade interessant genug ist, um Ihren Hörer zu halten beschäftigt, verlobt.

Advertisement
Did you find this post useful?
Want a weekly email summary?
Subscribe below and we’ll send you a weekly email summary of all new Music & Audio tutorials. Never miss out on learning about the next big thing.
Advertisement
Scroll to top
Looking for something to help kick start your next project?
Envato Market has a range of items for sale to help get you started.