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Wie man einen Instrumental-Unterstrich schreiben

Read Time: 16 mins

German (Deutsch) translation by Alex Grigorovich (you can also view the original English article)

In diesem Tutorial werden wir den gesamten Prozess der Erstellung einer Instrumentalkomposition von den ersten Skizzen einer Idee bis zur endgültigen Mischung durchgehen. Natürlich gibt es tausend Möglichkeiten, ein Musikstück zu schreiben, dies ist nur eine Methode.

Sie sollten nicht erwarten, diese Methode für alles zu verwenden, was Sie jemals schreiben, aber es sollte hilfreich sein, einen Prozess zum Entwickeln einer Komposition in diesem Stil zu sehen.


Erstplanung

Dies wird nicht für den Film geschrieben, daher wird die Handlung auf der Leinwand kein Drama diktieren. Im Allgemeinen möchte ich, dass die Entwicklung des Stücks mich dahin führt, wohin es gehen soll, also werde ich nur ein paar Dinge planen. Ich möchte einen 1:30-2:30-minütigen Instrumental-Track in einem unterstrichenen Drama/Thriller-Stil erstellen. Das Stück sollte sich mit bestimmten interessanten Momenten mysteriös anfühlen. Das ist alles, was ich planen werde. Wir werden sehen, wohin uns der Rest führt.

Denken Sie auch daran, dass eines der Ziele beim Schreiben dieses Stücks darin besteht, es schnell herauszubringen. Obwohl wir es gut machen wollen, werden wir auch gute Orte finden, um Verknüpfungen wie das Wiederholen von Abschnitten oder das Schleifen von Ideen zu verwenden.


Finden Sie eine erste Idee

Das erste, was ich gerne mache, ist, ein grundlegendes Fragment zu finden, mit dem ich anfangen kann. Ich könnte Tage damit verbringen, auf eine leere Seite / einen leeren Bildschirm zu starren, ohne zu wissen, wo ich anfangen soll. Das Beste, was ich tun kann, ist, einen Ton zu laden und einfach mit dem Nudeln zu beginnen. Sie können mit allem beginnen, was Sie möchten, obwohl ich im Allgemeinen versuche, mich zu Instrumenten zu neigen, die als MIDI gut klingen, wie Klaviere, Keyboards, Harfen oder Mallet Percussion.

Vibes klingen für mich im Moment interessant, daher werde ich ein einfaches Vibes-Instrument in EXS laden. Fügen Sie einen Hauch von Hall hinzu, um das Aroma zu verbessern, und dann spiele ich einfach klickfrei auf der Tastatur, riffle an verschiedenen Mustern und Licks und versuche, nach etwas zu suchen, das sich inspirierend anfühlt.

Derzeit gibt es nicht viel Wissenschaft, aber im Allgemeinen suche ich etwas mit ein paar grundlegenden Anforderungen:

  • Einfach: Ich sollte es leicht wiederholen oder die Idee auf andere Sounds übertragen können.
  • Interessant: Einfach muss nicht langweilig sein. Es sollte zumindest etwas geben, das das Interesse in Bewegung hält, vielleicht einen speziellen Rhythmus oder ein spezielles Intervall.
  • Kurz gesagt: Ich versuche nicht, ein Meisterwerk zu schaffen, indem ich nach einem Fragment suche. Ich suche nur ein kleines Juwel, mit dem ich alles anfangen kann.

Einige meiner Versuche klangen so:

Nach ungefähr 8 Minuten des Herumspielens landete ich auf diesem Lick, von dem ich dachte, dass er Potenzial hätte:

Was ich an diesem Lick mag, ist sowohl der Sprungrhythmus der ersten beiden Beats (Eins - und ein Zwei - und ein Drei) als auch das Tritonusintervall in der Melodie der zweiten beiden Beats (E Bb Ab E). Beachten Sie das niedrige Eb bei den Takten 1 und 3, das sehr erdend und gleichmäßig ist. Ich halte auch das Sustain-Pedal für den gesamten Lick gedrückt, was ein verwaschenes, geräumiges Gefühl vermittelt.

Ich habe nicht mit einem Klick aufgenommen, daher muss ich jetzt das richtige Tempo finden (fühlt sich wie etwa 85 bpm an) und in einer saubereren Version spielen. Ich werde es auch quantisieren und die Geschwindigkeiten so einstellen, dass sie alle gleich sind, indem ich das Feld MIDI Region Parameters in der oberen linken Ecke des Arrangierfensters verwende.

Hier ist unser aufgeräumter Lick:

Dies ist die einzige Phase beim Schreiben des Stücks, in der wir Zeit damit verbringen werden, nach einer Idee zu suchen. Von hier an ist es das Ziel, die Ideen so schnell wie möglich aus unseren Köpfen in die Sitzung zu bringen. Vertraue deinen Instinkten. Wenn Sie eine coole Klavierlinie in Ihrem Kopf hören, nehmen Sie sie herunter und bewegen Sie sich dann weiter vorwärts. Stunden können verschwendet werden, wenn Sie dieselben zwei Takte immer wieder durchgehen, bis Sie denken, dass sie "perfekt" sind, aber zu diesem Zeitpunkt haben Sie das Material so oft gehört, dass Sie jede Perspektive verloren haben. Denken Sie daran, dass Musik linear ist und halten Sie sie fließend.


Erstellen Sie eine Einführung

Nachdem wir unsere ursprüngliche Idee haben, können wir damit beginnen, alles andere um sie herum zu entwickeln. Das Einfachste, was ich tun kann, ist, meine Region auszuwählen, L zu drücken und sie ins Unendliche schleifen zu lassen.

Bei der fünften Wiederholung würde es mich ein wenig verrückt machen, also lasst es uns aufpeppen. Beim fünften Takt höre ich einen harten Bass- und Drum-Hit, also werde ich einen Bass- und Taiko-Drum-Patch laden und sie ein langes Eb schlagen lassen.

Der Taiko-Hit ist ziemlich langweilig, also würzen wir ihn, indem wir ihm eine 32. Note hinzufügen. Es wird nicht ganz anders sein, aber es wird etwas subtiler hinzufügen. Beachten Sie, dass ich die Geschwindigkeiten erhöhen muss, bis der Downbeat der lauteste Treffer ist.

Es gibt noch einige Dinge, die wir tun sollten, um die Einführung interessanter zu gestalten, aber wir werden die Feinabstimmung für später aufheben. Es ist wichtig, dass wir weiter nach vorne pflügen und daran arbeiten, das Gesamtbild in Ordnung zu bringen.


Entwickeln Sie einen A-Abschnitt

In Takt 9 haben wir viel von der Einführung gehört und der Vibes Lick beginnt sich ein wenig abzunutzen, also sollten wir die Dinge aufgreifen, indem wir unser Haupt-A-Material einbringen. Ich höre Streicher auf einer einfachen Melodie, die ich über die Stimmung spielen werde.

Ich werde die Geschwindigkeiten reduzieren, die Zeit quantisieren und mithilfe der Modulation Dynamik und Form erzeugen. Weitere Informationen zur Verwendung der Modulation auf diese Weise finden Sie im Tutorial zum Erstellen ausdrucksstärkerer MIDI-Musik.

Obwohl diese Melodie sehr einfach ist, gibt es einige wichtige Dinge zu beachten. Es gibt ein rhythmisches Muster, bei dem der B-Tonabnehmer in absteigende Noten geht. Der dritte Takt ist der Höhepunkt der Phrase, da nicht nur das B natural die dissonanteste Note im Muster ist, sondern auch das rhythmische Muster verletzt wurde. Anstelle des von uns festgelegten gepunkteten Musters von Halbnoten zu Viertelnoten haben wir zwei Halbnoten. Beide Elemente machen dieses Maß am angespanntesten, wodurch sich das lange Bb am Ende besonders entspannt und entspannt anfühlt.

Beachten Sie, dass die Melodie fünf Takte lang ist und nicht die typischen vier. Dies ermöglicht uns nicht nur, bei diesem fünften Takt ein wenig zu atmen, sondern es ist auch eine subtile Möglichkeit, das perfekte Gleichgewicht gleichmäßiger Phrasen zu stören, was einen Hauch von Interesse und Instabilität hinzufügt.

Lassen Sie uns diesen Satz wiederholen, aber dieses Mal werde ich ihn anstelle einer abnehmenden Melodie umdrehen und nach oben klettern lassen, wobei ich erneut die dissonanteste Note für den "Höhepunkt" des Satzes speichere, bevor ich mich auf dem Eb entspanne.


Wiederholen Sie den Abschnitt A.

Jetzt, da wir eine Melodie mit zwei Phrasen haben, können wir das als unseren A-Abschnitt betrachten. Da wir es nur einmal vollständig gehört haben, lassen Sie es uns wiederholen, aber dieses Mal werden wir es interessant halten, indem wir die Orchestrierung intensivieren.

Ich werde zwei Takte am Ende des ersten A-Abschnitts belassen, bevor ich mit unserer Wiederholung beginne, die als Moment des Atmens fungiert und zu der 'mysteriösen' Qualität beiträgt, die wir anstreben.

Ich werde die Saiten wiederholen, aber dieses Mal werde ich sie mit einem gruseligen Synth verdoppeln. Ich habe den Sternennacht-Patch ausgewählt, der in Sculpture voreingestellt ist. Ich werde es um eine Oktave erhöhen und das Ergebnis gibt der Melodie mehr Sehnsucht.

Danach füge ich dem Gesamtgefühl mehr Intensität hinzu, indem der Bass auf jedem Takt eine tiefe Eb-Note trifft. Das Teil selbst ist nicht sehr interessant, aber es verleiht allem, was es umgibt, ein Gefühl von Gewicht.

Die andere Sache, die eine Variation gebrauchen könnte, ist unser müdes Vibes-Lick, also werde ich versuchen, es auf der Harfe zu verdoppeln, um zu sehen, ob es es genug verändert. Ich werde es eine Oktave höher und auch sehr leise haben, so dass es nur leicht zu spüren ist.

Also, hier ist was wir im Moment haben:

Und wie die Sitzung aussieht: (siehe die Abschnitte, die wörtliche Kopien früherer Materialien sind)

Es ist immer noch etwas langweilig, aber jetzt haben wir einen Überblick, worauf es in dieser Phase ankommt.


Entwickeln Sie einen B-Abschnitt

Wie eingangs erwähnt, beträgt meine Ziellänge für das Stück nur 1:30-2:30. Da wir bereits gegen 1:15 Uhr sind, habe ich nicht wirklich Zeit, einen ausführlichen B-Abschnitt zu entwickeln. Auf der anderen Seite könnte das Stück eine Art Variation gebrauchen, da es ziemlich langweilig wäre, den A-Abschnitt noch einmal zu wiederholen. Um dieses Problem zu lösen, erstelle ich einen sehr kurzen B-Abschnitt, der auf dem A-Material basiert und nur einige sehr kleine Änderungen enthält.

Das offensichtlichste, was ich ändern kann, ist die Harmonie, die seit Beginn des Stücks auf einem Eb-Pedal steht. Ich werde hier überhaupt nicht komplex werden. Einfache Harmonieänderungen können genauso effektiv sein wie weniger übliche, daher muss der B-Abschnitt nur mit einem Ab beginnen. Um dies zu tun, werde ich den Bass einen schönen fetten Ab legen lassen und einige der Tonhöhen in unserem Vibes ostinato anpassen, um die Veränderung widerzuspiegeln.

Ich mache den Ab für zwei Takte und dann zurück zu Eb für zwei Takte. Beachten Sie, wie sich der Ab (der iv-Akkord) anfühlt, als würde er uns anheben, und dann setzt uns der Eb wieder ab.

Ich denke, hier ist ein guter Ort für unser Taiko, also lege ich ein sehr einfaches Muster fest, das ich auch mit dem Bass nachahmen werde. Hier sind beide Teile (der Bass ist rot):

Zuletzt werde ich den Streichern und dem Synth eine Melodie hinzufügen, wieder etwas sehr Einfaches. Ich werde dann die gesamten vier Takte für einen Abschnitt mit acht Takten B wiederholen.

Etwas Interessantes passierte, als ich die Melodie hinzufügte, die ich in meinem Kopf hörte, was unbeabsichtigt war, aber gut funktionierte. Ich hatte beabsichtigt, die Harmonie von Ab-Moll nach Es-Moll zu ändern, aber aufgrund der Melodienoten hatten wir tatsächlich D-Moll / Ab-Moll. Funktionell dient es immer noch meinem Zweck der Spannung und Entspannung, aber auf eine andere Weise als erwartet.


Wiederholen Sie den Abschnitt A

Der B-Abschnitt gab uns die Möglichkeit, uns vom A-Material auszuruhen. Wenn wir es jetzt zurückbringen, wird es nicht mehr so lästig. Lassen Sie uns den vollständigen A-Abschnitt nur ein letztes Mal als Ende unseres Stücks wiederholen. Alles, was ich tun werde, ist, unseren zweiten A-Abschnitt zu kopieren, einzufügen und nach dem B-Abschnitt zu platzieren. Einfach genug, aber ich werde eine Anpassung vornehmen, damit es eher ein "Ende" ist, indem ich einige Elemente für die letzte Hälfte des Abschnitts herausnehme. Ich werde alles außer dem Synth und der Harfe für die letzte Phrase stumm schalten, was dem Stück mehr das Gefühl gibt, dass es zu Ende geht.

Hier ist das gesamte Stück, von dem ich sagen würde, dass es zu 90% da ist:


Hören Sie nach Verbesserungen

Jetzt, da die Grundkomposition vorhanden ist, ist es Zeit, zurück zu gehen und interessante und farbige Stücke hinzuzufügen. Das bedeutet nicht, dass wir das Ganze nur mit Percussion und Effekten behandeln sollten, denn für sich allein funktioniert das Stück im Allgemeinen. Wir sollten nur ein paar schöne Momente finden, um Interesse zu wecken und den letzten Schliff zu geben.

Um diesen Prozess effizient zu durchlaufen, ist es hilfreich, das ganze Stück durchzuhören und sich dabei Notizen über Ideen für die Verwendung zu machen. Dann wird die Liste einfach zu einer Checkliste, die Sie schnell verschieben können, indem Sie jeweils ein Element abhaken. Wie ich bereits erwähnt habe, könnten Sie Stunden damit verbringen, sogar zwei Takte immer wieder zu wiederholen, bis Sie sich selbst verrückt gemacht haben. Stattdessen zwingt mich diese Technik, einzusteigen, es zu erledigen und weiterzumachen.

Wenn ich mir das Stück anhöre, möchte ich Folgendes hinzufügen.

  • Ein interessanter Sound, der Sie am Anfang anzieht
  • Eine Art sich entwickelndes Pad oder ein gruseliger Sound in den ersten acht Takten
  • Beckenkratzen mit Taiko und Bass bei Takt fünf
  • Shaker im A-Bereich
  • Pad im zweiten Teil des ersten A-Abschnitts
  • Soundeffekt vor dem zweiten A-Abschnitt
  • Ein Geräusch, das uns in den zweiten A-Abschnitt zieht
  • Pad im zweiten Teil des zweiten A-Abschnitts
  • Sound zieht uns in den B-Bereich
  • Percussion in der B-Sektion
  • Pad in der letzten Phrase des letzten A-Abschnitts
  • Glatterer Schwanz für die Harfe

Alle diese Notizen befassen sich entweder mit dem Füllen von Lücken, dem Hinzufügen eines Elements, um einen Abschnitt von einem anderen zu unterscheiden, oder dem Ziehen in neue Abschnitte. Jetzt gehe ich die Liste durch


Interesse hinzufügen

Beginnen wir mit einem interessanten Sound am Anfang. Interessant muss nicht ungewöhnlich oder komplex sein, auch eine starke Trommel kann ein interessanter Weg sein, uns wegzuführen. Ich werde einen langen und tiefen Bassdrum-Hit machen. Ich werde es schön und tief machen, indem ich den EQ vom High-End abschalte und lange, indem ich sein eigenes Reverb-Plugin hinzufüge.

Als nächstes werde ich der Einführung ein gruseliges Pad hinzufügen. Ich werde einen zugrunde liegenden Sound mit viel Bewegung wählen, der zusammen mit den Vibes ostinato unser Ohr vor eine größere Herausforderung stellt, um mitzuhalten. Ich habe das Preset "Random Wave Groove" in ES2 geladen, das für sich genommen zu explizit nach Synth klingt.

Nachdem ich es in Hall gebacken und vom unteren Ende gerollt habe, klingt es mysteriöser. Ich werde es am Anfang einblenden lassen und dann wieder in den ersten A-Abschnitt zurückkehren.

Als nächstes kratzen wir das Becken in Takt fünf, einfach genug. Ich werde auch etwas Hall und Verzögerung hinzufügen.

Als nächstes habe ich eine Notiz, um Shaker zum ersten A-Abschnitt hinzuzufügen. Ich werde einen Live-Shaker aufnehmen, dessen Unvollkommenheiten eine subtile Nuance hinzufügen (kaum wahrnehmbar, aber es hilft). Ich habe nur den A-Abschnitt in den Notizen markiert, aber ich werde ihn durch das ganze Stück aufnehmen (es dauert nur zwei Minuten!), Damit ich auswählen kann, wo ich ihn sonst noch haben möchte.

In diesem Fall werde ich im zweiten Teil der Einführung beginnen. Hier ist unser neues Intro in den ersten A-Abschnitt:

Für das Pad verwende ich etwas sehr Dünnes und Glattes, das Calming Preset von EFM1. Meistens nur ein Eb und B gedrückt halten, dann aber das Intervall von G zu Eb von der Melodie gegen Ende wiederholen. Ich denke auch, dass ich etwas mehr brauche, um den Raum am Ende des ersten A-Abschnitts auszufüllen, damit ich den Block aus der Einführung zurückbringe.

Ich habe meine Meinung über den Sound geändert, der uns in die zweite A-Sektion zieht. Ich denke, Bass und Synth reichen aus, um Build und Entwicklung vorzuschlagen, ohne den Anfang jeder neuen Sektion mit einem großen Hit über unsere Köpfe zu hämmern. So klingt nun der zweite Teil unseres ersten A-Abschnitts:

Ich werde das Beruhigungspad wieder für die zweite Phrase des A-Abschnitts verwenden, diesmal nur etwas lauter. Ich werde das Beckenkratzen auch als Einstieg in den B-Bereich wiederverwenden.

Als nächstes kommt das Schlagzeug in der B-Sektion. Ich habe den Shaker bis zu diesem Punkt am Laufen gehalten, also werde ich nur noch ein leichtes Element hinzufügen: eine tickende Hi-Hat. Ich werde auch eine Beckenrolle hinzufügen, die aus dem B-Abschnitt kommt und uns in den letzten A-Abschnitt zieht. Hier ist das neue B:

Ich habe den Shaker im letzten A-Abschnitt angehalten, um die Idee aufzubauen, dass die Dinge nachlassen.

In der letzten Phrase bringe ich sowohl unser Calming Pad als auch das Moving Intro Pad zurück, das ein Gefühl von Raum vermittelt, und lasse sie beide am Ende mit dem Synth ausblenden.

Ich werde einen Ritard verwenden, damit sich die Harfe so anfühlt, als würde sie Dampf abgeben. Dazu setze ich einen Tempopunkt, an dem der Rit beginnen soll, Takt 46, und an dem er enden soll, 49.

Danach verwende ich den Tempo-Editor, um den Ritard zu erstellen, indem ich den letzten Punkt nach unten ziehe und zurückhöre, bis er sich richtig anfühlt. Ich werde auch die Kurve anpassen, um später in der Phrase langsamer zu werden.

Zuletzt werde ich das Ende des Harfenostinatos aufräumen, damit die letzten beiden Tonhöhen sehr sanft zusammen enden.

Hier ist unser neues Ende:

So sieht das letzte Stück im Sequenzer aus:

Nun da ist es, jetzt werden wir einige grundlegende Mastering hinzufügen und wir sind fertig!


Was, keine Mischung?

Viele von Ihnen würden wahrscheinlich erwarten, dass es jetzt, da alle Elemente vorhanden sind, Zeit ist, eine Mischung zu erstellen. Nun, ich denke, für die Art, wie wir geschrieben haben, ist das Zeitverschwendung. Da jedes Element während des gesamten Prozesses unter unserer Kontrolle war, haben wir es während der Arbeit gemischt. Wenn Sie es so weit geschafft haben, das Stück zu schreiben, und währenddessen nicht gemischt haben, wäre ich sehr überrascht. Was genau erwarten Sie also am Ende zu mischen?

Unser "Mix" sollte aus ein oder zwei letzten Durchgängen bestehen, um sicherzustellen, dass alles gut sitzt und funktioniert. Ich werde hier und da ein paar Level optimieren, aber im Allgemeinen wird alles in Ruhe gelassen.


Mastering

Für ein sehr schnelles und schmutziges Mastering neige ich dazu, eine Logikvoreinstellung zu laden und gegebenenfalls subtile Anpassungen vorzunehmen. Für dieses Stück verwende ich tatsächlich den unangemessen benannten Final Pop Master Wide und die Standardeinstellungen für Multipress, Direction Mixer und AdLimit. Anstelle des Match-EQ verwende ich einen normalen Kanal-EQ und überprüfe mit dem Analysator, ob keine Frequenzen außer Kontrolle geraten. Oft rolle ich etwas vom unteren Ende ab und hebe ein Regal am oberen Ende nur eine Berührung auf.

Natürlich ist dies nur ein schneller und funktionaler Weg, um ein grundlegendes "Mastering" durchzuführen. Es gibt fantastische Techniken, um einen ernsthaften Job zu machen, und ich empfehle Ihnen, die Audiotuts+ Mastering-Tutorials zu lesen, aber mit dem Fokus auf die Ausgabe von Musik funktioniert diese Methode einwandfrei.


Das Endergebnis

Also hier ist es, das letzte Stück. Im Allgemeinen dauert die Erstellung eines solchen Stücks weniger als eine Stunde, weniger als zwei, wenn ich eine Reihe von Live-Elementen aufnehmen möchte. Es ist kein Kunstwerk, aber es funktioniert und es erfüllt unsere Stil- und Längenkriterien. Dies ist Musik, die eine Funktion erfüllt (vielleicht als Unterstrich in einer TV-Show oder einem Film). Wir schreiben sie nicht, um einen Ausgang für echte Selbstdarstellung zu schaffen. Aus diesem Grund ist es wichtig, Methoden zu haben, um diese Art von Musik schnell und effektiv produzieren zu können.

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