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Der Arbeitsablauf des Aufnahmekünstlers: Vom Schreiben zum Mastering

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Difficulty:BeginnerLength:LongLanguages:

German (Deutsch) translation by Katharina Nevolina (you can also view the original English article)

Die ersten Aufnahmen aller - ob das nun drei oder dreizehn sind - gehen normalerweise den gleichen Weg. Die Frist nähert sich schnell und es wird kaum etwas getan. Was getan wurde, klingt nicht richtig. Ihre Mitmusiker haben keine Ahnung, was sie tun sollen, und niemand im Raum ist sich wirklich sicher, was der nächste Schritt in diesem Prozess ist.

Für die meisten Anfänger hat die Entwicklung eines Aufnahme-Workflows keine Priorität. Aber Profis werden Ihnen sagen, dass Zeit Geld ist und deshalb haben sie so hart daran gearbeitet, dass ihre Arbeit funktioniert. Je schneller Sie Ihre Arbeit erledigen können, desto effektiver ist Ihr Stundensatz, und je schneller Sie Ihre Arbeit erledigen können, desto weniger zahlen Sie für die Anmietung von Studios, Ausrüstung und Personal. Es funktioniert sowohl aus Kosten- als auch aus Ertragssicht.

Hier finden Sie einen Überblick über den Prozess und den Ablauf eines ordnungsgemäß durchgeführten Aufnahmeprojekts sowie Tipps zur weiteren Optimierung.


Schreiben

Das Schreiben ist die erste Phase eines Aufnahmeprojekts, auch wenn es lange vor der Entscheidung zur Aufnahme des Songs beginnt. Während der Schreibphase werden die Texte und die Musik erstellt und verfeinert, bis sie gut zusammenarbeiten.

Arbeiten Sie innerhalb Ihrer Grenzen

Wenn Sie sich in der Schreibphase befinden, ist es wichtig, über die Realität von Performance und Aufnahme nachzudenken. Wenn Sie Songs schreiben, die Sie mit Ihrer Band nicht aufnehmen oder live spielen können, sind sie nicht sehr gut für Sie. Wie stolz auf deine Arbeit wirst du sein, wenn du ins Studio kommst und feststellst, dass du nicht die richtige Ausrüstung, Musiker oder Instrumente hast, um den Song zum Laufen zu bringen?

Der Aufbau eines Repertoires ist wichtig und Sie müssen in der Lage sein, dieses Repertoire aufzuführen und aufzunehmen. Auch im Zusammenhang mit dem Aufnahmeprozess ist es wichtig, die Live-Performance zu berücksichtigen. Sofern Sie keine reine Studio-Band sind, muss Ihre Arbeit medienübergreifend übersetzt werden.

Ein paar Einschränkungen zu umgehen, fördert die Kreativität. Nehmen Sie die Herausforderung an. Der Künstler, der über jedes Werkzeug der Welt verfügt, ist häufig durch seine Wahl gelähmt, während das Arbeiten innerhalb einer Reihe von Grenzen kreative Entscheidungen erheblich erleichtern kann. Für die meisten Musiker ist dies ein wiederkehrendes Theme vom Schreiben bis zum Mastering, da es eine der teuersten Karrieren oder Hobbys sein kann.

Bereiten Sie die richtigen Materialien vor

Sobald Sie im Studio sind, müssen Sie möglicherweise mit Session-Musikern zusammenarbeiten, die den Song noch nicht mit Ihnen geprobt haben, oder Sie möchten einen bestimmten Abschnitt oder ein bestimmtes Riff des Songs mit Ihrem Produzenten und anderen Musikern besprechen. Backing-Sänger benötigen Texte. Wenn Sie nicht die richtigen Materialien im Voraus vorbereiten, wird dies ein größeres Hindernis sein, als viele zunächst denken! Ich empfehle Ihnen, zu jeder Sitzung mindestens ein paar Exemplare mitzubringen:

  1. Tabulatoren oder Notation für jedes Instrument
  2. Textblätter
  3. Akkordtabellen mit Texten

Proben

Obwohl es albern klingen mag, ist die Probe Teil des Aufnahmeprozesses. Denn wenn Sie den Song überhaupt nicht als Gruppe spielen können, macht es absolut keinen Sinn, ins Studio zu gehen.

Wenn Sie eine mehrspurige Aufnahme haben, scheint das Komponieren und Quantisieren bereit zu sein, als wäre das Aufnehmen eines Songs einfacher als das Live-Spielen. Die Wahrheit ist jedoch, dass aufgenommene Musik wirklich ziemlich launisch ist und alles, was mehr als zwei oder drei Spuren enthält, sehr viel erfordert , sehr empfindliches Gleichgewicht in der Mischung, um zu verhindern, dass Dinge auseinander fallen.

Wenn Sie nicht gut zusammen spielen, wenn Sie sich nicht in den Groove Ihrer Rhythmus-Sektion einklinken und Platz für jedes Instrument schaffen können, wo jedes Instrument es benötigt, ist es eine weitere Sache, die das empfindliche Gleichgewicht zum Absturz bringt. Ihre Aufnahme wird saugen, bevor sie beendet ist.

Sie müssen proben, bis der Song so poliert klingt, dass Sie glauben, Sie könnten ein paar Mikrofone in Ihrem Proberaum aufstellen und eine Aufnahme bekommen, mit der Sie zufrieden sein könnten.

Während viele Anfänger versucht sein mögen, diesen Rat abzuschütteln, ist hier eine praktischere Überlegung für Sie: Studios kosten Geld. Jede Stunde, die Sie nicht proben, ist eine weitere Stunde, die Sie dem Studiobesitzer bezahlen, da es so viele Probleme mit der Aufnahme gibt.

Ernsthaft. Proben.

Richten Sie den Fokus in den Probenabschnitten

Die gebräuchlichste Methode, ein Lied zu üben, besteht darin, dass die Band es von Anfang bis Ende wiederholt spielt. Dies ist eine besonders ineffiziente Arbeitsweise, da Sie genauso viel Zeit mit den Teilen des Songs verbringen, mit denen die Band einverstanden ist, wie mit den Teilen, mit denen die Band zu kämpfen hat.

Konzentrieren Sie sich auf verschiedene Segmente des Songs oder verbringen Sie sogar 20 Minuten in einem viertaktigen Abschnitt des Songs, wenn es für alle schwierig ist, miteinander Schritt zu halten. Fahren Sie erst fort, wenn die Band gelernt hat, die lästigen Segmente perfekt zu spielen.

Es ist wichtig, den Song als Ganzes zu üben, ohne anzuhalten, aber Sie werden Ihre Zeit viel weiser verbringen, wenn Sie die direkten Übungen speichern, bis alle mit den Komponentenabschnitten zufrieden sind.


Planung

Das Lied wurde also geschrieben. Die Band kann es mit geschlossenen Augen spielen und kopfüber in ihrer Unterwäsche hängen. Jetzt haben sie beschlossen, dass es Zeit ist, es aufzunehmen.

"Auf was warten wir? Lassen Sie uns aufnehmen! " Sie alle sagen in Ihrer Aufregung. Tut mir leid, dass ich Ihre Party gedämpft habe, aber nicht so schnell. Zuerst müssen Sie einen Plan machen.

Was werden Sie tun und in welcher Reihenfolge? Wie viele Instrumente werden beteiligt sein? Wie viele Parts wird jedes Instrument haben und wie viele Spuren werden für jedes Instrument benötigt? Wie lange wird der gesamte Prozess dauern? Wann müssen wir das Studio und den Produzenten buchen? Der Mastering-Ingenieur? Der schwer fassbare Piccolo-Meister?

Ohne Plan haben Sie noch zwei Tage Studiozeit, bevor der Mix gemastert werden muss, und der einzige noch lebende Piccolo-Spieler auf dieser Seite des Äquators ist drei Monate hintereinander ausgebucht. Hoppla.

Wie erstelle ich einen Plan?

Ein Plan sollte immer in schriftlicher Form vorliegen. Ich meine nicht unbedingt Stift und Papier - es kann ein Computerdokument oder eine Steinschnitzerei sein -, aber Pläne, die im Kopf eines Menschen gespeichert sind, sind Pläne, die vergessen werden, sobald die Planungsphase endet.

Ihr Plan muss nur so komplex oder einfach sein wie das jeweilige Projekt. Wenn Sie eine Gliederung benötigen, um loszulegen, würde ich Folgendes vorschlagen:

  • Endprodukt - Geben Sie deutlich an, womit Sie den Aufnahmevorgang abschließen möchten
  • Projekt - Dies ist eine umfassende Aufschlüsselung des Songs und seiner Komponenten. Struktur (Vers-Chorus-Vers-Chorus-Bridge-Chorus oder was haben Sie), irgendeine Form von notierter Musik - ob es sich um eine Gitarren-Registerkarte, eine Akkordtabelle oder eine Musiknotation handelt - spielt eine Rolle - und ein heruntergekommenes Instrument Das Lied und die Teile jedes Instruments sind wichtig.
  • Personen - Listen Sie die am Projekt beteiligten Personen und ihre Rollen auf. Denken Sie an die Personen, die Sie benötigen, um alles im Projektabschnitt zu realisieren.
  • Ausrüstung - Listen Sie die Ausrüstung auf, die Sie benötigen, um zu realisieren, was Sie im Abschnitt Projekt beschrieben haben.
  • Zeitleiste - Erstellen Sie eine Zeitleiste für den Aufnahmevorgang. Die Zeitleiste sollte umfassend sein, damit Sie wissen, wann Sie mit dem Demo beginnen, wann Sie marokkanische Percussion aufnehmen, an welchem Tag Sie die von Ihnen gemietete Rack-Einheit abholen müssen, da dies dem Song einen wesentlichen Klang verleiht, und so weiter. Der Zweck der Zeitleiste besteht nicht nur darin, dass Sie keine Sitzungen verpassen, sondern dass Sie überhaupt nichts verpassen, was mit dem Projekt zu tun hat.

Pläne können viel komplizierter sein. Fügen Sie sie also nach Ihren Wünschen hinzu. Pläne können auch recht einfach sein - wenn Sie einen dreiminütigen Folk-Song über ein Standard-Rack mit Studio-Ausrüstung aufnehmen möchten, nur Sie selbst auf Gesang und Gitarre und vielleicht ein oder zwei Percussion-Overdubs, brauchen Sie nicht die gleiche Art von Struktur.


Demo

Für viele Musiker ist die Demo-Phase eine der ersten Phasen eines Projekts. Das bedeutet, dass sie nicht vollständig vorbereitet und bereit sind, in den Job einzusteigen. Die ersten Tage verbringen wir damit, im Studio herumzutollen, zu entscheiden, was zu tun ist, und über die verschiedenen Änderungen nachzudenken, die am Song „nur zum Spaß“ vorgenommen werden könnten. Obwohl alles sehr kreativ ist, ist es wahrscheinlich nicht die beste Zeit, um herumzuspielen, nur weil Sie keinen festen Angriffsplan vorbereitet haben, egal ob Sie für die Studiozeit bezahlen oder nicht.

Mit diesem Arbeitsablauf haben Sie all diese Experimente und Unsicherheiten bereits aus Ihrem System herausgeholt. Sie wissen, was Sie tun müssen, und haben daher nicht das Gefühl, dass Sie herumspielen müssen, weil Sie nicht wissen, was der nächste Schritt ist.

Die Demo-Phase ist der Teil des Projekts, in dem jeder Musiker eine grobe Einstellung aufzeichnet, die gut genug ist, um einen Rahmen zu bilden, um den sich der Rest des Projekts dreht. Sobald die Demo fertig ist und Sie mit dem Tracking fortfahren, müssen Sie nur noch die Demo-Tracks gegen die endgültigen Tracks austauschen. Die Demo ist kein polierter, endgültiger Track, aber es ist wichtig, bestimmte Faktoren richtig zu machen. Die Produktion gehört nicht dazu, aber das Timing ist sicher.

Führen Sie eine Klickspur durch

Es ist mir wirklich egal, was Ihre persönliche Meinung zu Klickspuren ist - einige Elitisten meiden ihre Verwendung aus irgendeinem unbegründeten Grund -, aber wenn Sie eine Demo aufnehmen, stellen Sie sicher, dass alle auf einer Klickspur aufnehmen.

Click-Tracks sind für Anfänger schwer zu gewöhnen. Geben Sie jedem Instrumentalisten - insbesondere Ihrem Schlagzeuger - etwas Zeit, um sich daran zu gewöhnen, mit einem zu spielen. Sei rücksichtslos, wenn sie sich daran gewöhnt haben. Werfen Sie Tracks raus, die nicht perfekt ausgerichtet sind.

Der Grund dafür ist, dass ein schlechtes Timing in der Demo-Phase, da die Demo als Tracking-Framework dient, ein ganzes Projekt und wochenlange Arbeit ruinieren kann. Ein kleiner Rhythmusfehler kann leicht behoben werden, während Sie die Demo aufnehmen. Nach der Hälfte des Tracking-Prozesses ist dies ein großes Problem, da Sie ein gesamtes Projekt wiederholen müssen, das auf diesem Fehler aufbaut. Je weniger wachsam Sie sind und je länger Sie das Problem in Ihrem Projekt belassen, desto größer wird dieses Problem.

Es ist auch wichtig, wählerisch zu sein. Es gibt keine "nicht allzu große Sache", denn etwas, das wie ein kleiner Fehler erscheint, klingt wie ein großer Fehler, wenn jedes andere Instrument seinem Beispiel gefolgt ist.

Kurzversion: Wenn nicht jeder Track Ihrer Demo zum richtigen Zeitpunkt ist, kann die Demo nicht als Rückgrat Ihres letzten Stücks dienen.

Lassen Sie Ihren Sänger zur laufenden Demo singen

Die Tonhöhe ist bei einer Demo nicht so wichtig wie das Timing. Sie sollten jedoch sicherstellen, dass die Instrumente vor der Aufnahme gut gestimmt sind, und Ihr Bestes geben, um hier das beste Ergebnis zu erzielen.

Ein Instrument außerhalb der Tonhöhe kann jedoch die Gesangsleistung in der Demo- und/oder Tracking-Phase beeinträchtigen. Da die Gesangsdarbietung im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit des Publikums steht, müssen Sie es richtig machen.

Lassen Sie den Leadsänger jedes Mal, wenn Sie ein bestimmtes Instrument während der Demo-Phase verfolgen, mitsingen und stellen Sie sicher, dass ihn nichts vom Spielfeld abwirft. Das Problem selbst wird möglicherweise nicht durch verstimmte Instrumente verursacht - es kann alles sein, einschließlich eines Timing-Problems -, aber was auch immer es ist, sollte behoben werden, während Sie sich noch in der flexibleren und formbareren Demo-Phase befinden.


Verfolgung

In der Tracking-Phase des Projekts verwenden Sie die Demo als Richtlinie, während Sie jeden Track durch den richtigen Take ersetzen.

Notieren Sie Ihre Einstellungen

Zeichnen Sie Diagramme von Rack-Geräten, machen Sie Screenshots von Plug-Ins und tun Sie alles, was Sie tun müssen, um eine Kopie Ihrer Einstellungen in der Datei zu haben. Dies gilt auch für die Platzierung von Mikrofonen: Nehmen Sie ein Bild auf oder zeichnen Sie eines. Stellen Sie nur sicher, dass Sie wissen, wie Sie die Mikrofone wieder so einsetzen, wie sie waren.

Und das bedeutet auf den Zentimeter genau, also hol das Lineal raus. Der Unterschied von einem Zentimeter sieht für uns nicht nach etwas aus, aber aus einer soliden Perspektive kann er riesig sein.

Sie müssen pedantisch in Bezug auf das Führen von Aufzeichnungen sein, damit Sie dort weitermachen können, wo Sie aufgehört haben, wenn Sie einen Abschnitt neu verfolgen müssen oder nur die Hälfte der Verfolgung für ein bestimmtes Instrument an einem Tag beenden können. Ohne identischen Sound müssen Sie das Tracking im Allgemeinen von vorne beginnen. Es mag hier oder da als Effekt wirken, aber oft wird es den Hörer abschrecken, wenn sich der Ton der Instrumente in der Mitte des Songs ändert.

Es ist besser, Nüsse zu machen, als nicht genug zu haben

Sie sind sich also nicht sicher, ob das U87 oder Classic II ein besseres Mikrofon für ein Teil ist, und Sie können sich einfach nicht entscheiden. Nehmen Sie beide auf und wählen Sie später! Es ist besser, Optionen zu haben, als mit einem Ergebnis festzuhalten, mit dem Sie nicht zufrieden sind. Das beliebte Sprichwort in der Musikindustrie ist, dass man einen Trottel nicht polieren kann. Im Allgemeinen bezieht es sich auf die Leistung, aber vertrauen Sie mir, wenn ich sage, dass die Produktionswerte eines Tracks einen hervorragenden Leistungsklang erzeugen können, wie der sprichwörtliche unpolierbare Mist.

Was Sie jedoch später möglicherweise nicht ändern können, ist die Mikrofonpositionierung (Sie haben möglicherweise dreiundsiebzig SM57, aber nur sehr wenige Leser hätten mehr als ein U87, wenn sie überhaupt eines haben). Nehmen Sie sich Zeit für die Positionierung. Machen Sie es richtig.

Subtilität ist der Schlüssel zu zerstörerischen Effekten

Wenn Sie externe Effekte wie EQ und Komprimierung verwenden möchten, seien Sie sehr vorsichtig und wählen Sie die Einstellungen so subtil wie möglich. Verwenden Sie nur so viel Effekt, wie Sie benötigen. Außenborder-Effekte klingen im Allgemeinen besser als Plug-Ins, wenn Sie über eine hervorragende Ausrüstung verfügen oder sich in einem professionellen Studio befinden. Sie können jedoch später nicht mehr zurückgehen und Änderungen vornehmen. Wenn Sie ein Anfänger bis Fortgeschrittener sind, stecken Sie häufig in einer Spur fest, die Sie nicht verwenden können, nachdem Sie festgestellt haben, dass sie ein oder zwei Wochen später ruiniert ist. Es passiert sogar oft erfahrenen Ingenieuren.

Wie ich bereits in Bezug auf die Platzierung von Mikrofonen sagte, verbringen Sie Zeit mit Ihren Außenborder- (oder anderweitig zerstörerischen) Effekten. Machen Sie es richtig. Und selbst dann machen Sie sie subtil; Wenn Sie nicht genug komprimiert haben, können Sie Probleme mit einem Plug-In beheben. Wenn Sie zu viel komprimiert haben, sind Sie geschraubt.


Routing

Das Routing erhält oft keine eigene Phase und benötigt für viele Leser möglicherweise keine. Wenn Ihr Genre minimalistisch ist und nur zwei bis fünf Titel pro Sitzung verwendet, können Sie dies sicher überspringen. Die meisten Electronica-Produkte müssen wahrscheinlich keine große Aufregung darüber machen. Wenn Sie jedoch eine Menge realer Instrumente aufnehmen und große, unhandliche Produktionen in Pro Werkzeuge oder Logic oder What-Have-You haben, ist Routing eine Kunstform für sich.

Meine Routing-Phase besteht aus zwei Teilen:

  • Instrumentengruppenhilfsmittel einrichten
  • Einrichten von Sende-/Rückgabesystemen für allgemeine Effekte

Wenn Sie sich nicht sicher sind, wie Sie einen Gruppen-Aux-Sub-Mix oder einen Send/Return-Effekt einrichten sollen, finden Sie in den einzelnen Tutorials zu Audiotuts+ eine Erläuterung.

Gruppenhilfsmittel

Wenn Sie einen Song mit 30 oder 100 Titeln im Projekt haben, ist dies zu viel für Ihren Verstand, um mit der relativen Mischung fertig zu werden. Teilen Sie alles in einige Gruppen auf (weniger als zehn, vorzugsweise weniger als fünf), z. B. Gesang, Schlagzeug und Gitarre.

Verlegen Sie dann jede dieser Spuren neu, damit sie zu einem Stereo-Hilfskanal und nicht direkt zum Stereo-Master gelangen. Holen Sie sich eine relative Mischung zwischen allen Tracks, die zum Auxiliary geleitet werden, und verbringen Sie einige Zeit damit, um es perfekt zu machen. Wenn der Sub-Mix gut ist, müssen Sie möglicherweise einzelne Track-Levels nicht erneut berühren. Bewegen Sie einfach einen Ihrer Gruppen-Aux-Fader, um die Mischung anzupassen.

Das Mischen von nur 20 Tracks und von einigen hundert ist ein schmerzhafter Prozess. Wenn Sie so viele mit drei bis zehn Untermischungen machen können, lachen Sie.

Senden/Zurücksenden-Systeme

Es gibt häufig verwendete Effekte, die in fast jeder Produktion verwendet werden: Hall und Delay sind am häufigsten, und Chorus tritt in den meisten Projekten auf. Sie sollten Sende-/Rückgabesysteme so einrichten, dass jede Spur eine bestimmte Menge ihres Signals an einen einzelnen Prozessor sendet, der für jede Spur im Projekt geeignet ist. Dies hat zwei Vorteile.

  1. Die Verwendung eines Hall-Plug-Ins (oder eines anderen Effekts) für jede Spur tötet den schnellsten Prozessor
  2. Die Verwendung eines Hall-Plug-Ins (oder eines anderen Effekts) für jede Spur führt zu einem schlampigen, nicht zusammenhängenden Klang

Es ist sehr einfach, ein Lied durch den Missbrauch von Effekten zu ruinieren. Bei Verwendung von Sende-/Rückgabesystemen kann dies zwar immer noch vorkommen, die Steuerung ist jedoch viel einfacher. Unterschiedliche Halleinstellungen auf verschiedenen Instrumenten funktionieren manchmal, aber oft verwirrt dies den Verstand des Hörers. Die Verwendung von Effekten mit denselben Einstellungen über dieselben Prozessoren hilft dabei, die Mischung zusammenzubinden und einen zusammenhängenderen Klang zu erzielen.


Bearbeitung

Bevor Sie mit dem Mix beginnen, möchten Sie sicherstellen, dass alle Ihre Audiodaten vorhanden, ausgerichtet, überblendet und im Allgemeinen zum Mischen bereit sind, ohne dass große Änderungen erforderlich sind oder strukturelle Probleme auftreten. Sie müssen sich ohne Ablenkung auf die Ebenen und Effekte konzentrieren können, die in der nächsten Phase verwendet werden.

Es ist hilfreich, eine Bearbeitungs-Checkliste zu erstellen, die Sie jedes Mal verwenden können, wenn Sie etwas Neues aufnehmen. Sie könnten so etwas verwenden, obwohl es keineswegs vollständig ist:

  • Regionen bearbeiten
  • Blenden und Überblendungen
  • Konsolidierung
  • Automatisierung

Das Bearbeiten von Regionen umfasst das Schneiden verschiedener Takes und das Aufstellen des bestmöglichen Comp-Tracks. 95% der Bearbeitungszeit wird normalerweise hier verbracht, und das liegt am Schlagzeug. Sie müssen jede Drum-Spur durchgehen und sicherstellen, dass die Transienten mit dem Beat übereinstimmen. Das kann Stunden dauern, bis es richtig ist. Sie müssen auch ziemlich nah heran zoomen, was die Dinge verlangsamt - dies verhindert, dass Sie Dinge zu mechanisch in einer Linie einrasten lassen, wie dies bei einer normalen Zoomstufe der Fall wäre. Bei einer normalen Zoomstufe werden alle Geräusche, die Sie bewegen, weiter bewegt, um am Raster zu fangen, wodurch eine technisch perfekte, aber emotional leere Leistung entsteht.

Sobald jede Region vorhanden ist, müssen Sie winzige Überblendungen für jede Region erstellen, um überall Knallgeräusche zu vermeiden, und sicherstellen, dass jeder Spleiß zwischen den Aufnahmen überblendet wird.

Sobald Sie zufrieden sind, halten es viele Menschen für eine gute Praxis, Regionen zu konsolidieren, sodass die Zusammenarbeit mit ihnen von nun an einfacher ist.

Während alles, was mit dem Ändern von Pegeln zu tun hat, im Allgemeinen als Teil der Mischphase betrachtet wird, kann es eine gute Idee sein, die Lautstärke von stark variablen Spuren mithilfe der Automatisierung auszugleichen, bevor Sie zum Mix gelangen. Das Mischen der ersten Hälfte des Verses, nur um herauszufinden, dass die zweite Hälfte des Verses völlig unterschiedliche dynamische Eigenschaften aufweist, macht keinen Spaß und kann viel Arbeit erfordern (die einfache Lösung besteht darin, einen wirklich dichten Kompressor auf alles zu schlagen, aber wenn du willst das Leben aus dem Sound saugen mach weiter so!).


Mischen

Das Mischen ist theoretisch ein so einfacher Prozess und kann in der Realität dennoch so kompliziert und stressig werden. Die Idee ist, jeden Sound mit Effekten und Prozessoren steuerbar und ästhetisch ansprechend zu gestalten und die richtigen Pegel zu erzielen. Mein Prozess läuft ungefähr so ab:

  • Relative Stufen
    • Solo einen Sub-Mix und wiederholen Sie die relativen Stufen auf jedem
    • Mischen Sie dann die Untermischungen, bis der Song ausgeglichen klingt
  • Verarbeitung und Effekte
    • Arbeiten Sie an den Grundlagen für jeden Track, bis ich mit dem Sound vollkommen zufrieden bin: EQ, Komprimierung, Begrenzung. Gitarrenverstärkersimulatoren sind eine der "Grundlagen", wenn ich E-Gitarre als DI aufgenommen habe.
    • Erst wenn diese erledigt sind, gehe ich zu anderen Effekten über, bei denen es mehr darum geht, den Sound zu verändern und weniger darum, ihn zu steuern und zu verbessern.
  • Letzte Stufen
    • Prozessoren ändern den Klang und häufig die Stufe jeder Spur. Gehen Sie Ihre Untermischungen und Ihre Gesamtmischung noch einmal durch.
    • Spülen Sie diesen Vorgang aus und wiederholen Sie ihn, bis Sie zufrieden sind.

Das Mischen ist wirklich eine ziemlich große Aufgabe. Ohne einen Plan - selbst einen so einfachen wie den, den ich gerade skizziert habe - wissen Sie nicht, wo Sie anfangen sollen oder wann Sie fertig sind. Ich weiß, dass ich am Ende viel mehr mache als ich aufgelistet habe, oft in einer anderen Reihenfolge als der, die ich aufgelistet habe. Wenn Sie jedoch nicht wissen, wo Sie anfangen sollen oder wie Sie sich dem Job nähern sollen, dauert Ihre Mischsitzung viel länger und Sie werden durch Probleme mit allem verwirrt, von Ihrer Gewinnstruktur bis zum Versuch, sich daran zu erinnern, was Sie verarbeitet haben und was Sie haben nicht.


Mehrere Versionen

Dies ist ein ziemlich übersehener Teil des Postproduktionsprozesses. Sobald Sie eine endgültige Mischung erhalten haben, möchten Sie einige verschiedene Versionen davon erstellen und diese auf die Festplatte übertragen. Jede Version enthält eine geringfügige Änderung, die eine geringfügige Änderung des Fokus auf die Instrumente im Song darstellt. Eine mit einer lauteren 1-dB-Lead-Stimme, eine mit einer leiseren 1-dB-Lead-Stimme, eine mit ausgeprägterem Backing-Gesang, vielleicht eine mit leiserem Schlagzeug, und die Liste geht weiter. Normalerweise werden Änderungen nicht mehr als 1 oder 2 dB betragen.

Sie tun dies, weil das Mastering den Sound des Mixes ändert und Sie so schnell verschiedene Mastering-Versionen anhören können, ohne zurück zu gehen, etwas zu ändern, es zu bouncen, zu mastern und dann zu vergleichen. Überlegen Sie sich die wahrscheinlichsten Änderungen, die Sie vornehmen möchten, und bereiten Sie sie alle vor, damit sie auf einmal gemeistert werden können.

Wenn Sie das Mastering nicht durchführen, was wahrscheinlich die beste Idee ist (es sei denn, Sie sind ein Mastering-Ingenieur mit einem Mastering-Studio), sollten Sie dem Mastering-Ingenieur dennoch diese Optionen zur Verfügung stellen. Sie werden Sie häufig anrufen und nach ihnen fragen, wenn Sie sie zunächst nicht zur Verfügung stellen. Vielen Dank an Audiotuts+ Plus-Mitarbeiter Bobby Owsinski für diesen Tipp.


Mastering

Ich gebe nicht vor, viel über das Mastering zu wissen. Mein Workflow besteht darin, meine mehreren Versionen fertig zu machen und sie an jemanden weiterzugeben, der vorgibt, es zu wissen. Der beste Rat, den ich Ihnen geben kann, ist, Ihre Musik an den Mastering Engineer weiterzuleiten. Wenn ich es selbst tun muss, ist es überhaupt keine besonders wissenschaftliche Methode. Ich hüpfe Songs und wichtig sie für eine Album-Mastering-Sitzung, wende die üblichen Prozessoren an und versuche, die Lautstärke jedes Tracks so gut wie möglich auszurichten.

Trotzdem ist es wichtig, dass das Mastering Teil Ihres Plans ist, da Sie einen Mastering-Ingenieur finden, einen Teil seiner Zeit buchen und daran denken müssen, Ihre Arbeit an ihn zu senden.

Wenn Sie darauf bestehen, sich selbst zu beherrschen, lesen Sie unbedingt die Audiotuts+-Website, da sie einige nützliche Tutorials zu diesem Theme enthält. Wenn Sie nie vorhaben, einen Mastering-Ingenieur einzusetzen, tun Sie sich selbst einen Gefallen und erhalten Sie eine weiterführende Ausbildung in diesem Fach.

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