Guía para producir un track orquestal épico

Aunque no soy un gran fan de las producciones épicas, definitivamente son lo que los productores/directores/desarrolladores de juegos buscan hoy en día. Ahora, como un todo, se pueden escuchar pistas orquestales épicas en películas, TV, comerciales, videojuegos, trailers. Siempre admiten la tensión, la batalla, la persecución, todos estos momentos extremadamente dinámicos que captan la atención del cliente (ya sea un jugador, un oyente o un espectador, no importa).

Por lo tanto, este tutorial es una guía que espero te ayude a crear tu propia pista orquestal épica ¡Empecemos!

Paso 1: Composición

Una buena composición es una parte muy, muy importante de la música. Puede ayudarte mucho en la organización, orquestación y simulación MIDI.

En primer lugar, me gustaría señalar algo: las pistas orquestales épicas son muy similares. Hollywood es una gran máquina que fabrica pistas épicas todo el tiempo, y la mayoría de ellas suenan 70-80% de la misma manera.

Por lo tanto, para que tú y tus clientes estén contentos, debes hacer algo que te resulte familiar. Pero definitivamente debes tratar de agregar una parte de ti mismo. ¿Cansado de esos acordes I-VI? Agrega algo nuevo, modifica la armonía, la melodía, agrega algunos contrapuntos.

Hay cinco cosas que debes tener en cuenta al hablar sobre la composición:

A. Material melódico

La melodía es una de las cosas más importantes en la música. El 'leitmotif', desarrollado por Wagner, es una técnica común que se usa en la música moderna de películas/juegos: una melodía que está conectada con un personaje o evento. Recuerda "The Imperial March" de Star Wars. O si has visto "The 13^th Warrior" (música de Jerry Goldsmith), definitivamente notarás cómo usa un motivo especial para la niebla mortal (un símbolo del próximo mal).

Ahora pensemos en ese material melódico, ese motivo. Debes tener mucho cuidado al repetir la melodía. Eso significa que no debes introducir la melodía cada 8 compases. Si lo haces, finalmente te parecerá aburrido y apagado. Comienza tu pista con la primera mitad de la melodía, o simplemente un intervalo particular. Por ejemplo, la música para "Brasil" de Terry Gilliam (de Michael Kamen) tiene una melodía específica que comienza con una sexta mayor. A menudo usa solo este intervalo específico para señalar las cosas que son importantes.

Además, la melodía debe ser fácil de recordar (solo piensa en John Williams) y también original. Sin embargo, el principal problema (y la paradoja) sería que la mayoría de tus clientes (asumiendo que estás "en el negocio") desean que esa melodía suene popular. (En el peor de los casos, para sonar "al igual que" Batman Begins "o cualquier cosa que sea conocida hoy en día).

Ahora, resumiremos:

• Deberías intentar hacer una melodía que sea fácil de recordar (y cantar).
  
• Deberías intentar introducir variaciones de la melodía para que no se vuelva aburrida.
  
• Deberías intentar usar fragmentos específicos de la melodía en algunos lugares.
  
• Deberías tratar de hacer una melodía original e interesante.
  
• Y deberías tratar de hacer una melodía que sea conocida.

Suena desagradable, ¿verdad?

En mi caso, he usado intervalos específicos (I-V-III-VII) como el comienzo del tema. El tema en sí es cuadrado: cuatro barras, divididas en dos pequeños motivos de dos barras. El comienzo del tema es en realidad los primeros dos compases de la pieza. Escucha solo el comienzo del tema y el tema mismo después:

Motivo, tocado por cuernos franceses:

La melodía, interpretada por cuerdas:

B. Armonía

La mayoría de las veces, la melodía y la armonía van de la mano. Las mismas cosas que se aplican a la melodía deberían aplicarse también a la armonía. Intenta usar algunos acordes que no son tan populares: disminuidos o aumentados, prueba diferentes inversiones. Usar solo las primeras inversiones de los acordes puede ser muy aburrido, y deberías intentar expandir tu 'arsenal' de lenguaje armónico. Mike Elliot tiene algunos excelentes artículos, llamados "Agregar sabor a los acordes". Si no lo has verificado, ¡deberías hacerlo por completo!

De nuevo, en la pista de este tutorial, he usado principalmente una progresión de acordes muy común: I-III. Al principio esto es F# menor → A mayor. La cuestión es que primero uso una inversión diferente: el III es un acorde de seis y cuatro, lo que significa que el E está en el bajo. Ahora, esto no me agrada del todo, así que decidí convertir el III en un acorde modificado, aumentado. Así que A-C# -E se convierte en A-C# -E#, y cuando usa la inversión de seis y cuatro se convierte en E# -A-C#. Para obtener más explicaciones, consulta el tutorial para el III alterado por Ryan Leach.

Escucha cómo suena y cómo suena con la melodía aplicada.

Armonía inusual en la sección de latón:

Harmony más melodía:

Otro fragmento - armonía en staccato (y línea de ostinato en cuerdas bajas):

Finalmente, considera que la tonalidad puede ser aburrida también. ¿Crees que usar solo Do mayor para una película entera sería bueno e interesante? ¡De ningún modo! Entonces deberías tratar de modular a través de diferentes claves.

En mi track, que por cierto se llama "Roof Chase", quería representar una verdadera persecución, muy tensa y dinámica. Mi personaje imaginario es inseguro. Él trata de correr por su vida. Todo está en juego... Así que modulo a través de diferentes claves. Trato de no detenerme por un tiempo largo en una clave específica. Mi personaje está siendo perseguido en rooves, no es probable que disminuya la velocidad y tome una taza de té, ¿verdad?

C. Forma

Ahora, mi colega Ryan Leach tiene un excelente artículo sobre SCOREcast Online sobre la forma. Hoy en día las formas como rondo, sonata y etc. rara vez se utilizan porque la mayoría de la música comercial se aplica a la imagen (excluida la música popular). Entonces, como Ryan nos dice: "La imagen es el rey".

Sin embargo, debes pensar en una estructura que puedas aplicar en tu seguimiento. En mi caso, tengo un formulario ABA, es decir, una parte, luego tienes otra, diferente en estilo y parte de material temático, y finalmente tienes la A nuevamente como una repetición (con una repetición dinámica, lo que significa que no lo hice). (Copia A directamente y además desarrolla ideas de A).

D. Ostinato

Ryan Leach tiene otro gran artículo, llamado "Cómo crear un Ostinato convincente". La música de hoy en día está compuesta en un 80% por ostinatos, ya sea la línea de bajo o las notas repetitivas para violonchelo, introducidas por Hans Zimmer en "The Dark Knight".

Los Ostinatos son geniales, pero de nuevo, deberías intentar agregar algo nuevo. Aquí al principio las violas y los segundos violines están tocando el mismo ritmo y la misma nota (B natural), pero luego están estas ¹⁶ notas que hacen un modo específico (tecla menor con II plana, en nuestro caso - B natural - C natural - D natural - E natural - F#).

Una cosa con un ritmo de ostinato es que si quieres tener una pieza musical dinámica que tenga al oyente en sus garras desde el principio hasta el final, no debes abandonar el pulso. Cuando comienzas un ostinato debes mantenerlo hasta el final. (Por supuesto, siempre hay excepciones, es posible que desees agregar una parte lenta y romántica que contrastará la agresión).

Cuando se trata de orquestación, puedes transferir la pulsación a través de diferentes secciones de la orquesta: cuerdas/instrumentos de viento/metales/percusión. Esa sugerencia es muy útil porque el ostinato también puede ser aburrido, y al cambiar los timbres puedes agregar variaciones a nuestro patrón repetitivo, creando una base estable pero interesante de la pista.

Un buen ejemplo es la octava sinfonía de Shostakovich, parte 3. Puedes ver cómo usa un patrón repetitivo en las violas (al principio) y luego en las cuerdas y justo cuando crees que las cuerdas se vuelven repetitivas, coloca el mismo ostinato en la sección de metales (trombones).

Cuerdas de Ostinato (violas y segundos violines, junto con armónicos sutiles en primeros violines):

Otra parte de la pieza, violas y segundos violines de nuevo con pinchazos de bass/celli:

E. Contrapunto

Este es un término que cubre la relación de dos o más voces. Ahora, estas piezas orquestales épicas están muy lejos de las obras maestras que, por ejemplo, Bach creó durante el Barroco. Sin embargo, puedes usar técnicas como imitación, agregando diferentes voces (punctus - contrapunctus, lo que significa que tienes una línea melódica contra otra), imitaciones en espejo, cánones y otros.

Por lo tanto, tengo un cierto momento en el que comienzo una imitación entre diferentes secciones orquestales (trompas francesas, trompetas, violines). No es una imitación literal, aunque tiene los mismos intervalos, el mismo ritmo que la melodía principal. Los cambios provienen de la armonía. Escucha por ti mismo:

Únicamente instrumentos:

Tutti:

Paso 2: Orquestación y MIDI

El arte de la orquestación es muy complejo e interesante. Creo que hoy se puede dividir en "orquestación clásica" y "orquestación MIDI". Este último se crea con la ayuda de software y muestras; consulta mis tutoriales anteriores y consejos rápidos.

Ahora creo que una regla se puede aplicar a la orquestación: cuando se hace correctamente de forma clásica, la orquestación MIDI se convierte en un pedazo de pastel. Muchos problemas se resolverán cuando se haya realizado una buena orquestación clásica.

Por ejemplo, si necesitas altas frecuencias para tu mezcla, en lugar de agregar algunos plugins de EQ y jugar con el sonido, ¡simplemente agrega un piccollo! Esto ayudará a agregar las altas frecuencias necesarias y, además, dará color a la mezcla. Así que algunas cosas que he usado en mi seguimiento:

A. Combinación de armonías de latón con melodías de cuerda

¿Has escuchado una orquesta en vivo? Si es así, entonces probablemente hayas notado que una sola trompeta puede explotar toda la sección de la cuerda. (¡El puntaje de James Newton Howard para "The Last Airbender" se grabó con 83 intérpretes de cuerda!). Ahora, ¿qué tal dos, tres o incluso cuatro trompetas y doce cuernos franceses? Supongo que puedes imaginarte la situación.

Cuando coloques la armonía en la sección de metales, no necesitarás las cuerdas para tocar también la armonía (aparte de los contrabajos o los violonchelos que podrían tocar la línea de bajo). En la mayoría de los puntajes que he visto, cuando hay una gran armonía fortissimo en la sección de metales, los primeros violines, los segundos violines, las violas e incluso algunos de los instrumentos de viento tocan ... ¡al unísono! Por lo tanto, crean una línea melódica gruesa (el gran ejemplo es "La danza de los caballeros" de Romeo y Julieta de Prokofiev; hay un video sorprendente en YouTube, dirigido por Valery Gergiev).

Hay una cierta parte en el centro de mi pieza que tiene una orquestación similar: hay un ostinato en toda la sección de cuerda (el ostinato se cambia ahora, para agregar algo nuevo para el oyente), la armonía está en la sección de metales y los instrumentos de viento de madera tocan la armonía en el registro alto y hacen algunos efectos (arpegios en tripletes).

Escucha solo la sección de metales:

Ahora escucha la sección de cuerdas:

...y los instrumentos de viento de madera:

Finalmente, ¡toda la orquesta!

B. Mezcla diferentes parches

Mi próxima sugerencia de orquestación será mezclar diferentes parches, creando así un sonido más grueso. Usé principalmente esto en mi sección de cuerdas para hacer que mis cuerdas suenen lo más reales posible.

Ahora hablemos de violines: utilicé un preset de Hollywood Strings que se llama "NV NV VB MV" ("1^st Violins - Long - (Sus) 3 NV NV VB MV RR"), lo que significa que este parche está controlado por rueda de modulación y va de pianissimo y nonvibrato (NV) a con tutta la forza y molto vibrato (MV). Además, es round-robin (RR), lo que significa que cada nota dispara una muestra diferente; en nuestro caso, este es el cambio de arcos (arquería/descenso).

Ahora no creo que esto sea suficiente para mí, por lo tanto, he usado otro parche de Hollywood Strings - "Sus 13" (de la carpeta "Long Powerful System"). Estos parches también controlan el vibrato y el volumen, pero la diferencia es que los parches de sostenimiento controlan tanto el vibrato como el volumen de forma independiente. El vibrato se controla con la rueda MOD (CC # 1), mientras que el volumen se controla con la expresión (CC # 11). Este parche, que está diseñado para un "sistema poderoso", tiene cinco niveles de volumen para no vibrato, cinco niveles de volumen para vibrato y tres niveles de volumen para vibrato molto. ¡Todo eso significa que puedes obtener un sonido de cuerdas muy detallado y real!

Escucha nuestra melodía de violín con solo el primer parche:

Y ahora el segundo parche:

Y finalmente con los parches combinados:

C. Cómo doblar secciones de cuerdas

Ten en cuenta que mi próxima sugerencia de orquestación será apócrifa y que no deberías usar en la orquestación real. Entonces, esta sugerencia se trata de duplicar cada sección de cuerda... con otra.

¿Has oído lo que significa 'divisi'? Esto es cuando una sección de cuerda se divide en partes (dos o más). Veamos, por ejemplo, el celli: pueden reproducir paradas dobles, pero las paradas dobles normalmente suenan y no siempre son posibles de reproducir (especialmente en tiempos más rápidos). Entonces, si deseamos que el celli juegue en una octava, deberíamos escribir 'divisi' sobre ellos; nuestros reproductores verán esto y dividirán las notas entre ellos.

Ahora, el problema principal con divisi es que afectan negativamente el grosor y el volumen. Cuando se divide una sección de cuerda, suena como la mitad de los intérpretes y no tiene esa profundidad. Por lo tanto, nuestro violonchelista 8 por ejemplo sonará como 4 violonchelistas + 4 violonchelistas, no como una sección entera de violonchelo.

Entonces, ¿cuál es esta pista de la que estoy hablando? Haciendo 'divisi' falsas. Doblaré cada sección con la anterior, comenzando con el celli, y por lo tanto engordaré el sonido. Usando esa fórmula, doblaré la línea de celli con los bajos (sin afectar la línea de bajo principal), doblaré la línea de viola con celli, la segunda línea de violín con violas, etc.

Lo importante con esta técnica es que cada duplicación debe ser con 40-50% de su volumen. Si tomamos nuestros bajos, por ejemplo, tocarán su línea en su registro más natural y doblar los violonchelos puede ser demasiado alto para ellos, por lo tanto, el sonido será muy antinatural. Solo queremos tener la idea de doblar, solo la pequeña apariencia de otro timbre que coloreará el celular.

Recuerda: esto debería ser como cocinar. No exageras las especias, ¿verdad? Ahora escucha cómo suena esta técnica:

¿Notas la octava sutil, que entra después de cuatro compases? (He silenciado los primeros 4 compases para la demostración, como se muestra en la imagen de arriba). Escucha atentamente, para obtener mejores resultados, usa auriculares. Ahora escucha toda la sección de cuerdas "gruesas":

Y recuerda, ¡no hagas esto con orquestas reales!

Además, otra cosa que puedes hacer es doblar cuerdas con diferentes timbres: instrumentos de viento, percusión, piano. Escucha algunas ideas:

Violines + xilófono:

Cuerdas + piano (¡personalmente me encanta doblar el piano con ostinatos de cuerda baja!):

Violas + fagot:

D. Usa la voz adecuada para metales y viento de madera

Usar la voz adecuada es crucial para un gran sonido de latón y viento de madera. En mi experiencia, he desarrollado una forma de colocar acordes para la sección de metales.

Hace un tiempo leí esta pregunta en internet: "¿Para qué sirven los trombones?" En realidad sí, esta es una pregunta muy interesante, porque principalmente nuestro oído está familiarizado con el cuerno francés de épica aventura o las trompetas de marcha... pero no con los trombones.

Bueno, lo que puedo decir con certeza es que los trombones son instrumentos de metal muy dinámicos con un timbre muy colorido, lo que significa que los trombones pueden tocar bajo y áspero (como una tuba), y pueden tocar en el registro alto muy suavemente y su sonido puede ser más parecido al de una trompeta.

Así que aquí está la forma en que estoy haciendo mis voces de acordes (¡con excepciones, por supuesto!):

• Trompetas
• Cuernos franceses, Trombón, Tuba.

Por lo tanto, los trombones están más cerca de la tuba (timbre bajo y áspero) y de las trompetas (majestuoso, poderoso, alto). Entre ellos - cuernos franceses (timbre noble, engrosa todo el sonido de "sección de bronce"). Te garantizo que si haces esto correctamente, tendrás una armonía sólida y poderosa en tu pieza. Echale un vistazo.

En cuanto a los instrumentos de viento de madera, hay varios tipos de posiciones, que en su mayoría cambian el timbre y el volumen de la música. Si deseas verificar la mayoría de ellos, intenta obtener algunos libros de orquestación como el de Samuel Adler o los "Principios de la orquestación" de Rimsky-Korsakov. Mi pista, "Roof Chase" es una pista muy dinámica y épica, en su mayoría - batería, metales y unisons de cuerdas. Esto es muy, muy poderoso. Por lo tanto, he duplicado los timbres; por ejemplo, tendré un acorde simple de C mayor y dividiré las notas de esta manera:

• 2 flautas - E + G
• 2 Oboes - C + E
• 2 Clarinetes - C + G

Entonces, toda la sección de viento de madera (aparte de los fagots), que es igual a seis jugadores, tocará C + E + G y cada una de las notas se duplicará. Esta técnica ayudará a que el acorde combata el poder de la sección de metales y la percusión y, por lo tanto, se soporte por sí mismo.

E. Usa Hits

Recuerda que debes usar toda la potencia de la orquesta, pero no todas las barras. Una forma de hacerlo es usar hits. He escrito un consejo rápido sobre los hits que pueden ayudarte. Las mismas técnicas se aplican aquí, solo que he usado instrumentos como piano, marimba, sintetizadores.

F. Agregar interés con los efectos de orquesta

Los efectos de orquesta son una excelente manera de hacer que las cosas suenen interesantes. Los instrumentos perfectos para esto en una producción tan épica son la percusión de tono (marimba, xilófono, celesta, etc.) y los instrumentos de viento de madera.

Escucha algunas ideas:

Xilófono haciendo algunas transiciones:

Viento de madera tocando trillizos (al unísono, para hacer un sonido grueso que aguantará el poder de las otras secciones):

Instrumentos de viento:

Paso 3: Grabación de instrumentos en vivo

Como escribí en mi tutorial anterior, "Hacer tus cuerdas MIDI aún más realistas", siempre que sea posible, deberías grabar algunos instrumentos en vivo que te darán a la producción más timbre y color. En mi caso, no tenía el presupuesto para llamar a intérpretes de cuerdas o metales, así que decidí grabar algunos tambores en el estudio de mi casa, grabé algunos palos, bendir (tambor de marco turco), campanas, cajón y un extraño tambor africano que un amigo me trajo de Uganda.

Lo importante es que, aparte de los palos y las campanas (que sirven más como una "decoración" del compás principal), todas las demás percusiones deben estar al unísono con las MIDI.

Escucha por ti mismo.

Solo grabado de batería:

Sólo batería MIDI:

Mezcla de tambor:

Paso 4: Agregar sintetizadores

Otra técnica es agregar algunos sintetizadores para espesar el sonido. Los arpegiadores son una buena manera de agregar color a tu pista. He usado un parche que hice con Cakewalk z3ta. Puedes agregar algunos efectos de modulación (tremolo, vibrato, flanger) y algo de distorsión para hacer que el sonido sea más industrial. Una gran cosa para leer será el tutorial de Ryan Leach sobre tremolo.

Escucha cómo mi sintetizador se mezcla con las cuerdas al principio:

Otro gran uso de sintetizadores será utilizar algunas ondas sinusoidales subbass para engrosar la línea de bajo o para agregar profundidad a los golpes. Escucha cómo usé una sola nota subbass en algunos de los éxitos de la canción (aunque es delicada):

Paso 5: Mezcla

Ahora llegamos a la parte difícil: la mezcla. Hay algunos puntos en el proceso de mezcla que debe tener en cuenta con mucha precisión. No va a ser fácil: con mi plantilla, todas mis pistas van a más de 80 (sin los canales de audio), ¡así que puedes ser un poco desordenado allí! Existe una regla según la cual la buena mezcla facilita el dominio. Bueno, como dije antes, una buena composición y orquestación hace que una pista sea fácil de mezclar. Cuando compones con la mezcla en tu cabeza, puedes lograr un gran resultado en el sonido.

Hay muchas cosas que podría decir sobre la mezcla. Las tres cosas principales que debes considerar son: profundidad, panoramización, balance de frecuencia.

Balance de frecuencia

En general, siempre hay que pensar en el equilibrio: al mezclar en estéreo, debe pensar en tener los canales izquierdo y derecho iguales. Además, no debes exagerar algunas de las frecuencias, por ejemplo, altas y bajas, etc.

Algunos puntos con respecto a los problemas de frecuencia:

1. Trate de no poner cada instrumento en el mismo registro. Usa diferentes rangos, piensa en tus voces de acordes. Ten cuidado al duplicar diferentes instrumentos.
2. Como dije anteriormente, si necesitas más frecuencias, primero piensa en la orquestación y luego piensa en ecualizadores. ¿Necesitas más bajo? Agrega tuba, fagot, contrafagot, timbales, gran casa. ¿Necesitas más de gama alta? Agrega flautas o piccolos, agrega celesta, glockenspiel, xilófono.
3. Si tienes muchos problemas de gama baja (comúnmente con tambores), agregue un buen filtro de paso alto. ¡Las mismas cosas que se aplican a los géneros populares se pueden aplicar aquí también!

Profundidad

Ahora, la profundidad. Uno de los mayores problemas es cómo utilizar la reverberación y, más comúnmente, la cantidad de reverberación que se debe agregar. En las pistas orquestales, sugiero usar enviar efectos. Ver otro gran artículo de Mo Volans.

¿Por qué usar envíos? En mi caso, mi plantilla requiere alrededor de 15 gigas de RAM y mi CPU se usa en 80%. Poner reverberación en cada uno de esos más de 80 canales sería un suicidio total.

Otra idea es que tener una configuración de reverberación para tu orquesta ya que te dará un sonido mucho más coherente. Como probablemente hayas notado en las demostraciones anteriores, Hollywood Strings y Brass (Gold) están bastante secas, así que me gustaría agregar una buena reverberación que pueda llevar el sonido al siguiente nivel. Por lo tanto, he utilizado una pista SEND fx (estéreo) donde he puesto una simple reverb de respuesta de impulso (la reverencia construida por Cubase).

Una cosa que debes tener en cuenta es que todas las señales van allí con diferente fuerza. En una sala de orquesta real, la sección de latón está MUY detrás de las cuerdas (= más reverberación), mientras que las cuerdas son iniciales. Escucha las demostraciones "antes" y "después":

Antes:

Después:

Compresión paralela

Y mi consejo final para esta guía debería ser la "compresión paralela". Comprueba el tutorial de Joel Falconer "Dar impacto a los tambores con la compresión paralela". Esto aumentará el sonido de los tambores y hará que suenen muy, muy épicos. Además, esto te ayudará a llevar los tambores más adelante en la mezcla, convirtiéndolos en la base estable de la pista.

Sin compresión paralela

Con compresión paralela (¡escucha cómo se "espesa" la sección del tambor!):

Conclusión

Entonces, he llegado al final de este tutorial. Espero que esto te haya inspirado a componer, orquestar y mezclar tu propia música. ¡No olvides compartir tus pistas en la sección de comentarios!

Así es como suena mi pista después de todos esos pasos:

...y la versión final, masterizada: