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  1. Music & Audio
  2. Composition

La guía de composición de canciones para principiantes (Parte 2)

by
Difficulty:IntermediateLength:ShortLanguages:
This post is part of a series called A Beginner’s Guide To Songwriting.
A Beginner’s Guide To Songwriting – Part 1
Beginner’s Guide To Songwriting – Part 3

Spanish (Español) translation by Gary López (you can also view the original English article)

Este tutorial BASE es el segundo de una serie que se enfoca en enseñar cómo componer una canción a principiantes desde 0. Esta serie va a enfocarse en el proceso de composición de una canción, en vez de las técnicas específicas de software y hardware, las habilidades y aplicaciones que podrías necesitar al grabar, mezclar y masterizar la canción.

Tutorial republicado

Cada semana, revisamos algunos de los artículos favoritos de nuestros lectores de toda la historia del sitio. Este tutorial fue publicado por primera vez en diciembre de 2010.

Imagen de Flickr tomada por plecojan.

Repasemos

Antes de sumergirnos en la parte 2 de la serie, hay que empezar por revisar lo que aprendimos en la parte 1:

  • La música es el sonido organizado.
  • Para entender lo que llamamos "una buena canción pop" en el contexto de este tutorial, debemos entender el idioma de la música.
  • Para empezar a entender el idioma de la música, debemos aprender a escucharla de forma crítica. Y recuerden, la escucha crítica no significa quitarle la diversión a la música.
  • A medida que escuchamos la música, podemos empezar a identificar las partes constitutivas de una canción: melodía, armonía, ritmo, letra y forma.

Imagen de Flickr tomada por ~EvidencE~.

Deconstrucción: El arte de la escucha crítica

Ahora entendemos que la escucha crítica es una práctica fundamental para entender y crear música. Pero ¿qué es exactamente la escucha crítica y cómo la hacemos? Seguro hay cientos de libros que hablan de este tema, pero siguiendo el propósito de este tutorial, me gustaría que consideres la escucha crítica como una forma de "deconstrucción musical". Si miramos de cerca (mejor dicho, escuchamos) cada elemento musical de una canción, podrás ir entendiendo cómo cada pieza se une a la otra para formar una sola pieza.

Empecemos con un ejemplo sencillísimo.

Imagen de Flickr tomada por Trois_Merlettes.

(Deconstruida) Estrellita dónde estás

Esta es una canción que vas a reconocer:

(Estrellita dónde estás)

Esta es la melodía de "Estrellita dónde estás" (y también la de "La canción del alfabeto"). Ambas con la misma fórmula musical, nosotros podemos deconstruir esta línea musical en un montón de maneras:

  • La melodía: Esta línea lleva la melodía para toda la canción. Recuerda que la melodía, en la mayoría de los casos es la parte de la canción que "engancha", hablando en términos musicales. La melodía hace la declaración (o entonación) musical más obvia, y a menudo se usa en conjunto con la letra (veremos más sobre eso después).
  • El ritmo: esta línea melódica también tiene ritmo. Es bastante predecible, cae en cada golpe excepto al final de cada frase, donde toma dos latidos.
  • La forma: Esta línea también lleva una forma muy simple que se utiliza con más frecuencia en la música: A-B-B-A. No... ¡No estoy haciendo referencia a la banda sueca aquí! Mira que la primera parte de la melodía comienza ("Estrellita, dónde estás"). A esta primera parte le vamos a llamar A. Luego pasamos al segmento medio "en el cielo y en el mar" (up above the world so high) a esta parte vamos a llamarle B, y veamos que se repite. Por último, regresemos a la melodía inicial ("Estrellita, dónde estás"), que es casi idéntica a la parte A. Esto crea una forma simple A-B-B-A.

Aún no hemos tocado las armonías involucradas en esta melodía, así que escuchemos una versión más compleja. A medida que escuchen, noten cómo las notas adicionales apoyan el movimiento de la melodía a lo largo del tiempo.

(Estrellita dónde estás con armonía)

Para ser justos, el ejemplo anterior demuestra más que la armonía. Demuestra una progresión de acordes completa que apoya la melodía de principio a fin. Ryan Leach nos dio un excelente panorama general de los fundamentos de la armonía, pero repasemos brevemente los acordes en el contexto de esta canción.

El primer acorde usado aquí es el acorde 1, también se escribe como I y conocido como la tónica o raíz de la progresión de armónica. Este es el centro armónico de la canción. En este caso, Do Mayor. Después, escuchamos el acorde 4, también llamado IV o subdominante. Este acorde parece como si estuviéramos haciendo un corto viaje lejos de casa, pero aún no crea mucha tensión. En esta pieza el acorde 4 es un Fa Mayor. El último acorde que usamos es el de acorde 5, también llamado dominante o V. Este acorde crea la mayor tensión en la pieza, y por lo tanto cuando lo escuchamos por seguro sentimos la necesidad de volver a nuestro acorde de origen. Este acorde es un Sol Mayor en esta pieza.

Estos tres acordes: 1, 4 y 5 (o I, IV, y V) son los más usados en la música pop, y quizás en toda la música occidental. En el caso específico de arriba, los tres acordes son acordes mayores, lo que significa que tienden a implicar un tono más alegre, y consisten en una nota raíz (Do, Fa o Sol) en conjunción con un intervalo de tercera mayor y quinta. Echa un vistazo al tutorial de Ryan para obtener más información, o haz un poco de deberes de teoría musical para aprender un poco más sobre los acordes e intervalos.

Este tipo de armonía de acordes es lo que más comúnmente se encuentra en la música pop. Aunque puede haber una segunda línea armónica que refleje exactamente la melodía, es mucho más común que los instrumentos de apoyo participen en la creación del soporte armónico de la melodía. Antes de pasar a un nuevo ejemplo, echemos un breve vistazo a cómo nuestro recién adquirido conocimiento de esta canción podría ayudarnos a reconstruirla en algo más "poppy".

Estrellita estilo pop

Nuestro ejemplo de arriba no parece mucho, pero ahora que lo hemos deconstruido, tenemos un mejor sentido de su ritmo, sus cualidades armónicas, la melodía y la forma. ¿Y si tomamos cada uno de esos elementos y los transferimos a un arreglo pop más común?

Si le damos la melodía a una guitarra solista, la armonía a un bajo y a una guitarra rítmica, y el ritmo de apoyo a la batería, obtenemos algo un poco más contemporáneo.

Estrellita estilo rock

Fíjense en la consistencia de la melodía, pero los simples acordes de nuestro ejemplo anterior se han roto, compartidos entre el ritmo y el bajo. El ritmo se ha vuelto más complejo, ahora que tenemos 3 instrumentos y una batería tocando. Sin embargo, la forma de la canción no ha cambiado, seguimos usando ABBA como estructura, y se presenta muy bien como una pieza completa cuando llegamos al final.

Ahora, este arreglo no está a punto de hacer ninguna lista de los 100 mejores, y, de hecho, este no es ni siquiera el estilo de música para el que suelo componer (¡estoy seguro de que se puede decir!). Sin embargo, demuestra que con un pequeño análisis de los componentes de cualquier melodía, puedes empezar a remodelar y reconstruir esa melodía a tu gusto. Esta es la técnica que utilizo para escribir y arreglar muchas de mis canciones: empezar con una letra, melodía o progresión de acordes, y luego construir alrededor de ella.

Repasemos

Llegamos al final de la segunda parte de esta serie, rápidamente vamos a repasar lo que hemos aprendido.

  • La escucha crítica de la música nos permite identificar las partes que componen la canción.
  • La deconstrucción de la canción es una forma estupenda de entender el mecanismo de la composición.
  • Comenzando con canciones simples, podemos deconstruir y reconstruir las canciones para practicar el arte del arreglo de las canciones.

Continuará...

En nuestro tercero y último capítulo de la serie, vamos a deconstruir algunas melodías más y te daremos algunos pasos concretos para que empieces a escribir tus propias canciones. Hasta la próxima, te animo a que empieces a deconstruir algunas de tus canciones favoritas para saber cómo funcionan. Si no puedes lograrlo - ¡vuelve aquí para hacer preguntas!

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