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Cómo crear música MIDI más expresiva

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This post is part of a series called Manipulating MIDI: Setup, Sequencing and Secrets.
How to use ReaControlMIDI
Using MIDI for Inspiration and Foundation

Spanish (Español) translation by Esther (you can also view the original English article)

Una orquesta MIDI no es una orquesta de verdad. Puede que esto no suene muy útil: ya sabes que el MIDI no sustituye la fuerza y la humanidad de los músicos reales. Pero parece que, a pesar de esta realidad, mucha gente pierde el tiempo tratando de forzar su música para que suene lo más "real" posible, obsesionándose con el matiz de cada nota y ritmo.

Aunque estos infinitos ajustes pueden acabar dando resultados, solo hace falta un puñado de técnicas sencillas para solucionar los problemas más comunes que hacen que el MIDI suene tan artificial. Si utilizando el principio 80/20 de Pareto se puede argumentar que el 80% de lo bien que suena tu música proviene del 20% de las técnicas que utilizas, entonces solo tiene sentido que nos centremos en el 20% que va a marcar una verdadera diferencia.

He descubierto que las dos cosas más importantes que pueden dar vida a tu música son la dinámica y la variación. Las dinámicas son el aliento y el alma de tu música, mientras que las variaciones mantienen al oyente intrigado. Un buen uso de la dinámica hará que tu secuencia MIDI suene menos como una máquina. Un equilibrio adecuado de variaciones mantendrá al oyente alerta e interesado en la música, de modo que no estará tan pendiente de si tu corno inglés suena sintetizado o no.


Saca el máximo provecho de la dinámica

La forma número uno de mejorar una secuencia MIDI es sacar el máximo partido a la dinámica. La dinámica se refiere al volumen de una nota, y puede abordarse desde una escala micro nota por nota o como una visión general de toda tu pieza. Esto incluye todo, desde una estrofa tranquila frente a un estribillo ruidoso, crescendos y decrescendos dramáticos, variedad sutil de velocidad en un mismo pasaje, y acentos y articulaciones.


Velocidad

La forma más precisa de jugar con la dinámica en tu secuencia es a través de la velocidad de las notas.

La forma más fácil de demostrar las variaciones de velocidad es con sonidos cortos y agudos. En este ejemplo, un breve fragmento del Magnetic Rag de Scott Joplin, utilizaremos cuerdas en pizzicato. Aquí están las dos primeras frases sin variaciones en la velocidad:

No está mal, pero es un poco rígido. Podría pasar, pero creo que podríamos hacerlo más musical. Utilizando la velocidad podemos añadirle algo de vida sutil. Empezaremos la primera frase muy tranquilamente y aumentaremos la intensidad, acentuando ese punteo alto al final de la frase antes de volver a bajar para construir una vez más.

Puede que la diferencia no sea la noche y el día, pero ahora hay un cierto elemento de emoción que no estaba allí antes. Las cuerdas se sienten como si estuvieran escabulléndose al principio antes de que los punteos altos hagan una declaración brillante, y luego vuelven a escabullirse una vez más. Si aplicas esta sutileza a toda tu composición, verás que se vuelve mucho más viva e interesante.

La percusión es otra sección que se beneficia enormemente de los ajustes de velocidad. Los instrumentos de percusión MIDI pueden ser fácilmente víctimas del "efecto ametralladora", en el que las notas repetidas de la misma muestra empiezan a parecer mecánicas y abrasivas en lugar de musicales. Ajustar la velocidad puede ayudar a reducir el efecto ametralladora, como se muestra en este sencillo ejemplo de un pasaje de caja:

Suena bastante falso, pero todo lo que tenemos que hacer para inyectar algo de vida y diversión a la parte es añadir acentos y dinámica con la velocidad. Aquí está el audio de una parte de la caja mucho más interesante, utilizando el mismo patrón que antes, pero animando la velocidad de las notas:

Suena como una parte de caja mucho más convincente y da la sensación de que una persona real podría estar tocando. El mismo principio se aplica no solo a una línea constante como esta caja, sino a variaciones sutiles en todas tus partes de percusión. Si utilizas la misma muestra de platillos cada 8 compases, lo menos que puedes hacer para cambiarla es variar la velocidad cada vez que choca.

Otra forma popular de utilizar la velocidad para evitar sonar como una máquina es "humanizar". Es una función especialmente útil si no eres un teclista demasiado fuerte y sueles acabar teniendo que dibujar o escribir en tus líneas musicales nota a nota. En Logic Pro puedes acceder a la herramienta de humanización a través de la ventana Piano Roll, en el menú Funciones.

Humanize ajustará aleatoriamente la posición, la velocidad y la duración de las notas que hayas seleccionado en las cantidades que elijas (los valores por defecto son 10 para todos los parámetros). Selecciona las notas que quieras humanizar y elige "Operar solo" para aplicar la función y ver qué resultado obtienes.

Veamos de nuevo nuestra sección de pizzicato. Para exagerar el efecto, enviaré nuestros valores a aleatorizar en 25 en lugar del menos efectivo 10. Es difícil de distinguir, pero si escuchas con atención notarás que la versión humanizada se siente un poco más suelta y variada. Humanize es otra técnica sutil que solo añade un toque extra de vida.

Nuestra sección recta de pizzicato:

La sección de pizzicato humanizada:


Modulación

La modulación es una herramienta útil para automatizar la expresividad de un instrumento MIDI. Es especialmente útil para los instrumentos con notas largas, ya que permite controlar la forma de la nota y su forma de hablar. La modulación es un parámetro por defecto en muchos instrumentos de software hoy en día, a menudo utilizado para controlar el volumen, el filtrado, o para hacer un crossfade de una muestra a otra.

Para acceder a la modulación en Logic Pro: abre una ventana de Piano Roll, haz clic en el botón Hyper Draw de la parte inferior izquierda y luego haz clic en el pequeño triángulo para elegir el tipo de controlador. Selecciona modulación y ya está.

Veamos un uso básico pero común de la modulación. Utilizando un parche de cuerdas largas, he aquí unos cuantos acordes tocados sin ajustar a la modulación:

Para la demostración más sencilla, tomaremos la modulación de 0 a 127 en los dos primeros compases, y luego volveremos de 127 a 0 en los dos últimos compases. El efecto es un crescendo hasta el sol mayor y un decrescendo hacia abajo. En este instrumento en particular (Sonic Implants Full Strings), la modulación está configurada para realizar un fundido cruzado de las muestras, por lo que mientras empezamos en una muestra pianissimo, la modulación nos hará un fundido hasta una muestra fortissimo.

Es más expresivo, pero sigue sonando un poco raro. Vamos a jugar con la modulación aún más para hacerlo más interesante.

Esta vez hemos utilizado curvas para que los cambios sean mucho más dramáticos y emocionantes. Ahora parece que las cuerdas se elevan hasta el acorde de sol mayor y luego caen repentinamente, antes de reducirse suavemente.


Volumen y expresión

Quizá la forma más obvia de controlar la dinámica sea automatizando el volumen. Aunque la modulación es eficaz para controlar el sonido de un instrumento, el volumen es más útil como control general del volumen. Suelo utilizar el volumen no solo para equilibrar un instrumento con otros en una mezcla, sino también para controlar cambios más globales, como un fundido de entrada o salida. Utilizado junto con la modulación, puede ser una herramienta muy expresiva.

Utilizando nuestro pasaje de cuerdas largas como ejemplo, voy a automatizar el volumen para conseguir una mayor amplitud dinámica.

Como la modulación controla la mayor parte de lo que quiero del sonido, utilizo el volumen más bien como una pincelada para darle ese empujón extra. Otra herramienta similar es el controlador de expresión, aunque tiendo a no utilizarlo. Después de dirigir muchos instrumentos que no están configurados para trabajar con Expression, he encontrado que es más fácil confiar en el volumen como una herramienta que funcionará en cualquier instrumento.


Mantenga el interés y la variedad

Como he comentado antes al hablar de la velocidad, la falsedad del MIDI es más evidente cuando las notas se repiten. Aunque la velocidad es una forma de solucionar este problema, puedes ayudar a mantener el interés variando todo tipo de elementos, como el tono o el color.

Considera este ejemplo de ostinato de cuerda. Tocar la misma nota en la misma muestra una y otra vez, es lo más feo que se puede hacer. Aquí tenemos el "efecto ametralladora" de sentir que estamos bajo el ataque constante de una máquina atascada.

Esto es lo peor del MIDI. Podemos empezar a solucionar este problema variando la velocidad para hacer que cada nota se sienta al menos un poco diferente. Haré que las cuerdas vayan crescendo y decrescendo para conseguir un efecto de subida y bajada.

Ahora vamos a dar un paso más y a variar el tono. Aquí hago que la línea alterne entre un re y el la que está debajo, lo que no solo nos libera de la temida ametralladora, sino que también da a la línea más sensación de movimiento.

Ahora variaré aún más el tono añadiendo una línea de re, mi, fa, mi que sube y baja en la parte superior. Esto hace que la parte de las cuerdas sea mucho más interesante de escuchar, pero sigue sin distraer ni ser demasiado llamativa para cualquier otra cosa que quieras poner encima. Fíjate también en el efecto de variar el tono tan a menudo: cuanto menos oigas repetir una nota MIDI, menos podrá tu oído asociar la repetición como idéntica a la anterior.

Por último, podemos añadir un color adicional. Mantendremos las notas y los ritmos exactamente iguales, pero al añadir un color que contraste mantendrá nuestro oído distraído y dará una mayor sensación de riqueza. Utilizaré un vibráfono como segundo color, ya que su ataque suave y apagado es bastante único respecto a las cuerdas agudas y brillantes. El resultado es un sonido más complejo, que ayuda a distraer nuestra atención de lo que de otro modo serían unas cuerdas MIDI muy expuestas.

Otra forma de mantener una figura repetida interesante y variada es alternar algún aspecto específico de la misma, como cambiar el registro o el instrumento en el que se toca. Veamos otro ejemplo de figura de ostinato que se repite.

En este ejemplo ya tenemos una figura algo compleja, con cuerdas, vibráfono y una caja. Estamos utilizando la modulación y el volumen para dar a las cuerdas y a la caja una sensación de oleaje, y la velocidad para controlar la dinámica de las vibraciones. En general, ya tenemos aquí un patrón de dos compases bastante expresivo. El problema es que a la tercera vez que lo escuchamos ya empezamos a aburrirnos. Con unos pequeños cambios podemos hacerlo mucho más interesante y musical.

Solo voy a hacer dos cambios. Cada dos compases haré que las cuerdas toquen tres octavas más altas y quitaré la caja. No parece gran cosa, pero escucha lo mucho más interesante que es esto:

En realidad no hay notas o ideas nuevas, solo una variación de lo que ya existe. Pero hemos conseguido hacerlo más interesante y convertir ocho segundos de música en dieciséis. Compositores de cine: ¡recuerda esta técnica la próxima vez que necesites vampirizar eficazmente una escena!

Solo para que quede claro, haré un cambio menor en los siguientes cuatro compases. Subiré todo una tercera menor. Esa es la única diferencia, ¡pero ahora hemos duplicado la longitud de nuestra música de nuevo!

Una sola idea musical tiene un potencial infinito de variación (me vienen a la mente las cuatro notas iniciales de la 5ª de Beethoven). Con solo uno o dos cambios tus ideas pueden evolucionar y volverse mucho más interesantes.


Incorporar elementos vivos

Reconozco que hablar de utilizar músicos en directo en un artículo sobre MIDI es un poco exagerado, aunque es algo que merece la pena considerar. Este es uno de esos consejos que suele ser más fácil de decir que de hacer, pero incluso el más mínimo toque de un instrumento vivo puede añadir animación a tu secuencia. La forma más fácil de hacerlo es con la percusión. Siempre tengo a mano una pandereta y un shaker, y si hay una sección en la que estoy trabajando con un groove o un ritmo que avanza mucho, añado una capa sutil debajo de todo con uno de estos instrumentos. El hecho de que mi actuación nunca pueda ser perfecta, con ligeras diferencias de volumen y tiempo, es exactamente lo que añade ese toque humano que se siente más que se oye.

Lo más probable es que la mayoría de ustedes ya toquen la guitarra o el bajo, y si no lo hacen, es hora de considerar seriamente el aprendizaje de los fundamentos y llegar a ser al menos lo suficientemente competentes como para tocar partes simples. La guitarra MIDI es una de las cosas más feas que hay, y ser capaz de tocar tus propias partes puede hacer que la experiencia de escribir tu pista sea más divertida, pero también añade vida. Los bajos MIDI a menudo no son tan malos ni se notan, pero si tienes la oportunidad de tocar tus propias partes, son de nuevo esos sutiles e inevitables errores humanos los que pueden marcar una gran diferencia en la frescura de tu música.

Más difícil de conseguir, pero igualmente beneficioso, es encontrar músicos y cantantes que actúen en tus temas. Incluso un solo de flauta en directo con un fondo MIDI puede sonar muy bien, ya que el expresivo instrumento destacado en directo atrae la mayor parte de la atención del oyente. También resulta muy útil para añadir calidez a una pista MIDI fría es endulzar las cuerdas del sintetizador con músicos de cuerda en directo. Una o dos tomas de un violín en directo mezcladas con una sección de cuerdas MIDI pueden hacer que toda la pieza parezca más tangible y real.

El MIDI no es un sustituto de los músicos en directo, y hacer todo lo posible para incorporar el mayor número de músicos reales marcará una gran diferencia en la vida general de tu pieza.


Perspectiva

Lo último y posiblemente más importante que puedes hacer es asegurarte de no perder la perspectiva. Después de escuchar la misma secuencia durante horas y horas, tus oídos y tu mente agotados probablemente podrían convencerte de que casi cualquier cosa sonaba bien. Dale un respiro a tus oídos y aléjate de tu canción durante un tiempo para que, cuando vuelvas a ella, tengas una escucha fresca y una impresión más realista de cómo suena realmente tu pieza.

Es muy fácil convencerse de que algo suena bien porque uno se deja llevar por lo que "se supone" que debe sonar. En tu cabeza imaginas que las cuerdas son plenas y exuberantes y tu imaginación puede empezar rápidamente a compensar las cosas que faltan en la música real. Asegúrate de mantener la suficiente distancia para ser siempre consciente de cómo suena actualmente tu secuencia MIDI. Puede ayudarte escuchar algunas de tus grabaciones favoritas de un estilo similar, una detrás de otra con tu pieza.

Si aplicas estas ideas básicas a tus secuencias, puedes empezar a hacer que tus composiciones dejen de sonar como un muzak sintetizado para convertirse en música vibrante y expresiva.

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