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Cómo hacer que tus pistas sean más interesantes

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Spanish (Español) translation by Steven (you can also view the original English article)

Eres un artista único con ideas que quieres expresar y música que tienes que compartir. Entonces, ¿cómo te aseguras de mantener tus canciones interesantes y divertidas para que las escuche tu audiencia?

En este tutorial veremos algunas de las cosas más comunes que las personas descuidan mantener interesantes, haciendo que sus pistas se sientan sin vida y aburridas, y cómo podemos mantener las cosas vivas e intrigantes para mantener la atención de nuestra audiencia.

  1. Comienza con un golpe
  2. Evita usar bucles
  3. Si de todos modos vas a usar bucles
  4. Limpia tu mezcla
  5. Frases irregulares
  6. Sintonías de tiempo poco frecuentes
  7. La regla de tres
  8. Imperfección
  9. Ser única, pero no demasiado única

Comienza con un golpe

Todos sabemos que las primeras impresiones lo son todo, y la regla se aplica a la música tanto como a cualquier otra cosa. Los momentos iniciales de tu pista pueden captar la atención de tus oyentes y entusiasmarlos para que sigan escuchando o dejarlos completamente impresionados y aburridos, por lo que es fundamental que lo primero que escuche tu audiencia sea convincente.

Los compositores a menudo comienzan erróneamente sus canciones tocando un verso, o los primeros 8 compases de un verso, sin voz ni instrumental. Si bien entiendo que esto "introduce" el ambiente de la canción, escuchar algunos acordes rasgueados en la guitarra es bastante aburrido. Si vas a comenzar tu canción instrumentalmente, usa un patrón rítmico emocionante o un gancho melódico. Ni siquiera tienes que usar material que exista en otra parte de tu canción.

Los Beatles son maestros en presentaciones pegadizas (como todo lo demás, supongo). Considera el comienzo interesante de la canción "I've Just Seen a Face" que comienza con un patrón de guitarra de 12/8 ocupado. Es convincente, no tiene nada que ver con la canción real, y funciona. Otros ejemplos: comenzando con un acorde o golpe discordante pero emocionante y luego sumergiéndose directamente en la canción como en "Hard Days Night" o "Glass Onion"; comenzando inmediatamente con un coro vocal como "She Loves You", "Nowhere Man", "Eleanor Rigby", "Help" o "Hello Goodbye"; comenzando con un gancho instrumental único como "Ticket to Ride", "Day Tripper" o "Drive My Car".

Considera estos dos ejemplos, donde cada pista comienza con un rápido florecimiento. El comienzo de la canción es inmediatamente emocionante y te da la sensación de que quieres seguir escuchando.



Evita usar bucles

Una de las formas más fáciles de aburrir a alguien es encontrar un loop de batería que creas que es genial y repetirlo hasta la saciedad. Puede ser divertido escucharlo dos veces, pero si nada cambia, nuestras mentes no tardarán mucho en comenzar a divagar y dejar de prestarle atención a tu música.

Otro inconveniente de los bucles comerciales es que pueden convertirse rápidamente en estándar y cliché. Incluso si el oyente no puede decir con seguridad dónde lo escuchó, si alguien más ha utilizado el bucle, se dará cuenta de que le es familiar. El uso de ritmos y sonidos personalizados mantiene tu música única.

Si estás leyendo este tutorial, es muy probable que sepas cómo funciona un ritmo de batería básico. Si en lugar de buscar bucles de inmediato carga o crea un kit de batería, te verás obligado a comenzar a pensar de manera más creativa. Tendrás que pensar realmente en el patrón que estás creando, en lugar de confiar en que otra persona lo haga por ti.

En este ejemplo utilicé un kit electrónico de 8 bits con muchos sonidos únicos y divertidos. El ritmo resultante es variado y animado, y no es algo que podría haber surgido si solo buscara en las carpetas un bucle.

La siguiente razón importante para crear tus propios ritmos es que es muy fácil personalizarlos y cambiarlos. Incluso los cambios sutiles, como un golpe de platillo cambiado o un patrón variado de bombo, harán que tu ritmo sea mucho más vibrante a lo largo de tu canción que los mismos 4 tiempos una y otra y otra vez. Echa un vistazo al MIDI para este ciclo particular:


Las únicas cosas que son exactamente iguales son el charles (las notas naranjas en G3 y G #3) y el ruido de 8 bits en el último tiempo (las notas amarillas en G#0).

Todo lo demás en torno a esos elementos cambia constantemente de maneras pequeñas (la patada y la trampa que mantienen un ritmo un tanto consistente) o grandes (los efectos de sonido y los golpes extraños que condimentan las cosas).

Al tener un control directo de cada elemento del kit, nos vemos obligados a pensar en formas de mantener el patrón más interesante, lo que es bueno para la fuerza de nuestro ritmo. También es mucho más fácil hacer cambios, solo podemos cambiar las notas MIDI y no tener que tratar de empalmar el audio.


Si de todos modos vas a usar bucles

A pesar de los consejos para evitar el uso de bucles, seamos completamente honestos: los bucles son útiles. E incluso son un poco divertidos. Lanzar un buen ciclo puede ser un gran ahorro de tiempo y también un trampolín creativo para otras ideas. Pero si vamos a desglosarnos y seguir usando bucles de vez en cuando en lugar de crear nuestros propios ritmos, lo menos que podemos hacer es poner un poco de esfuerzo extra para hacerlos buenos.

Ya cubrí cómo darle vida a tus bucles automatizando EQ en otro tutorial, por lo tanto, lo que haremos ahora es enfocarnos más en los ritmos reales en los mismos bucles en lugar de aplicar un efecto en toda la pista. Aunque podrías lograr los mismos resultados al dividir el audio, esto será mucho más fácil si estás utilizando algo como archivos Stylus RMX o REX que ya han dividido los ritmos de tus bucles en notas MIDI individuales.

Lo más simple que podemos hacer es trabajar con un bucle. Aquí hay un bucle que es bastante sencillo:

Con solo mirar el MIDI podemos ver que es muy uniforme y repetitivo.


Hagamos esto más interesante reorganizando las notas MIDI para crear rellenos. Lo haré identificando primero qué notas MIDI componen los sonidos importantes o interesantes en el bucle, usando golpes fuertes como patadas y trampas para ritmos y pequeños golpes como 'hi hats' son crackes para relleno.

Todo lo que se necesitó fue mover algunas notas, pero ahora tenemos un loop de batería variado y animado.


Otra forma de usar los bucles de manera más interesante es variar constantemente y combinar diferentes bucles. Esta canción fue creada usando 7 diferentes bucles de batería y percusión:

Aquí hay una imagen de los bucles utilizados en la secuencia:


Cada pista es un bucle diferente y cada color es una variación. Ten en cuenta que muchas de las mismas regiones siguen regresando, pero la idea aquí es mantener las cosas constantemente variadas. Usas un pequeño conjunto de materiales para darle cohesión a tu canción, pero los cambias constantemente para mantener al oyente alerta.

Aquí está la canción completa que usa esos loops, también construidos completamente a partir de loops de bajo, guitarra y metal con el mismo concepto:


Limpia tu mezcla

Uno de los mayores errores que escucho que la gente comete es hacer que sus mezclas estén demasiado ocupadas. Si bien pueden pensar que están logrando la plenitud, lo que realmente están terminando es el desorden. Si tienes batería, bajo, guitarra acústica, tanto una guitarra solista como un piano tocando acordes y fills, un cantante y vocalistas de fondo, todos tocando al mismo tiempo, ¿cómo se supone que debo saber qué escuchar? Solo porque lo tienes no significa que debas usarlo.

Si tienes piano y guitarra, una de las cosas más fáciles que puedes hacer para crear variaciones es hacer que se turnen. Por ejemplo, haz que el guitarrista toque el primer verso y el piano el segundo. O dale a cada uno una función diferente, como hacer que la guitarra toque acordes y el piano solo se toque sutilmente y rellene entre las líneas vocales. En cualquier caso, tener ambos instrumentos tocando uno encima del otro causará mucho daño a tu mezcla.

Mira este ejemplo, que construí completamente a partir de algunos bucles que vienen con la lógica.

El "verso" se reproduce tres veces, pero cada vez con una combinación diferente de instrumentos. Mientras que la batería y el bajo permanecen igual durante toda la melodía, los versos cuentan con violín y guitarra eléctrica, banjo y guitarra acústica, o pedal de acero y guitarra acústica. Si el violín, el eléctrico, el acústico, el banjo y el pedal de acero intentaran tocar el mismo verso, sería una locura desordenada. Al extenderlos y darle a cada intérprete su turno para brillar, el oyente puede enfocarse en el instrumento del momento y no verse obligado a tratar de tamizar a través del desorden.

Una flauta solista o un oboe solista pueden sonar hermosos y líricos, pero tan pronto como los dos tocan al unísono, pierdes la singularidad y el color de cada uno. Aunque puedes crear muchos sonidos interesantes y efectivos utilizando diferentes combinaciones de instrumentos, generalmente son los métodos más simples los que producirán los mejores resultados y comunicarán tus ideas de la manera más clara.


Frases irregulares

Algo es interesante cuando pones a prueba nuestras expectativas. Después de años de escuchar música, todos nos hemos acostumbrado a muchas convenciones, un ejemplo básico de las cuales es incluso frases de 2, 4 u 8 compases. Jugando con la longitud de nuestras frases podemos hacer que las cosas sean más interesantes y romper con lo común.

En este ejemplo, la sección A de la pieza se reproduce principalmente en tres frases de compás:

La pieza podría haber buscado una barra adicional para una bonita frase de incluso cuatro barras, pero eso habría sido largo e innecesario. Al acortar la frase en una barra completa, mantenemos la pieza en movimiento y desechamos ligeramente las expectativas del oyente. Lanzándonos para otro ciclo, la tercera frase no se detiene en tres compases, sino que continúa durante 5 antes de comenzar de nuevo la sección A. De manera similar, la última frase de la segunda sección A corta la frase de 3 barras a solo 2 barras, haciendo que la sección B llegue inesperadamente.

Para comparar, escucha este ejemplo donde las frases se han extendido para incluir esa cuarta barra. No sé tú, pero me impacienta bastante.

Una cosa importante a tener en cuenta en la versión original es que, aunque las frases tienen longitudes inusuales, la pieza todavía tiene un elemento de flujo. No estamos usando longitudes extrañas para sacudir al oyente o arrojarlo completamente desprevenido, sino simplemente para que sea más interesante escuchar la pieza. Es el tipo de técnica sutil que un no músico nunca notaría, y realmente no queremos que lo hagan.


Sintonías de tiempo poco frecuentes

La mayoría de la música occidental está en 4/4, y la pista ocasional aparece en 3/4, 12/8 o 6/8. El uso de una sintonía de tiempo menos común como 5/4 o 7/8 puede agregar un toque único a tu canción, pero solo si se hace de manera efectiva.

Las sintonías de tiempos extraños se pueden usar para evitar que las personas entren en una rutina cómoda. Led Zeppelin usaría esta técnica a menudo. Considera la canción The Ocean, que te hace mover la cabeza hacia el surco cuando de repente una barra de tres te pilla desprevenido.

Mi uso favorito de todos los tiempos en la música pop es "Solsbury Hill" de Peter Gabriel. La canción alterna entre 4/4 y 3/4 (podría considerarse 7/4), pero está hecha de una manera tan suave que no notas nada extraño si no estás prestando atención. Logra la suavidad manteniendo un bombo muy estable en cada cuarto de nota y un patrón de agitación consistente. El ritmo nunca se interrumpe, por lo que nunca hay una razón para sentir que el tiempo es inusual, pero la redacción es lo suficientemente extraña como para que podamos sentir que algo diferente está sucediendo. Cortar esa nota del octavo trimestre también mantiene la canción constantemente avanzando.


La regla de tres

Ya he escrito un tutorial sobre cómo usar La regla de tres y la música. El concepto básicamente dice que si has repetido algo exactamente una vez, es hora de moverte. Mira el tutorial original para un vistazo más profundo.


Imperfección

La bendición y la maldición de la tecnología musical actual es que podemos lograr casi la "perfección" con nuestra música. Los ritmos pueden ser inhumanamente precisos, los tonos nunca pueden fluctuar desde una frecuencia matemática perfecta, y nuestras mezclas pueden responder a la automatización de milisegundos. Si bien todas estas cosas pueden ser útiles, es muy fácil terminar con una canción que suena sin vida y sin corazón. Una de las formas de recuperar ese toque "humano" es incorporando pequeños casos de imperfección.

Mira el primer minuto de esta pieza:

Además del piano, no hay nada más que un pad largo que contenga los mismos tonos todo el tiempo. Tenía un cuarteto de cuerda tocando los mismos tonos muy suavemente debajo del pad. Las fluctuaciones naturales en la inclinación, la afinación y la resonancia de las cuerdas agregaron un toque de imprevisibilidad que hubiera sido imposible de lograr simplemente manteniendo mi dedo sobre el pad. Si bien podría haber extendido muy fácilmente el MIDI a lo largo de la introducción y dejarlo así, nos habría dejado un sonido aburrido y estático. En cambio, agregando ligeras imperfecciones podemos agregar algo de interés sutil. El combo de pad/cuerdas no distrae del piano, que es el elemento más importante, pero tiene una sensación orgánica que lo hace sentir un poco más vivo.

Es probable que no tengas un reproductor en vivo a tu disposición cada vez que quieras agregar un toque humano a tu música, entonces, ¿qué más podríamos haber hecho con este pad? Podríamos automatizar un filtro, permitiendo que pasen diferentes frecuencias del pad en diferentes momentos. Podríamos automatizar el volumen para que el pad fluctúe y parezca "respirar" a medida que se vuelve más y más silenciosa. Podríamos colocar algunos pad's diferentes, haciendo que se turnen para desvanecerse suavemente uno sobre el otro. Todas estas técnicas se emplearían con el propósito de evitar que el pad suene como una máquina, haciendo que suene como un elemento imperfecto y orgánico.


Ser única, pero no demasiado única

Hay una delgada línea entre innovador y excéntrico. A menudo, cuando alguien se considera "adelantado a su tiempo", es porque la gente aún no ha cerrado las brechas entre lo que es estándar y lo que el artista está expresando. Imagínate si Eddie Van Halen intentara tocar un solo desgarrador, desgarrando la guitarra a mil notas por minuto, en 1955. Se habría reído de él o tal vez incluso bloqueado. Le llevó décadas al rock evolucionar para preparar el escenario para ese tipo de interpretación.

Si quieres que tu música sea interesante, debes ser único a tu manera, pero para que la gente preste atención, debes darles algún tipo de punto de referencia. Como ejemplo, sin la fuerte orquesta de cuerdas "Viva la Vida" no sería más que otra canción de Coldplay. No hay nada revolucionario en la progresión de acordes o melodía, pero la orquestación única para la música pop hace que la canción sea especialmente interesante.

Puede ser una delgada línea entre "interesante" y "errático", que es una de las razones por las que los cambios sutiles consistentes pueden ser tan efectivos. Minimalistas como Philip Glass y Steve Reich han hecho carreras enteras con el concepto de que no se necesitan cambios constantes en el estado de ánimo o el color para hacer una gran pieza musical, pero sí requiere que tu música sea lo suficientemente interesante como para mantener a tu oyente comprometido.

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