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Cómo microfonear cualquier instrumento

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This post is part of a series called How to Choose and Use Microphones.
The Beginner’s Guide to Microphones
Making Your Microphone Placement Work

Spanish (Español) translation by Mayola Guitron (you can also view the original English article)

¿Alguna vez te has enfrentado a un instrumento que nunca has grabado antes y has pensado, "¿Cómo diablos voy a microfonear esa cosa?" Bueno, antes de perder credibilidad al ser atrapado Googling "Cómo microfonear un dulcigurdy," aquí hay algunas técnicas que te darán un lugar para empezar.

Nota sobre la colocación del micrófono

Las siguientes técnicas son inicios rápidos: están pensadas como formas de iniciar el proceso de elección de una colocación de micrófono. La manera de obtener un gran sonido es tomar su tiempo y experimentar con diferentes micrófonos y ubicaciones de micrófono. Esta es sin duda la parte más importante del proceso de grabación porque afecta a todas las demás etapas de la grabación, por lo que vale la pena tomarse el tiempo necesario para encontrar la ubicación perfecta.

Las variables

Hay cuatro variables principales que afectan al sonido que se obtiene de una colocación de micrófono. Estos son el micrófono que usas, dónde lo colocas, el estudio en el que estás y la posición del micrófono y el instrumento dentro del estudio. Te animo a experimentar con todas estas variables para encontrar la ubicación de micrófono adecuada para tu situación.

Técnica 1: La colocación 1:1

Este es un tipo fácil, único de colocación de micrófono que se basa en una simple regla de proporción. Para utilizar esta técnica averiguar qué tan ancho o alto es el instrumento y colocar un micrófono cardioide a esa misma distancia. Por ejemplo, si estás grabando un martillo dulcimer de 3" de ancho, el micrófono debe colocarse a 3" de distancia de él. La mayoría si el tiempo esta técnica producirá un sonido perfectamente utilizable.

Técnica 2: El oído del intérprete

Como su nombre indica, esta técnica se realiza colocando el instrumento junto al oído del intérprete. La idea es que si el instrumento suena bien para el intérprete, debe sonar bien al micrófono. Un micrófono de condensador de diafragma ancho decente es generalmente la mejor opción para esta técnica.

Técnica 3: Microfoneando las paredes

Si tienes el lujo de grabar en un estudio con acústica agradable, entonces esta técnica es una opción. No es terriblemente versátil, pero puede ser eficaz. Para esta técnica necesitarás uno o dos micrófonos de límite (también llamados PZMs - Micrófonos de zona de presión). La forma en que funciona un micrófono de límite es que se coloca en una superficie plana, y se recoge en un patrón hemisférico - básicamente todo en un lado de esa superficie. Colgar el micrófono en la pared recogerá un sonido bastante uniforme de todo lo que está sucediendo en tu estudio. Si estás utilizando dos micrófonos asegúrate de seguir la regla 3:1 (los micrófonos deben ser 3x tan lejos como están del instrumento - por ejemplo, si son 1 " del instrumento, deben ser 3 " de distancia) para ayudar a evitar problemas con la cancelación de fase.

Técnica 4: Puntos de contacto

Para la mayoría de los instrumentos, los puntos donde el jugador hace contacto con el instrumento también son lugares donde se está produciendo el sonido. Así, por ejemplo, si estás imitando una flauta, la embocadura (donde el jugador pone su boca) y las teclas son los puntos de contacto, en un arpa son las propias cuerdas. Los resultados de esta técnica variarán mucho dependiendo del instrumento, pero vale la pena experimentar con un instrumento desconocido. Recuerda, el lugar donde se produce más sonido no es necesariamente el lugar donde se está produciendo el tono más.

Técnica 5: Análisis del Instrumento

Este toma un poco más de tiempo y esfuerzo que los otros, pero vale la pena porque también tiende a producir los mejores resultados. Lo que esto implica es tomarse el tiempo para entender cómo el sonido y el tono están siendo producidos por el instrumento. Por ejemplo, el primer instinto de muchas personas al imitar una guitarra acústica es sacar un micrófono en el agujero de sonido. Si bien es cierto que aquí es de donde viene la mayor parte del volumen, el tono del instrumento viene de otros lugares.

Cuando golpeamos la cuerda de la guitarra acústica, el sonido es creado por la cuerda vibratoria. Este sonido se transmite al instrumento en dos lugares: la tuerca y el puente, por lo que el microfoneo en la tuerca o el puente puede proporcionar resultados interesantes. El punto intermedio entre los dos (el traste 12) es otro lugar interesante para micrófono, ya que comenzamos a ver armónicos formando allí.

El sonido de esa cuerda vibratoria se transmite a través del puente en la parte superior de la guitarra que a su vez vibra, creando gran parte del tono del instrumento. En la parte inferior de la parte superior de la guitarra hay una serie de llaves que forman cualquiera de una serie de patrones diferentes. Esto significa que diferentes partes de la parte superior sonarán diferentes, por lo que al imitar la parte superior de una guitarra, pequeños cambios en la colocación pueden hacer una gran diferencia.

Esta misma técnica se puede utilizar para cualquier instrumento. En algunos casos puede tomar un poco de investigación, pero los resultados bien valen la pena. La buena novedad es que la mayoría de los músicos (particularmente aquellos que tocan instrumentos oscuros) disfrutan hablando de su instrumento, por lo que a menudo el alcance de su investigación puede ser simplemente preguntar.

Conclusión

No hay una manera correcta o incorrecta de microfonear cualquier instrumento. A menudo los mejores sonidos, y sin duda los más únicos, vienen de tomarse el tiempo para experimentar con diferentes ubicaciones, micrófonos y estudios. A veces puede parecer tedioso, pero si lo aceptas esta puede ser la parte más creativa del proceso de grabación. Diviértete un poco con él.

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