Unlimited royalty free music tracks, footage, graphics & courses! Unlimited asset downloads! From $16.50/m
Advertisement
  1. Music & Audio
  2. Audio Production
Music

La lista definitiva de consejos para producir cadenas muestreadas

by
Difficulty:BeginnerLength:LongLanguages:

Spanish (Español) translation by Muhamad Zulfiqor (you can also view the original English article)

What You'll Be Creating

Obtener muestras de cadena para sonar bien a menudo se considera el 'Santo Grial' para autores y desarrolladores por igual. Se han hecho muchos intentos, y nuevas bibliotecas se producen cada año parece. Sin embargo, incluso después de décadas de R&D, hay aún nada que viene muy cerca de capturar la sensación de una sección de cuerda viva.

Este tutorial tratará sobre mejoras que se pueden hacer a su escritura de cadena sin importar qué biblioteca utiliza. Es posible hacer buenas bibliotecas suena mal, y bibliotecas mal suenan bien. Obviamente aquí Tuts +, es mejor centrarse en el último.

Abordaremos cada tema de la mejora al comenzar con un pedazo de música de cuerda y va a través de él paso por paso para hacer que suene mejor de lo que originalmente era simple, corto.

Aquí está la primera copia:


Esta pista tiene actualmente:

  • Ningún muestreo de round robin
  • Ninguna velocidad cambia tanto en las cadenas cortas
  • No estratificación
  • No rever
  • No EQ
  • No rendimiento real de la pieza (falta de expresión y de fraseo).

Esto no es algo que siempre quiere tener en su música si intenta replicar una orquesta en directo, pero hay algunas bibliotecas de muestra que limitan sus opciones en cómo las cosas suenan (sin turnos). Lo primero que puedes hacer, es añadir cambios de velocidad.

Consejo 1. Velocidades de

Este es uno de los problemas más comunes al oír las pistas que se producen con las muestras, especialmente en pistas 'épicas'. Muchos de los compositores que están comenzando como al martillo de las llaves a la velocidad más alta para hacer 'épica'. Por desgracia, música no funciona tan bien como este.

Qué hace que las cosas se sientan 'epic' construye y vende en la música, y para ello requiere un grado de rendimiento. Incluso las librerías más baratas tienen articulaciones grabadas a velocidades múltiples, por lo que es mejor hacer uso de ellos.

Si no están lo bastante fuertes como que utilice los controles de volumen para compensar las velocidades más suave. Si estás disparando las velocidades duras para notas cortas todo el tiempo, sólo parece estático y repetitivo. Esto es lo contrario de lo que una parte de la cadena.

Lo que suena.


Y aquí está lo que parece con los cambios de velocidad.


Es un avance, pero todavía un largo camino por recorrer.

Para ilustrar la importancia de velocidades son, aquí es una pieza breve diferentes utilizando una escala ascendente. La primera versión es sin velocidad de cambio (todo jugando a la velocidad más alta) y la segunda versión es con cambio de velocidad.

Sin velocidad de cambio (ADVERTENCIA, ruidoso!):


Con cambio de velocidad:


Ilustración de velocidad

La parte inferior muestra barras rojas en una escala de 0-127. En la versión 'sin velocidad', puse todos estos en 127, y no suena bien. Obviamente, esto es una exageración para ilustrar un punto, pero no hace falta decir que siempre debe haber una variación en la velocidad en sus partes de cuerdas (y otras partes orquestales), ya que esto es más natural.

Esta escala poco había utilizado muestreo de round robin. A continuación voy a explicar por qué esto es importante.

Consejo 2. Muestreo Round-Robin

¿Qué es el muestreo de round-robin? En pocas palabras, es un método que usan los desarrolladores de muestra para que cuando toques la misma nota en tu teclado, por ejemplo. una 'D', y luego la reproduce de nuevo, se reproduce una grabación diferente de la misma nota.

Translation service is temporarily unavailable

Muestra 1 muestra D - D muestra 1 - 1', se convierte en

'1 - D 2 - D muestra 3 - D 1 - D muestra 2 - D muestra 3' de la muestra

En esta época, casi todas las bibliotecas de cadenas utilizan el muestreo por turnos y, de forma predeterminada, están activadas. Aquí están las cadenas cortas de esa pieza de apertura con y sin muestreo de round robin (pero con cambios de velocidad).

Sin muestreo de round robin:

Con muestreo de round robin:


El round-robin agrega una variación sutil en las muestras que les da más vida.

No tengo muestras Round-Robin!

Si no tiene muestras de round robin por alguna razón (podrá decir esto porque obtendrá el efecto de ametralladora como se escuchó en 'Sin muestreo de round-robin' arriba), entonces hay dos cosas que Puede hacer para ayudarse a sí mismo.

Primero, escribe partes que eviten la repetición. Es la repetición lo que hace que sus muestras suenen como ametralladoras. Agrega espacio a tus partes. Aún tienes los cambios de velocidad, así que eso es lo que te ayudará a agregar variedad a tus partes. Así es como podría sonar.


En segundo lugar, si aún falta la 'ocupada' del original, puede hacer algunas capas con instrumentos adicionales para completar las partes. Use otros instrumentos que tengan una sensación de staccato, como cuerdas de pizzicato, piano o arpa, incluso la percusión ayudará. Aquí hay un par de ideas.

Con cuerdas de pizzicato adicionales siguiendo la armonía:

Con cuerdas de pizzicato, piano y timbales siguiendo la armonía:


Ambos siguen utilizando las cuerdas originales sin round-robin, pero el round-robin ahora ha sido disfrazado por los otros instrumentos. Puede que no suene exactamente igual al original en términos de las notas en la página, sin embargo, tiene una mejor 'sensación'.

La clave para escribir maquetas de muestra orquestales convincentes es la sensación. No importa qué tan buena sea su biblioteca si no puede transmitir cierta emoción, por lo que debe hacer todo lo posible para mejorar la sensación. En la gran mayoría de los casos, los compositores no podrán utilizar una orquesta en vivo para su pista (o incluso un solo jugador en vivo), por lo que necesita escribir para las muestras y trabajar dentro de sus limitaciones.

Las dos pistas anteriores presentaban una técnica llamada capas, que veremos más adelante en la guía. Pero ahora procederemos a cubrir el sonido de la cuerda 'larga' que se reproduce sobre estas notas cortas, y cómo podemos mejorar el sonido de las mismas.

Consejo 3. Controles de expresión

En la versión original de la pista tuvimos una línea de cadena sostenida por encima de las cuerdas cortas. Ahora que hemos añadido round-robin y velocidad a las secuencias corto vamos a ver como suena.


No es malo, pero podría ser mucho mejor. El problema es que se juega estáticamente, con ninguna expresión. Cadena de jugadores no juegan así en la vida real, que es algo que tendrá que tratar de emular.

Muchas bibliotecas de la muestra cuentan con un controlador dinámico mezcla entre dinámica. La biblioteca que estoy usando para esta pista (Symphobia) tiene un controlador de tal.

Vale la pena señalar en este momento, que mientras que Symphobia es todavía una de las bibliotecas más caras en el mercado, todavía es posible, según lo demostrado hasta ahora — para que sea suena bastante mal. Espero que esto refuerza mi total de puntos de que no es qué biblioteca de muestra tiene, es como la usas.

Si la biblioteca de la muestra no tiene un parche que dinámicamente crossfades, puede todavía utilizar control de volumen en el Kontakt o el muestreador de la opción para agregar más de una actuación que. En Kontakt, puede haga clic en el control de volumen y hacer un 'aprender Midi CC'. Entonces juega cualquier perilla/fader/control en el teclado, y Kontakt responderá a él cuando juegas.

Ahora vamos a oír esa parte de la cadena con algún control de The Modwheel añadido a él. Modwheel en Symphobia será fundido cruzado entre diferentes muestras dinámicas. Esto añade un grado de rendimiento a la pista y debe traer a la vida. Lo que suena como:


Y aquí es lo que parece:

Se puede ver la parte inferior los datos para CC1 (Modwheel). Se está moviendo constantemente, y sobre todo en las notas más largas es donde los beneficios de la línea. Notas largas no son estáticos cuando se llevan a cabo, y así las cadenas muestreadas no deben ser estática tampoco.

Sus secuencias de trabajo orquestal deben cubrirse con todo tipo de datos de expresión, ya sea a través del modwheel, o control de volumen, o ambos. Agrega mucho a la pista, especialmente para las líneas de tiempo sostenidas. Aquí hay un par de ejemplos más.

Sin datos de la expresión:

Con datos de expresión:


Si empiezas a hacerlo con las líneas de cadena, agregue un rendimiento de calidad a tu trabajo, y esto es lo que crea sensación en la música. No importa cuan brillante las notas en la página, si no se realizan bien, que no brillan.

Consejo 4. Acodar

Capas es un gran tema que probablemente es digno de su propio tutorial, ya que no solo trata de cómo trabajar con muestras, sino también de arreglos y orquestación. Sin embargo, trataré de introducirlo aquí y mostraré cómo, de muchas maneras, puedes usar capas para mejorar tu sonido existente.

Un problema muy común en maquetas es donde se exponen las muestras ellos mismos. Es decir, la biblioteca de una muestra, que no sea de la mejor calidad, jugando solo con no otros instrumentos de apoyo. En el mundo real, una sección de cuerdas tocando por sí sola podría funcionar bien, pero en el mundo muestreo, si las muestras no son de la más alta calidad, el rendimiento y la sensación cae aparte. Existen numerosos métodos de estratificación que pueden solucionar este problema:

  1. La combinación de bibliotecas de muestras de cadena diferente para tocar las notas.
  2. Utilizando posiciones diferentes de micrófono en sus bibliotecas ya existentes de la cadena (si está disponible).
  3. Acentuando con una biblioteca de muestras de cadena diferente ciertas notas que se está reproduciendo la biblioteca original de la muestra.
  4. Acentuando con la articulación de una cadena diferente ciertas notas que se está reproduciendo la biblioteca original de la muestra.
  5. Técnicas de orquestación para añadir instrumentos a la pista de que las muestras originales de la cadena de la ayuda (como dicho anteriormente en la sección no tiene Round-Robin).
  6. Según excelente Tuts + tutorial de George Strezov, añadir un jugador directo a la pista existente.

1. Combinando bibliotecas de muestras de cadenas diferentes

Una técnica común utilizada por los compositores numerosos, es mezclar ciertas bibliotecas de muestra. Algo que me gusta hacer es tomar una sección más pequeña, ya sea un sonido de cuerdas solas o un sonido de cadena más pequeño (una grabación de divisi) agregar algún bocado. Sin embargo, mayoría de las bibliotecas de la muestra se registran en diferentes lugares, así que elijas lo que elijas será añadir algo diferente.

Con secuencias de spiccato adicionales:

Con adicional spiccato cuerdas + sostiene:

Con adicional spiccato cuerdas + sostiene + violín a solas:


Cuando está utilizado cuidadosamente, superposición y mezcla de diferentes bibliotecas muestra juntos pueden crear un efecto de gran alcance. Es una recomendación personal que todo lo que se agrega, la sección de cadena debe ser más pequeña en tamaño. Esto le dará un nivel de intimidad que su sonido de cuerda 'más grande' no puede proporcionar. En los manuales de la mayoría de las bibliotecas de muestra, puede averiguar el tamaño de la sección de la cadena que se grabó y esto ayudará a informar su decisión.

2. tratar de posiciones diferentes de micrófono

Si no tienes los fondos para la adquisición de muchas bibliotecas de diferentes de la muestra, entonces busque dentro de su propio. Muchas bibliotecas en la actualidad vienen con múltiples posiciones de micrófono, y a menudo puede dar un sonido muy diferente. Un par de ejemplos muy cortos:

Cerrar el micrófono:

Mic de la habitación:


Lo anterior se toma de la misma biblioteca de la muestra, pero uno utiliza solamente las muestras cerca del micrófono, y el otro utiliza las muestras de micrófono de la sala.

Las muestras cerca del micrófono generalmente añadir mordedura, detalle y presencia. Micrófonos de sala (dependiendo de donde se registró la biblioteca) son lo que le dan el ambiente y 'sentir'. En las grandes bandas sonoras de Hollywood, el componente más grande que les da que sentir es la sala en que se registraron.

Idealmente, usted quiere un equilibrio entre micrófonos cerca y etapa, dependiendo de tu proyecto y tu gusto. Generalmente un buen punto de partida es una relación de fase de 66%, 33% se cierran, pero siempre puede marcar en el mic cerca más lejos para más intimidad o algo que está más al frente o en su cara.

3. acentúa ciertas notas con una biblioteca de diferentes de la muestra

Un truco común me gusta hacer, especialmente para bajo y para acentuar el movimiento armónico, es acentuar las partes que quiero destacar. Al hacer esto con una biblioteca diferente, a añadir una nueva calidad tonal para las cadenas. Esto también se hace para una experiencia auditiva más interesante.

Con la pista original, con ninguna de las capas de la parte 1 de esta sección, aquí solo agregando una línea de bajo muy sencilla qué cuando acentúa ciertas notas.


Esta biblioteca particular tiene mordedura real, por lo que es un fuerte ataque sobre las notas que la biblioteca de muestra original (Symphobia) no estaba proporcionando. Tenga en cuenta que no juegan todo lo que la parte de Symphobia era, sólo ciertas notas en el bajo.

Otro ejemplo rápido con violines. El primero sólo tiene una sección de violín. La segunda tiene la misma sección del violín pero con un violín solista acentuando ciertas notas. Le da una sensación sutil y diferente, pero también añade un toque de interés sonic. Ambos suenan bien, pero si tienes una parte que hace este ostinato durante mucho tiempo, necesita buscar maneras de seguir hacerlo interesante. (Esto es algo que Hans Zimmer hace especialmente bien).

Regular:

Con capa acentuada:

4. acentuando ciertas notas con una articulación de diferentes

Nosotros ya hemos abordado esto en la sección no tiene turnos. Con una articulación diferente de la sección de cadena, puede añadir más interés sonic. Un combinado clásico que ha sido un elemento básico de la orquestación por siglos es doble una línea cello staccato con un pizzicato bajo.

Violonchelo solo:

Violonchelos con pizz:


Entonces podemos aplicar esta técnica a la pista original. Es menos sensible con todo lo demás alrededor de él, pero si se aplica una gran cantidad de estas pequeñas técnicas, cosas poco a poco mejoran.

5. técnicas de orquestación diferente para mejorar la armonía existente

Una vez más, ya hemos tocado esto en la sección No tengo Round-Robin. Esta técnica requiere un conocimiento de la orquestación y saber qué instrumentos combinan la voluntad entre sí. Este es el estudio de toda una vida y demasiado para cubrir aquí, pero hay cosas que puede hacer que son de sentido común cuando acodar.

  • Par de muestras cortas con otras muestras cortas.
  • Par de largo muestras con otras muestras de largo.
  • Un instrumento bajo de una sección se asociará probablemente (pero no siempre) con un instrumento bajo de otra sección. por ejemplo, fagot y violonchelo/bajo.
  • Un instrumento de alta de una sección se asociará probablemente (pero no siempre) con un instrumento de alta de otra sección, por ejemplo, violín y flauta.
  • Percusión, cuando se utiliza escasamente, capas bien con todo. La sección de percusión es una forma muy fácil de añadir un poquito de interés sonic a sus piezas. No debes exagerar, pero si alguna vez sientes que algo se ha vuelto demasiado estático, una pequeña percusión puede hacer mucho.
  • ¡Use sus buenas muestras para ayudar a los malos!

Hay un montón de libros de orquestación que le pueden ayudar con buenos combos de sonido, pero un subestimado recurso en línea es la Academia de VSL para cada instrumento, ejemplos de combinación de sonidos. Esto se aplica no sólo a la orquesta en vivo, sino también para las muestras.

Además, puede comprar sonoras de Alexander editorial y estudio. Usted se sorprenderá de cuánta duplicación ocurre en una partitura de la película. Todas estas combinaciones de instrumentos son utilizados por los profesionales, y se debe utilizar demasiado. Los recursos están disponibles para usted. ¡Úselos!

Aquí está un ejemplo simple, utilizando solo dos acordes de orquestación simple puede mejorar una pieza existente conservando la misma sensación.

Acordes de cadena 2 + arpa

2 cadena acordes + arpa y violín solista

Cadena 2 acordes, arpa, violín solista + coro

2 Cuerdas Acordes Arpa Solo Violín Coro Crotales


Todos estos ejemplos están usando las notas en los dos primeros acordes, la menor (A, C, E) y E (E, G, B) de menor importancia. Nota que los sonidos largos, coro, violín y cuerdas son todos con expresión como hemos hablado anteriormente.

Encontrará ejemplos como los cuatro arriba a través de la literatura de la música de la película por todas partes.

No hay límite a lo que puedes hacer con la orquestación, solo tu imaginación. Pero coloque limitaciones en sí mismo utilizando el sentido común, y también use sus oídos y escuche muchas partituras de películas para que pueda aprender las combinaciones que funcionan y aplicarlas en su propia música.

Para terminar la sección de capas, aquí está esa pieza de apertura, en capas de dos maneras diferentes: una con cuerdas solamente, y la otra con múltiples instrumentos.

Secuencias de capas

Capas de cuerdas + orquestación adicional


En la segunda pista tenemos piano, timbales, trompas, flautas y trombones. Todos están siguiendo la misma armonía, y los instrumentos se escriben generalmente en las gamas donde suenan mejor. No hay nada particularmente elaborado aquí, pero esto es una muestra de qué orquestación puede hacer por tu música. Sin embargo, volvamos a las cadenas.

Una breve introducción a la producción

¿Así que, incluso después de velocidad muestras cambiantes, turnos, rendimiento y expresión y capas, están allí todavía? No. Todavía hay tres partes importantes del proceso de producción que son muy importantes cuando se trabaja con muestras. Siendo el primero EQ, el segundo ser panorámica y el tercer ser reverb. A encarar EQ primero.

Punta de 6. EQ

Tratándose de cadenas muestreados, que tienden a una gran cantidad de acumulaciones de frecuencia (especialmente cuando acodar), y además están limitados a la forma de que las muestras se registraron. Esto a menudo puede significar que llegar sonidos no deseados o no deseados.

Antes de mezclar y hacer post producción en pistas, me gustaria hacer mis pistas para audio tallos y luego colocarlos en un nuevo proyecto. Esto me permite el proceso de composición y pensar sólo de mezcla. Con mi audio tallos ordenar las pistas en grupos tales como:

  • Cadenas alta corto
  • Bajo cuerdas cortas
  • Alta cuerdas largas
  • Bajo cuerdas largas

Puede agruparlos como desee, todo depende de su flujo de trabajo. Una vez en tu secuenciador, deberías tener algo que se vea así.

Proporcionarse onda puede verse distorsionada pero no son, prefiero hacerlos más grandes en mi secuenciador para que pueda ver lo que estoy editando.

Filtro de paso alto

Una de las primeras cosas que me gusta hacer es quitar sonido low-end de instrumentos de gama alta, por ejemplo, los violines. No hay nada realmente útil en el extremo inferior, y con orquestas de muestreado, cuando tienes un montón de instrumentos apilando uno encima del otro, tienes acumulación de frecuencia de gama baja, que ocupa espacio en su mezcla y lleva a un indeseable sonido.

Shorts altos - No EQ



Pueden ver en el gráfico EQ y escuchar es cuánta información de low-end. Realmente no lleva nada útil. Vamos a aislar por lo que podemos escuchar.

Shorts altos - aislados low-end (puede que necesite hacer su sonido)


Es sobre todo estruendo. Entonces, lo que haremos es aplicar un filtro de paso alto en las cuerdas. Esto bloqueará las cosas de baja gama que son principalmente el tono de la habitación y el ruido. No necesitamos esto porque más adelante pondremos estas cuerdas en una habitación de todos modos con reverberación. Hacemos esto porque queremos que nuestros instrumentos reales de bajo nivel (violonchelo y bajo, etc.) se eliminen en la mezcla.

Short alto - filtro de paso alto con. / desc.


En la pista de audio anterior, cada dos medidas de paso alto filtro de paso (HPF) encendido y apagado.


Aquí está una foto del filtro pasa alta aplicada y una respuesta de frecuencia gráfico después de que se aplica. El estruendo de low-end se ha ido.

Tenga en cuenta que mientras que la diferencia no es enorme en una pista, se trata de un efecto acumulativo. Más hacerlo a través de sus instrumentos de gama alta, la habitación más los instrumentos de gama bajos (especialmente de percusión) tendrá que brillar.

Corte primero, impulso segundo

Siempre prefiero cortar en la fase de mezcla y con las orquestas muestreadas, porque son capas juntos un montón de instrumentos y no tratando con una orquesta real, en lugar de tener 50 cuerdas tocando, realmente tienes 50 cuerdas tocando cada nota de un acorde. En un acorde de la cuatro nota, es 200 cuerdas! Así que, tú eres mejor corte.

La primera área de problema ocurre en sostiene (largas) de muchas bibliotecas y muchos de los violines se convierten en áspero en el oído después de un tiempo de escucharlos. Para ello, nos ablanda a la frecuencia en que irrita el oído. Las frecuencias de 'irritación' empiezan a ~ 3000 Hz. Usar esto como un punto de partida y trabajar desde allí.

También me gusta rodar algunos de las frecuencias de gama muy alta, como cuando tienes un montón de instrumentos tocando, estas construir para arriba también. No tanto eso él llega a ser amortiguado, pero sólo un toque.

Cadenas largas alta - Pre EQ

Cadenas largas alta - Post EQ



La diferencia es sutil, pero — como paso el bajo filtro (también aquí), el efecto será acumulativo.

El área de problema que se acumula es el área de 'barro', donde mi punto de partida es de ~ 300 Hz. Esto ocurre mucho en partes de la clase media, que es donde la mayor parte de su orquesta va a estar jugando. Por lo tanto, usted puede mirar para cortar aquí también. Esto y el filtro es donde se harán las mayores diferencias.

Cadenas cortas - No EQ

Cadenas cortas - EQ



Puedes ver el EQ he aplicado en cada tallo de cadena corto basado en el Consejo anterior. También aumenté el high-end en los cortos alta ya que tienen un poco de picadura que quería acentuar.

Aquí está la pista de cadena completo con EQ.


Se puede mejorarse aún más, aunque.

Punta 7. La proyección de imagen

Un aspecto simple, pero a menudo pasado por alto, de la producción es colocar cosas en el campo estéreo. Cada DAW tiene ollas, por lo que debemos hacer uso de ellos. Para cadenas, en términos generales, podemos colocar:

  1. Violin 1 - violín 2 - derecha, Viola - centro izquierda, Cello - centro de derecha, izquierda, bajo - centro
  2. Violin 1 - violín 2 - centro izquierda, Viola, violonchelo, centro - derecha centro izquierda, bajo - centro

La primera es un entorno más moderno, y el segundo es un ambiente más clásico. Sinceramente, hacer lo que crees que suena bien. Cualquier cosa es mejor que poner todo en el centro.

Aquí es cómo la pista suena cuando se aplica la proyección de imagen.


Es un sonido más amplia, más panorámica / cinematográfico. También añade claridad a la mezcla porque cada instrumento tiene un poco más espacio para brillar.

Nosotros hemos recorrido un largo camino desde la pista original, pero ahora para el paso final.

Tip 8. Reverb

Reverberación es una de esas cosas que a menudo desciende a gusto. Sin embargo, cuando se aplica correctamente, realmente puede Agregar una capa extra de brillo a la pista.

Con orquestas muestreadas sobre todo, usted debe no escatima en su reverberación. Puede ocultar las deficiencias en las bibliotecas de la muestra y también dar vida a las buenas cualidades que algunos de ellos pueden tener.

Aquí están algunos consejos acerca de reverberación:

  • No aplicar una reverb a la pista principal, se enturbian por su mezcla mal.
  • No aplicar reverberación largo para sonidos cortos, se enturbian por la mezcla.
  • Aplicar reverberación largo a sonidos largos, que les ayudará a brillar. Si su parte cae entre sonidos largos y cortos, entonces pecar de cauteloso.
  • Tenga mucho cuidado al aplicar la reverberación a los sonidos que se registran en las frecuencias más bajas, ya que matarán el espacio en su mezcla muy rápidamente si no tienen cuidado.
  • Aplique su reverberación diferentemente según los grupos de instrumentos. Una reverb para cuerdas (o cuerdas altas y cuerdas graves), un reverb de latón, uno de alta percusión, uno para percusión bajo y así sucesivamente. Puede utilizar reverberaciones totalmente diferentes para cada uno, o aplicar la misma reverb en cantidades diferentes. Después de haber visto mundo clase mezcla ingenieros trabajo, todos ellos utilizan muchas diversas reverberaciones marque en su sonido. Todo lo que importa es lo que suena bien.
  • Para la música cinematográfica, generalmente usted querrá seguir con una cámara, pasillo, iglesia o reverberación de etapa puntuación, dependiendo del estilo de la composición. Siempre es un buen punto de partida.

Una de las cosas más comunes en maquetas, especialmente de compositores de empezar, es demasiado reverberación, o reverb no juiciosamente aplicadas. Aquí es lo que sucede cuando usted pone una reverb en la pista maestra.

Cadenas con Master Reverb


Puede escuchar una falta de claridad en la mezcla ahora porque la reverberación se está aplicando en la misma cantidad para todo. La falta de claridad no es buena. Para ilustrar más este problema, aquí es la pieza acodada de antes con adicional orquestación (EQ y la proyección de imagen) con un reverb master aplicado.

Cadenas + orquestación adicional con Master Reverb


La mezcla suena fangosa, y esto no es deseable. Así, siguiendo las reglas básicas que expuso anteriormente, a tener más cuidado sobre mi solicitud de reverberación de los instrumentos más bajos y ser generoso con los sonidos sostenidos. Esto debe resultar en mayor claridad y una mejor mezcla general.

Cadenas con Reverb aplicado en diferentes grupos


Esto es mucho más claro que cuando simplemente aplicar una reverb master.

¿Qué reverberación debo usar?

En términos generales, debe aspirar a tener al menos una reverberación de convolución y una reverberación algorítmica. Ejemplos de reverberaciones de convolución son Altiverb o Quantum Leap Spaces. Ejemplos de una reverb algorítmica son B2 o Lexicon.

Sin embargo, hay un montón de reverberaciones gratis disponibles en la red para que usted pueda probar demasiado. Una recomendada es la reverberación de Kjaerhus, sin embargo también puedes mirar este hilo del Foro de AudioJungle excelente para encontrar varias reverberaciones gratis (y otras cosas).

Punta de 9. Recomendaciones biblioteca de cadena

Es difícil recomendar una biblioteca sobre otro, y en última instancia es mejor utilizar sus propios oídos y utilizarlos para tomar la mejor decisión para usted. Como se dijo antes es muy fácil de hacer bibliotecas muestra malo y viceversa. Éxito en la programación de la cadena dependerá cómo se aplican las diferentes técnicas para mejorar tus maquetas y no sólo esperar un sonido brillante fuera de la caja (aunque eso ayuda mucho).

Una cosa que merece la pena teniendo en cuenta, sin embargo, es tener dos bibliotecas que cada uno hacer cosas diferentes. Un buen lugar para empezar es una biblioteca que ocupa conjunto jugando y para cuando necesites detalles para obtener una biblioteca adicional.

Ejemplos de biblioteca del conjunto (no una lista exhaustiva):

Ejemplos de biblioteca de detalle (no una lista exhaustiva):

Todas las bibliotecas tienen sus propias fortalezas y debilidades. Como siempre, es cómo el usuario maneja.

Si no quieres la bifurcación hacia fuera una tonelada de dinero, también existen algunas bibliotecas Libres acechando por ahí:

Conclusión

En este tutorial comenzamos con una pista de huesos desnudo.


Luego buscamos en las diferentes etapas de la cadena maqueta tales como velocidad de conmutación, controles de muestras de actuación y expresión round robin y capas. Luego observamos el proceso de postproducción de maquetas de cuerdas y agregamos ecualización, imágenes y reverberación. El resultado fue una pista que sonaba así.


El camino para mejorar las maquetas de cadenas es infinito, y los desarrolladores seguirán encontrando nuevas formas de muestrear cadenas. Depende del usuario hacer que sus bibliotecas suenen lo mejor posible, pero incluso si está limitado con su elección de bibliotecas, está menos limitado con su elección de instrumentos, y ahí es donde puede entrar en juego el conocimiento de la orquestación.

Seguro, si usted quiere escribir un pedazo de cadena sólo que tendrás que dedicar más tiempo a mejorar realmente el sonido de su cadena, pero si se escribir para orquesta y usando solamente muestras, usted puede mezclar y combinar sus buenas muestras para encubrir los malos. Con una base de conocimiento sólido de la orquestación, puede activar una pista sólo de cuerdas en algo bastante grandes, incluso cuando las nuevas partes solo están jugando las mismas notas como las cuerdas originales.

Espero que este tutorial fue esclarecedor. Aquí está el resultado final con una maqueta de la cadena de producción y orquestación adicional.


Advertisement
Advertisement
Looking for something to help kick start your next project?
Envato Market has a range of items for sale to help get you started.