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Uso de técnicas ambientales para componer

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This post is part of a series called Songwriting & Composing: From Inspiration to Execution.
10 Cures For A Songwriting Slump
From Composing to Recording - Producing an Album with a Band

Spanish (Español) translation by Mayola Guitron (you can also view the original English article)

"En la grabación moderna uno de los mayores problemas es que estás en un mundo de infinitas posibilidades”. Así que trato de cerrar las posibilidades desde el principio. Limito las opciones. Confino a la gente a una pequeña área de maniobra. Hay una razón por la que los guitarristas invariablemente producen música más interesante que los sintetizadores: puedes ir a través de las opciones en una guitarra en aproximadamente un minuto, después de eso tienes que empezar a tomar decisiones estéticas y estilísticas. Este ordenador puede contener mil sintetizadores, cada uno con mil sonidos. Trato de proporcionar limitaciones a la gente".- Brian Eno

Flickr Image de Eptin


Introducción

He estado pensando mucho últimamente en las limitaciones y posibilidades en relación con la composición. Utilizando computadoras y paquetes de software como Logic, Cubase, Sonar o Reason, nuestras posibilidades musicales son casi infinitas. Aún así, a menudo me encuentro sentado frente a mi estación de trabajo, haciendo clic en cientos de ajustes preestablecidos de sintetizador o sampler en lugar de escribir música.

Los grandes compositores ambientales y minimalistas de nuestro tiempo entienden claramente los posibles escollos de nuestras opciones casi ilimitadas. Su solución es intentar crear con menos - para crear un mundo musical completo en un momento dado, pero para hacerlo bajo un conjunto específico de reglas o restricciones. Esas reglas y restricciones pueden variar ampliamente de compositor a compositor, pero afortunadamente para nosotros, usar cualquiera de sus técnicas puede ser útil para casi cualquier estilo de música.

En este tutorial, examinaremos algunas técnicas simples que puedes usar al componer música, ya sea ambiental, minimalista, o incluso rock o pop. Cualquier artista puede beneficiarse de aprender estas técnicas, y aplicarlas para superar el bloqueo del escritor, desafiar su creatividad de nuevas maneras, o simplemente refinar y practicar sus diversas habilidades.


Limita tus opciones

Como Brian Eno señaló en la cita anterior, limitar las opciones puede ser una manera rápida y fácil de forzar una nueva perspectiva sobre la composición. Al reducir las posibilidades, es necesario pensar dentro de un área más pequeña. Cuando estás confinado a un conjunto más pequeño de posibilidades, debes examinar todas las decisiones inconscientes que normalmente podrías tomar al escribir una pista determinada.

Imagen de Flickr de bredgur

Una forma poderosa de imponer límites es cambiar tu software de composición. Por ejemplo, para algunas de mis nuevas canciones, estoy usando GarageBand - no porque creo que es necesariamente la mejor herramienta para el trabajo, sino más bien porque ya me presenta un conjunto más limitado de opciones en cuanto a creación de sonido y manipulación se refiere. Mientras que Logic es mi DAW (Estación de trabajo de audio digital) principal, la gran variedad de características y posibilidades sónicas a veces puede ser una verguenza de riquezas. El uso de GarageBand aquí requiere que tome decisiones sobre la realización, grabación, edición y procesamiento, dentro de un conjunto diferente, más pequeño de posibilidades.

Por lo tanto, limitar nuestro software es un medio para limitar nuestras opciones. Estas son algunas otras maneras en que podemos limitar nuestras opciones que, en última instancia, podrían servir a nuestros objetivos compositivos.

  • Limita opciones de software - Utiliza un DAW más simple, utiliza sólo MIDI, utiliza sólo audio o compón una melodía completa usando un solo softsynth.
  • Limita el Post-Procesamiento - No utilices ninguna forma de compresión, EQ u otras técnicas de masterización para finalizar tu canción. Consigue que la mezcla suene muy bien mientras estás componiendo y déjala así.
  • Limita contenido armónico y melódico - Trata de limitar tu canción a sólo unos pocos acordes, o unas pocas frases melódicas simples. Recuerda que todavía necesitas mantener la música atractiva - si no interesante - para el oyente!
  • Limita contenido rítmico - Trata de componer una melodía sin medidor discernible o tempo. O intenta componer un nuevo compás como 7/8 o 5/4.
  • Limita formulario - Trata de trabajar con una forma musical más simple o más compleja - algo que no sea tu forma de canción ABBA habitual, etc.

A medida que comiences a experimentar con técnicas como estas, verás que muchas de ellas son incómodas y simplemente no se sienten "adecuadas" para tu estilo de composición. ¡Esto es algo bueno! Esa incomodidad significa que estás empezando a desarrollar músculos musicales que no has usado antes. Cuando hemos sido perezosos y no hemos ejercido en un rato, encontramos que nuestros músculos y articulaciones tienden a resistir (o protestar) cuando finalmente decidimos salir a correr. Simplemente así, nuestra aptitud musical se limita a los músculos que usamos o no usamos, así que entrena usando toda tu gama de tus capacidades. Te garantizo que te sorprenderán los resultados.


Ve orgánico

Con la facilidad y el poder de nuestros DAW, softsynths y samplers, muchos de nosotros nos quedamos atrapados en la tierra de los sintéticos. Una forma poderosa de dar nueva vida a nuestras composiciones musicales es exigir que "vayamos orgánicos" y usemos más (o exclusivamente) sonidos orgánicos.

Imagen de Flickr de Secret Tenerife

Incorporar sonidos orgánicos puede significar muchas cosas diferentes, así que echemos un vistazo a algunas posibilidades.

  • Reemplazar pistas de sintetizador con pistas acústicas - Reemplaza una o más de tus pistas existentes con interpretaciones acústicas de la misma. Donde una vez pudo haber habido un sintetizador de plomo monofónico, en su lugar utiliza un clarinete o flauta o voz. Una vez que lo hayas grabado, usa el post-procesamiento para remodelarlo y moldearlo para que se ajuste a tu pista.
  • Usar sonidos encontrados - Ya hemos visto algunos tutoriales (como este) sobre cómo las grabaciones de campo o sonidos encontrados pueden ayudarte a crear una paleta única para tu música. Pasa un tiempo grabando sonidos desde tu casa, vecindario o ciudad, y busca nuevas formas de incorporar estos sonidos a tu música.
  • Orgánico como forma de onda - Para los frikis de muestreo más avanzados por ahí se podría considerar el muestreo de algunos sonidos orgánicos, y luego editar sus sonidos hasta fragmentos de forma de onda más pequeños - incluso tan pequeño como un solo ciclo. A partir de ahí, puedes cargar estas formas de onda en tu muestreador de tu elección y crear nuevos instrumentos.
  • Ir todo adentro - ¿Cuándo fue la última vez que simplemente empezaste a hacer ruido en todo lo que te rodeaba y grabaste? Configura un micrófono en el centro de la habitación, ponte unos auriculares y comienza a grabar. Después, empieza a 'tocar' tu habitación. Cuando llegues a algún tipo de conclusión lógica, deja de grabar, armar una nueva pista y repite. Puedes comenzar a crear algunos paisajes sonoros realmente únicos de esta manera que pueden conducir a nuevos conjuntos de muestras, nuevas pistas de ritmo, o con algunos inteligentes post-procesamiento, almohadillas ambientales o camas.
  • Usar un curita - Adapta una de tus pistas totalmente electrónicas a una pista totalmente acústica. Invita a algunos de tus amigos con talento musical, cómprales el almuerzo y la cerveza, y pasa el día grabando y arreglando tu melodía en nada más que instrumentos acústicos. Este puede ser un proceso increíblemente divertido y liberador para el músico que normalmente trabaja solo, en una habitación pequeña, con sólo electrónica... Como yo.

Juega con contraste

A veces, los músicos pueden ser intimidados por su propio poder de expresión. Punto del caso: ¿cuándo fue la última vez que hiciste una canción REALMENTE fuerte, explosiva, dura o rallando? Alternativamente, si estás en una velocidad-metal o un artista pesado de algún tipo, ¿Cuándo fue la última vez que hiciste una pista realmente suave y fría?

Imagen de Flickr de aussiegall

Podrías decirte a ti mismo: "Hago el tipo de música que hago, y no estoy interesado en hacer algo diferente". Una vez más - considerar esto como una forma de 'práctica', al igual que jugar escalas o aprender nuevos ritmos - y un medio de flexionar los músculos musicales. Aprender a tocar con contraste, dentro de una canción, y con canciones en general.

Con técnicas como esta, es importante no quedar atrapado en la estética - no te preocupes demasiado acerca de cómo suena el producto final o si a alguien le gustará. Esta es una práctica , así que tómalo como tal. Juega con contrastes extremos en volumen, textura y timbre. Componer una canción donde cada pista utiliza algún tipo de distorsión pesada. Alternativamente, componer una pista donde cada sonido tiene un dibujo y un ataque suave. Luego experimenta con la unión de esos dos elementos dentro de la misma canción.

Uno de mis ejemplos favoritos de esta técnica es utilizado con gran efecto por Peter Gabriel en su canción 'Darkness'  (Obscuridad) del álbum 'Up'(Arriba). Ten en cuenta lo dramático que es el cambio de intro a verso - arpegio suave y apagado, seguido de una guitarra distorsionada dura. Esta técnica se repite en el contraste de verso a estribillo y puente.


Quietud y movimiento

Los árboles, aunque generalmente no se consideran una cosa "móvil", rara vez se conservan. Hay un contraste inherente entre la solidez que se avecina del tronco de un árbol, y la sutil vacilación de las extremidades, ramas y hojas.

Imagen de Flickr de Lincolnian (Brian)

Como compositores, uno de nuestros aliados más poderosos en afectar la emoción en nuestros oyentes es el poder de la dinámica. A nivel de superficie, la dinámica puede referirse simplemente a la aparente sonoridad o suavidad de un elemento musical en particular. En términos más generales, sin embargo, la dinámica se refiere a la quietud o movimiento inherente dentro de una pieza dada. Esto abarca no sólo los cambios de volumen, sino también el tempo, el ataque, el sustento y los cambios de un elemento dado a lo largo del tiempo.

Hay un gran número de maneras en que podemos jugar con el movimiento y la quietud en una canción, pero aquí hay algunas sugerencias:

  • Automatización - Experimenta con la automatización de los parámetros de panorámica, volumen, ecualización y efectos durante largos períodos de tiempo.
  • Crear estático - Experimentar con la creación de pistas estáticas - pistas que se repiten, sin cambios durante largos períodos de tiempo. Estos contrastan bien con las otras pistas que podrían estar cambiando a tu alrededor.
  • Sé como los árboles - Bueno, no podía pensar en una mejor manera de describir esto, pero la idea aquí es que tienes una "base" relativamente simple y sutil para tu canción. A continuación, se crea una serie de pistas de "rama, extremidad y hojas" que se moverán y revolotearán alrededor de esa pista base.

Un excelente ejemplo de esta técnica se puede encontrar en 'Fossil and Fern' de Steve Roach.


Desafía la expectativa

Algunos estilos de música prosperan en la creación y entrega de la expectativa musical. Por ejemplo, la música House y Trance son especialmente efectivas en clubes y raves porque telegrafian acumulaciones musicales y averías al oyente. De esta manera, el oyente tiene una cierta expectativa y son recompensados cuando esa expectativa llega a suceder, creando una especie de "experiencia compartida" ya que su baile coincide con la música.

Imagen de Flickr de K. Kendall

A veces, sin embargo, es igual de poderoso interrumpir las expectativas en nuestra música porque puede hacer que el oyente se siente y tome nota. Estas son algunas maneras en las que puedes desafiar la expectativa en tu música.

  • Cambiar forma - Como se señaló anteriormente, experimenta con la colocación de versículos, coros o puentes donde no necesariamente los esperas.
  • Cambiar acordes - Utiliza la colocación cuidadosa de acordes para interrumpir las cadencias normales para crear tensión y liberación. Aquí hay un gran tutorial sobre cadencias.
  • Reemplazar instrumentos - Si tienes una línea melódica o armónica en particular, considera reemplazar la instrumentación de esa línea en una parte de tu canción. Por ejemplo, si tu guitarra tiene una parte de armonía o ritmo durante el primer verso, pasa esa parte a un piano durante el segundo verso.
  • No darle a ellos lo que quieren (al menos no todavía) - Si estás creando música electrónica y trabajando acumulaciones y desgloses, considera estirarlos hasta el doble de su longitud normal. Alternativamente, una vez que hayas pasado por un desglose, no pases por una acumulación - simplemente vuelve directamente a la mezcla completa, etc.

Conclusión

Estas técnicas deben considerarse, ante todo, «ejercicios». Piensa en ellos como levantamiento de pesas o calisténicas para tu música. Los resultados finales de estas prácticas pueden no ser necesariamente siempre la mejor opción musical para tus composiciones finales. Sin embargo, tener una comprensión de estas técnicas, y usarlas selectivamente para limitar las infinitas posibilidades que se enfrentan como compositor, sólo puede ayudarte en tu búsqueda de escribir gran música.

Espero que este tutorial haya sido útil, y que tomes algunas de estas ideas y utilizarlas en tu propio trabajo. Si lo haces, me encantaría saber cómo te funcionaron - por favor házmelo saber en los comentarios!

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